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BIOGRAFIAS RESUMIDAS Alberto da Veiga Guignard
Nova Friburgo, RJ, 1896 Belo Horizonte, MG, 1962 Alberto da Veiga Guignard teve a infância
marcada pela morte trágica do pai. Em 1907, muda-se com a família para
a Europa, vivendo entre Suíça, França, Itália e Alemanha. Entre 1915
e 1923, o pintor freqüentou a Real Academia de Belas Artes de Munique
e, em 1925, estudou pintura em Florença. Nos anos de 1927 e 1928
participou do Salão de Outono, em Paris. Regressou ao Brasil em 1929,
sentindo o impacto da paisagem brasileira e conhecendo Ismael Nery,
Candido Portinari e Oswaldo Goeldi. Premiado em cinco edições do
Salão Nacional de Belas Artes, Guignard conquistaria amplo respeito e
admiração, construindo ao longo dos anos uma obra sólida e fiel aos
seus princípios estéticos. Em 1944, convidado por Juscelino
Kubitschek, então prefeito de Belo Horizonte, muda-se para Minas
Gerais, onde dirigiu o curso livre de desenho e pintura da Escola de
Belas Artes de Belo Horizonte, mais tarde transformada em Escola
Guignard. Alcides Marques é mineiro de Belo
Horizonte e autodidata. Iniciou-se nas artes na década de 80. Com
talento e determinação teve seu trabalho reconhecido logo no início
de sua carreira. Hoje Alcides Marques integra a colméia dos grandes
pintores paisagistas brasileiros tendo seus trabalhos em destaque nos
grandes leilões e exposições de artes do nosso país. Catalogado no
" Anuere Internacional de Las Arts Benezit" e no catálogo
"Júlio Louzada - Artes Plásticas do Brasil". suas obras hoje
vem tendo destaques também no exterior, principalmente na América do
Norte, onde seu trabalho é comercializado por importantes galerias.
Participou de diversas exposições importantes em todo o Brasil. No início dos anos 1940, o pintor foi um
dos fundadores da Sociedade Cearense de Artes Plásticas, importante na
renovação modernista local. Em 1946 transferiu-se para São Paulo,
onde realizou sua primeira individual e fez ilustrações para os
jornais Folha da Manhã e O Estado de S. Paulo e para a revista Visão.
No ano seguinte, integrou o Grupo dos 19. Cursou gravura no Masp, onde
veio a lecionar. Com o prêmio de viagem do Salão Nacional de Arte
Moderna de 1959 embarcou para Roma. Além de pintar, Aldemir Martins
dedicou-se também às artes gráficas, ao desenho e à escultura.
Participou de diversas edições da Bienal Internacional de São Paulo e
da Bienal de Veneza em 1956, quando ganhou o prêmio de desenho. Seus
trabalhos foram expostos na Europa, nos Estados Unidos, Israel, Japão e
Marrocos, entre outras localidades. Entre 1923 e 1928, Aldo Bonadei foi aluno
de Pedro Alexandrino. Neste período freqüentou também o ateliê de
Antônio Rocco e o Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. No começo
dos anos 1930, partiu para a Itália, onde estudou na Academia de Belas
Artes de Florença. No ano seguinte, de volta a São Paulo, passou a
integrar o Grupo Santa Helena e a Família Artística Paulista. A partir
de 1942, realizou experiências no campo da escultura e da pintura sobre
porcelana. Integrou o corpo docente da primeira escola de arte moderna
de São Paulo, a Escola Livre de Artes Plásticas, em 1949, e foi um dos
fundadores da Oficina de Arte. Recebeu o Prêmio Leirner de Arte
Contemporânea, em 1958 e, em 1962, o prêmio de viagem ao estrangeiro
no Salão de Arte Moderna de São Paulo, com o qual viaja para Lisboa.
Sua obra percorre os mais variados gêneros - retratos, nus, paisagens,
naturezas-mortas e abstrações informais e geométricas. Rompendo com o
rigor do aprendizado acadêmico, Bonadei simplificou seus planos
pictóricos, absorvendo a influência de Cézanne e de um cubismo
moderado e realizando experimentações abstratas. Formado pela Faculdade Nacional de
Arquitetura, foi professor da Cadeira da Composição Decorativa.
Freqüentou o curso livre de gravura da Escola Nacional de Belas Artes,
sob orientação de Raimundo Cela, em 1952. "A luminosidade e a
magia se conjugam na arte altamente refinada de Rapoport. Palhaços,
pombos e frutas- tempos íntimos e fabulares de um depoimento que se
compraz, sobretudo, na bela fundação de um tempo de mistério.
Narrativo, algumas vezes descritivo, este pintor consegue, pela maestria
técnica, sufocar a possível memória literária oculta sob os seus
complexos de imagens, que brotam do sonho e da memória mais remota. Com
a pura espontaneidade de um livre exercício da infância, e a sabedoria
de um pensador que acumula a iconografia de seu tempo, Rapoport compõe
estas lições de equilibrismo, recriando o espaço nos termos de uma
tridimensionalidade ilusória. Armas técnicas, como a perspectiva,
encontram nele um exímio instrutor, e todos os seres de seu mundo
parecem estar arrebatados e em movimento, como o próprio mundo em que
vivemos, dentro de uma estrutura de dinâmica sideral. O símbolo fácil
e direto do clown, foi sendo substituído pelo mais secreto, da pomba.
Em últimas pesquisas assomam as pêras, rolando um infinito e
invisível rumo, desafiando a nossa surpresa, compondo a nova mesa do
repasto num tempo sinfônico de colorido e luz. Estamos diante de um
artista que conseguiu domar suas próprias habilidades, transformando
paulatinamente a casca do efeito, num universo de ação poética."
(W.A.) Volpi chegou ao Brasil com pouco mais de um
ano de idade. Foi entalhador, carpinteiro, encadernador e pintor
decorativo, dedicando-se progressivamente aos estudos artísticos. Em
1935, participou da formação do Grupo Santa Helena, juntamente com
Fulvio Penacchi, Rebolo, Mário Zanini e Aldo Bonadei, entre outros. A
partir de 1937 participou das exposições da Família Artística
Paulista. Sua produção inicial é figurativa, destacando-se as
marinhas de grande qualidade. Em 1944 realizou a primeira exposição
individual. Mas foi a estadia na Itália, no ano de 1950, junto com
Zanini e Rosi Osir, que definiu sua poética. Em 1952, participou da
Bienal de Veneza e, no ano seguinte, dividiu com Di Cavalcanti o prêmio
de pintura da II Bienal Internacional de São Paulo. Na Bienal de Veneza
de 1954, Volpi foi apontado pelos artistas do abstracionismo geométrico
como um de seus precursores. Em 1957, o Museu de Arte Moderna do Rio de
Janeiro realizou a primeira retrospectiva do artista. Volpi iniciou sua
pintura sob os efeitos de um impressionismo tardio, ampliando seu
universo estético no contato com outros artistas e alcançando grande
maturidade expressiva já em suas primeiras paisagens e marinhas. A
atenção sobre aspectos simples da arquitetura colonial, somando-se ao
influxo dos pré-renascentistas, transpareceria em sua produção
construtiva em composições de extremo requinte formal e cromático. Amilcar de Castro estudou com Franz
Weissmann e com Guignard na Escola de Arquitetura e Belas Artes de Belo
Horizonte, na década de 1940. Mudou-se para o Rio de Janeiro em 1952,
onde foi fortemente influenciado pela arte concreta de Max Bill e passou
a trabalhar como diagramador, carreira na qual atuou por quase 20 anos.
Em 1959, assinou o Manifesto Neoconcreto e, em 1960, participou da
exposição Konkrete Kunst, em Zurique, Suíça. Durante a década
seguinte cuidou da reforma gráfica do Jornal do Brasil e realizou, com
Hélio Oiticica e Jackson Ribeiro, cenografia do enredo para a escola de
samba da Mangueira, em 1964. Em 1968, com bolsa da Fundação
Guggenheim, viajou para os Estados Unidos, onde começou a utilizar
chapas de aço inoxidável em estruturas geométricas e dinâmicas. De
volta ao Brasil, em 1971, fixou-se em Belo Horizonte e lecionou na
Faculdade de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, na
Fundação de Artes de Ouro Preto e na Escola Guignard. A partir de
1990, o artista passou a dedicar-se exclusivamente à criação
artística, voltando a pintar. Num processo de corte e dobra do plano,
Amilcar de Castro dá expressão a forças contidas nos materiais que
utiliza, dos quais faz nascer uma terceira dimensão. Ana Horta Se formou em gravura pela Escola de Belas
Artes da Universidade Federal de Minas Gerais. Integrada à tendência
do neo-informalismo na pintura brasileira, tem marcado presença pela
construção cromática subjacente ao gesto espontâneo e vibrante. Foi
uma das participantes da grande coletiva da Geração 80, no Rio de
Janeiro, destacando-se pela segurança de sua proposta plástica. A
respeito de seu trabalho escreveu George E. M. Kornis: "Os amplos
planos cromáticos, a tensa gestualidade dos traços, a emotiva
sugestão de volumes - tudo aponta para a prevalência da cor nestes
trabalhos. As cores constroem este espaço contraditório no qual a
ordem se estabelece a partir de elementos desordenadores -
transparências, veladuras, contágios e invasões de cor integrando o
espaço; traços perpassando energicamente planos - e no qual a impureza
das cores atua no sentido de afirmar a identidade de cada uma.
Entretanto, esta prevalência da cor não deve subtrair a atenção do
olhar quanto à aguda incisividade dos traços - claro tributo ao
trabalho gráfico de Ana Horta - interferindo nos planos e volumes e
quanto à ampla diversidade gestual destes trabalhos." Participou de diversas exposições
individuais, tais como: 2005 Ocupação Quadrum Galeria de Arte, Belo
Horizonte; 2004 André Burian trabalhando com animais Galeria da Cemig,
Belo Horizonte/MG; Centro Cultural Bernardo Mascarenhas, Juiz de Fora,
MG; Usina Cultural, Nova Friburgo, RJ; 2002 160 x 140 , Quadrum Galeria
de Arte, Belo Horizonte/MG; 2000 Grande Galeria, Palácio das Artes,
Belo Horizonte/MG; 1999, Fundação Cultural Alfredo Ferreira Lage, Juiz
de Fora, MG; Galeria Kalil & Lauar, Belo Horizonte/MG; 1999 Museu de
Arte Contemporânea de Goiás(Goiânia); 1998 Centro Nacional de
Cultura, Lisboa, Portugal; 1997 Galeria 201, Belo Horizonte/MG; 1992
Sala Salvador Dali, Centro Cultural Brasil-Espanha, Belo Horizonte/MG.
Participou também de exposições coletivas tais como: 2006
Pictóricas, Palácio das Artes, Belo Horizonte/MG; VII Salão do mar,
Vitória; ver = ler, Galeria da Faculdade de Artes Visuais, Goiânia;
2005 o corpo na arte contemporânea brasileira, Instituto cultural
Itaú, São Paulo; Visível-Legível , Galeria de Arte Antônio
Sibatolly, Anápolis, GO; 2004, Novas aquisições Gilberto
Chateaubriand, MAM Rio; X salão Unama pequenos formatos, Belém do
Pará; Arte Pará 2004, Fundação Rômulo Maiorana, Belém do Pará;
Microlições de Coisas, Centro de Estudos Murilo Mendes, Juiz de
Fora/MG; Primeiro Salão Cataguases-Usiminas,
Cataguases/MG,Ipatinga/MG,Aracaju/SE e João Pessoa/PB; 2003
Interacidade, Galeria Iberê Camargo, Porto Alegre/RS; Subgaleria
ocupada, Subgaleria, Belo Horizonte/MG; 2002 Untitled 5, galeria Gesto
Gráfico, Belo Horizonte/MG; Interacidade, Fundação Cultural Ferreira
Lage, Juiz de Fora , MG; 2001 VIII Salão da Bahia com Mano Rey (André
Burian + Marcelo Solá )Museu de arte Moderna da Bahia/BA; I Salão
Cataguases-Leopoldina, Cataguases, MG; 2000 VII Salão da Bahia, Museu
de Arte Moderna da Bahia, Salvador/BA; 26º Salão Nacional de arte de
Belo Horizonte/MG; 1999 10 anos do Centro Cultural da UFMG, Belo
Horizonte/MG; 1998 VI Bienal Internacional de Cuenca (representação
brasileira), Cuenca,Equador; VI Victor Meirelles, Museu de Arte de Santa
Catarina, Florianópolis; Projeto Mundão, SESC Santo Amaro/SP; Resumo
Hoje, Museu Mineiro, Belo Horizonte; Trabalhos Recentes dos Artistas do
Projeto Antarctica Artes com a Folha, Pinacoteca do Parque, São Paulo;
1997 100 Anos de Artes Plásticas em BH - Núcleo Contemporâneo,
Palácio das Artes, Belo Horizonte/MG; V Victor Meirelles, Museu de Arte
de Santa Catarina, Florianópolis; 1996 Antárctica Artes com a Folha,
Pinacoteca do Parque, São Paulo; Festival do Minuto, Centro Cultural SP
e Museu da República, RJ; V Victor Meirelles, Museu de Arte de Santa
Catarina, Florianópolis; I Bienal de Arte Contemporânea de Cataguases;
1995 Monstros, Palácio das Artes, BH; André Burian, Angélica França
e Marcelo Birni, Itaú Galeria, Goiânia; V Bienal Nacional de Santos;
8, Centro Cultural da UFMG; LII Salão Paranaense, Museu de arte
Contemporânea do Paraná, Curitiba/PR; 1994 XIV Salão da Funarte, Rio
de Janeiro; Retratos, Museu Mineiro, Belo Horizonte/MG; 1993 André
Burian e Maria Leonor Decourt, Espaço Cultural Cemig, Belo
Horizonte/MG; 1992 Família, Palácio das Artes, BH; 1991 Imagens que se
apresentam ao espírito durante o sono, Centro Cultural UFMG, Belo
Horizonte/MG; Exóticos, Palácio das Artes, Belo Horizonte; 1989 VII
Salão Nacional Universitário, Centro Cultural UFMG. Foi premiado
diversas vezes com destaques para os seguintes: 2004 - Salão
Cataguases-Usiminas; 2001 I Salão Cataguases Leopoldina; 2000
Aquisição/ Exposição, 26º Salão Nacional de Belo Horizonte; 1998
Criar Lusofonia (4 meses em Portugal); 1997 Menção Especial do Juri, V
Victor Meirelles, Florianópolis; 1996 Segundo Prêmio da Bienal de
Cataguases; 1995 Primeiro Prêmio da Bienal de Santos; 1994 Prêmio de
Aquisição, XIV Salão da Funarte. André Burian é representado pela
corbis. Anita Malfatti A pintora morou de 1910 a 1914 na Alemanha,
e freqüentou durante um ano a Academia Real de Belas Artes de Berlim,
onde trabalhou com pintura, desenho e gravura. Partiu para Nova York em
1915 e estudou na Independent School of Arts, de tendência modernista.
De volta a São Paulo, em 1917, realizou duas individuais em que
apresentou pinturas, desenhos e gravuras que refletiam um aprendizado
marcado principalmente pelo expressionismo. Foi criticada por Monteiro
Lobato, mas recebeu apoio de jovens modernistas, interessados na
renovação da cultura paulistana. Aluna de Pedro Alexandrino, pintor de
formação acadêmica, durante o ano de 1919, aos poucos a artista
suavizaria a virulência presente nas primeiras obras. Malfatti
participou da Semana de Arte Moderna de 1922 e, no ano seguinte, ganhou
bolsa do Pensionato Artístico do Estado com a qual parte para Paris,
onde conviveu com Brecheret e Di Cavalcanti. Participou do Salão
Revolucionário de 1931, no Rio de Janeiro, e foi uma das fundadoras da
Sociedade Pró-Arte Moderna (SPAM). A partir de 1937 integrou a Família
Artística Paulista. No ano de 1949, o Museu de Arte de São Paulo
organizou a primeira retrospectiva de sua obra. Anita Malfatti, heroína
do modernismo, procurou deliberadamente uma expressão plástica
particular. Influenciada pelo cubismo e pelo expressionismo, libertou-se
gradualmente da filiação a qualquer estilo, dedicando-se também ao
desenho e à gravura.
No ano seguinte ao nascimento do artista, a
família mudou-se para o Brasil, instalando-se em São Paulo. O início
do aprendizado e das experiências com cerâmica aconteceu anos depois,
em Minas Gerais. Nos anos 1940, Poteiro transferiu-se para Goiânia
onde, além de exercer as profissões de torrefador de café e pedreiro,
trabalhou com o pai numa olaria, fazendo potes. Abriu duas fábricas de
cerâmica, que vieram a falir, e passou cerca de um ano e meio na Ilha
do Bananal, vivendo com os índios. Foi apenas em 1957 que passou a
assinar suas obras. Nos anos 1960, incentivado pelo professor Antonio de
Melo, criou diversos bonecos e máscaras. Seu envolvimento com a pintura
deu-se na década seguinte, sob a orientação de Siron Franco. Neste
mesmo período lecionou cerâmica no Sesc e na Alemanha. Em 1976, foi
premiado no Salão Empresarial de Artes Plásticas de Goiás e, no ano
seguinte, ganhou o Prêmio Funarte. Recebeu, em 1982, o Grande Prêmio
da Prefeitura de Belo Horizonte no XIV Salão Nacional do Museu de Arte
da Pampulha. Participou de diversas exposições de arte naïf no Brasil
e no exterior e também da Bienal Internacional de São Paulo (1981 e
1991). Em 1999 conquistou a Medalha Gustavo Ritter, do Conselho Estadual
de Cultura de Goiás, um ano antes da realização da individual 500
Anos do Brasil. Por Antonio, o Brasileiro Poteiro, no Teatro Nacional
Cláudio Santoro, em Brasília. Artur Barrio Artur Barrio mudou-se para o Brasil no ano
de 1955. No fim dos anos 1960, estudou na Escola de Belas Artes do Rio
de Janeiro, onde absorveu o clima de questionamento político e
estético do período. Em 1969 lançou um manifesto "contra as
categorias de arte, contra os salões, contra as premiações, contra os
júris, contra a crítica de arte", construindo, desde então, uma
coerente trajetória na arte contemporânea. Residiu em Portugal, na
África, no Brasil, na França e na Holanda, fixando-se no Rio de
Janeiro em 1994. Em 2001, uma ampla retrospectiva de sua obra pôde ser
apreciada no Rio de Janeiro (Museu de Arte Moderna), em São Paulo
(Paço das Artes) e em Salvador (Museu de Arte Moderna da Bahia).
Reconhecido como um dos mais importantes nomes da arte brasileira atual,
as obras do artista figuram em coleções de museus internacionais e
nacionais. O artista atravessou as últimas décadas fiel ao seu projeto
de rompimento com o culto do objeto, no qual a idéia predomina sobre a
matéria, trabalhando sobre papel e outros suportes. Bax Estudos de desenho e pintura com Guignard e
escultura com Franz Weissmann. Pintura impregnada de misticismo e
fantasia, reflete uma dimensão vivencial que tanto pode ser a
submersão como o vôo. É como de os planos estivessem simultaneamente
envolvendo a nossa respiração e fundíssemos a imagem através de
elementos específicos dos reinos do ar e da água. INDIVIDUAIS: 1963-
Galeria Grupiara, Belo Horizonte (MG); 1967- Galeria Baú, Belo
Horizonte (MG); 1968- Galeria Chez Bastião, Belo Horizonte (MG); 1971-
Retrospectiva "20 anos de pintura" (após a escola Guignard)
no "Novo Salão Minart", Belo Horizonte (MG); 1979-
Exposição "Trinta anos de vida artística" 1944/74, Hotel
D'EL Rey e Exposição na inauguração da Galeria Eucatexpo, Belo
Horizonte (MG); 1980- "35 anos de pintura", inauguração da
Galeria Mandala, Belo Horizonte (MG); 1981- "Arte em papel e
madeira", Galeria Mandala, Belo Horizonte (MG). Bruno Giorgi O artista mudou-se com a família para
Roma, em 1911, e naquela cidade estudou desenho e escultura na década
de 1920. Depois de quatro anos preso por participar de movimentos
antifascistas, foi extraditado para o Brasil, em 1935. Dois anos depois
esteve em Paris, onde freqüentou as academias La Grande Chaumière e
Ranson e conheceu Aristide Maillol, que passou a orientá-lo. De volta a
São Paulo, em 1939, trabalhou com os artistas do Grupo Santa Helena e
participou da Família Artística Paulista. Transferiu-se quatro anos
depois para o Rio de Janeiro, onde passou a lecionar e teve Francisco
Stockinger como aluno, entre outros. Retornou a São Paulo entre os anos
de 1950 e 1954 e participou da I Bienal Internacional de São Paulo, em
1951. Suas obras foram expostas em diversas capitais da Europa e também
nos Estados Unidos. Dentre os monumentos públicos de sua autoria
destacam-se o Monumento à Juventude Brasileira (Rio de Janeiro, 1947) e
Candangos e Meteoro (Brasília, 1960 - 1967). Depois de percorrer a
trilha figurativa aberta por Aristide Maillol, em figuras hieráticas e
monumentais, Bruno Giorgi adotou uma abstração de caráter
arquitetônico com a qual, conciliando movimento e elegância, alcançou
surpreendentes soluções espaciais. Bustamante Sá Paisagista e pintor de figuras, estudou na
Escola Nacional de Belas Artes, com Amoedo e Rodolfo Chambelland,
participando, mais tarde, do Núcleo Bernardelli, onde se reuniu o que o
crítico José Roberto Teixeira Leite denominou de 'a ala moderna do
modernismo carioca'. "Bustamante Sá, ontem como hoje, é movido
principalmente pelo registro plástico da paisagem vivida. Não com
Sigaud, que implantava na paisagem urbana o espinho de um conflito
social, pondo a serviço disso uma pintura tão áspera e pesada como o
tema; Bustamante envolveu amorosamente a paisagem transposta, como quem
acaricia um corpo ou saboreia um assado. Instintivo e sensorial, com
todos os gostos aguçados para os prazeres legítimos da vida,
Bustamante transmite na pintura este sentir orgânico. Não sensualiza
propriamente as atitudes, mesmo quando se trata de um nu, mas infiltra a
cor, a luz e a sombra, de um prazer visual que se revela na calidez da
pintura celada, no ouro da terra, no mistério dos verdes. Nesta clave
foi nitidamente original, timbrando de imediatismo e passionalidade o
espaço de suas projeções. Livrou-se, assim, sabiamente, das
influências impressionistas de Manoel Santiago, enveredando por uma
pintura menos clínica e mais transpirada. Bustamante jamais se afastou
desta fronteira, jamais ousou o que não lhe competia assumir, ou seja,
a transfiguração do real. Compraz-se em ver e transmitir, conferindo
ao testemunho a nitidez e fidelidade de seu instinto criador. E estava
certo - é mais fácil passarem os diluidores das revoluções
estéticas, como temos visto. O verdadeiro pintor não passa
jamais." (W.A.) Cândido Portinari Ainda menino, Portinari auxiliou na
decoração da igreja matriz de sua cidade. Mudou-se para o Rio de
Janeiro em 1918, ingressando no Liceu de Artes e Ofícios e também na
Escola Nacional de Belas Artes. Com o prêmio de viagem ganho no Salão
de Belas Artes, viaja para a Europa, onde permanece de 1929 a 1932. No
ano seguinte à primeira individual, em São Paulo, em 1934, sua obra
Café é premiada na International Exhibition of Paintings de Pittsburg.
Lecionou no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal e foi
influenciado pela retomada internacional da pintura mural. Seu primeiro
grande painel é de 1936, para o Monumento Rodoviário da rodovia
Rio-São Paulo. Neste mesmo ano foi convidado a realizar alguns afrescos
para a nova sede do Ministério da Educação e Cultura, no Rio de
Janeiro. Em 1953 é convidado a criar um painel para a sede da ONU, em
Nova York. Em 1957, Guerra e Paz deu ao pintor o Guggenheim's National
Award e o Hallmark Art Award. Carlos Bracher Primeiros estudos em sua cidade natal e
posteriores andanças pelas cidades históricas mineiras. Na década de
60 freqüenta vários cursos, sob a orientação de Fayga Ostrowér,
Frederico Morais, Inimá de Paula e Orlandino Seitas Fernandes.
"Carlos Bracher é, dos artistas brasileiros de hoje, o que lida
mais desenvoltamente com o desafio desta paisagem. Pintor puro e fiel a
seu instrumento, sente-se em sua pintura a dedicação de cobrir
matéria sobre matéria, camada sobre camada, até atingir uma
transparência que ao mesmo tempo sugere matéria domada, lombo de potro
docilizado ou corpo serenado pelo amor. Bracher, na sua obstinação de
pintor por vocação e fatalidade, disseca seu pretexto, justapõe suas
montanhas até uma quase abstração, sem se integrar à abstração
porque na verdade é um homem muito contíguo à vivência e sua imagem
no tempo. Se a matéria é uma surpresa na pintura depurada de Bracher,
o que dizer da cor, luminescente cor que evoca o reverbero do sol nos
píncaros mineralizados?" Carybé Carybé passou a infância na Itália,
chegando ao Rio de Janeiro em 1919. Produziu pinturas, gravuras,
figurinos, desenhos, cerâmicas, esculturas e murais. Foi também
pesquisador, historiador e jornalista. Freqüentou o ateliê de
cerâmica do irmão, Arnaldo Bernabó, e estudou na Escola Nacional de
Belas Artes, entre 1927 e 1929. Retornou à Argentina em 1930 e
trabalhou nos periódicos Notícias Gráficas e El Diário. No início
da década de 1940 viajou pela América do Sul. Em 1943 traduziu para o
espanhol, com Raul Brié, Macunaíma de Mário de Andrade, que também
ilustrou. Neste mesmo ano realizou sua primeira individual. Em 1944, em
Salvador, freqüentou rodas de capoeira e candomblé, realizando
desenhos e pinturas a partir desses temas. Participou da criação do
Diário Carioca, em 1946, e trabalhou também na Tribuna da Imprensa
entre 1949 e 1950. Realizou painéis e murais no Brasil, nos Estados
Unidos e na Nigéria. Em 1952 foi diretor artístico e produziu cerca de
1600 desenhos para o filme O Cangaceiro, de Lima Barreto. Dentre os
livros que publicou e ilustrou destacam-se Iconografia dos Deuses
Africanos no Candomblé da Bahia e O Uso das Plantas na Sociedade
Ioruba, do fotógrafo Pierre Verger. As obras de Carybé estiveram
expostas em cidades como Buenos Aires, Nova York, Washington, Cidade do
México, Roma, Madri, Londres, Tóquio, Lisboa e Veneza. Caulos Transferiu-se para o Rio de Janeiro em
1954. Por volta de 1967, trabalhando na Marinha Mercante, realizou seus
primeiros desenhos de humor. No início dos anos 70 destacou-se como
desenhista de humor do Jornal do Brasil e de O Pasquim, quando também
colaborou com importantes publicações estrangeiras (Penthouse, The New
York Times, Playboy etc.). Realizou várias exposições nessa época:
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1973); Galeria Vernissage, Rio
de Janeiro, e Galeria Arte Aplicada, São Paulo (1975); Galeria do
Instituto de Arquitetos do Brasil, Porto Alegre (1976); Petite Galerie
(1977) e Galeria Ipanema (1979), Rio de Janeiro. Voltou-se para a
pintura no início dos anos 80, com exposições na Bolsa de Arte de
Porto Alegre (1987) e na Galeria Bonino, Rio de Janeiro (1987, 1988 e
1992). Entre as mais recentes, merece destaque sua exposição no Museu
de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1998). Publicou, entre outros livros,
Só dói quando eu respiro (1976), Errar é humano (1978) e A última
flor amarela (1994). Capista profissional, realizou diversos trabalhos
para a editora L&PM, de Porto Alegre, tais como A dama do Bar Nevada
(1987), de Sergio Faraco; Perseguição e cerco a Juvêncio Gutierrez
(1990), de Tabajara Ruas; Comédias da vida privada (1994) e Comédias
da vida pública (1995), de Luís Fernando Veríssimo; Liberdade
liberdade (1997), de Flávio Rangel e Millôr Fernandes, etc. Chanina Transferiu residência para o Brasil em
1936 fixando-se em Belo Horizonte onde estudou Medicina,
especializando-se em psiquiatria. Paralelamente estudou pintura e
escultura com Guignard e Weissmann, na Escola de Belas Artes. Estudos
ainda de gravura em metal com Ana Letícia. Realiza uma pintura de
colorido intenso, carregada de um acento expressionista o que o
particulariza no elenco de pintores mineiros. Sem ter aderido à
abstração, antes um definido figurativista, impõe à sua figura um
desenho muito especial, muito reconhecível, no qual se destaca a
intensidade da impressão e um traço de fantasia e instinto. Cícero Dias Cícero Dias estudou arquitetura na Escola
Nacional de Belas Artes, em 1925, trocando-a depois pela pintura.
Realizou sua primeira individual em 1928. Integrou o grupo de artistas e
intelectuais interessados na renovação estética da arte brasileira e
marcou sua participação no Salão Nacional de Belas Artes com uma obra
de 15 metros de largura. Em 1937, estabeleceu-se na França. Em contato
com Picasso, com Paul Éluard e com o círculo do surrealismo, realizou
no ano seguinte sua primeira individual em Paris. Dias aproximou-se da
arte abstrata pintando em 1948, no Recife, o que é considerado o
primeiro mural abstrato da América Latina. O artista teve mostras
individuais em Londres, Paris, Lisboa e no Brasil, além de participar
de exposições de destaque como a Bienal de Veneza, em 1950, e o Salão
de Maio de Paris, de 1951 e 1958. Considerado por alguns críticos como
um dos expoentes do abstracionismo internacional, Dias ganhou uma sala
especial na Bienal Internacional de São Paulo de 1965. Dono de uma
poética que traduz as memórias afetivas de uma infância nordestina, o
artista ultrapassa o regional, aproximando-se do surrealismo pela
espontaneidade de suas figuras e cores, num despojamento plástico que o
levaria à abstração. Cláudio Tozzi Formado em arquitetura pela Faculdade de
Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo, Cláudio Tozzi
iniciou-se nas artes sob o impacto da pop art. Em 1967, seu painel
Guevara vivo ou morto, exposto no Salão Nacional de Arte
Contemporânea, foi destruído. Realizou a primeira exposição
individual em 1971, em São Paulo, e em 1975 recebeu da Associação
Brasileira dos Críticos de Arte o prêmio de viagem ao exterior. Autor
de painéis públicos, Tozzi participou de várias edições de
importantes mostras, como Jovem Arte Contemporânea, Bienal
Internacional de São Paulo, Panorama de Arte Atual Brasileira e Bienal
de Veneza. Teve trabalhos expostos ainda em Século 20: Arte do Brasil
(Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2000) e na Mostra do
Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000). Partindo de uma
estruturação geométrica, o artista alia desenho e pintura,
experimentando inicialmente uma figuração mais próxima da visualidade
pop agregada a elementos de crítica social e política. Cosme Martins Individuais: 1980/84 - Galeria Eney Santana
- MA; 1985 - Museu Artístico e Histórico do Maranhão; 1987 - Espaço
Cultural Petrobrás Rio; 1988 - Galeria IBEU - Rio 1988/99 - Galeria
Ipanema Rio; 1993 - Conjunto da Caixa - Rio; 1993 - Convidado Ministrou
curso em POST DAN - Alemanha; 1993 - Centro Cultural Cândido Mendes -
Rio; 1993 - Centro Cultural Pascoal Carlos Magno - Niterói - Rio;
Coletivas: 1981 - Museu Artístico e Histórico do Maranhão; 1983 -
Galeria Eney Santana - MA; 1987 - Galeria Basílio - Rio; 1987 - 100
anos de Villas Lobos - Galeria Basílio - Rio; 1987 - Mostra Petrobrás
de Artistas Novos - Rio; 1988 - Prêmio Abolição de Pinturas - Galeria
de Arte Ipanema 1988 - Amão; Afro-brasileira em Pinturas - Museu de
Arte Moderna de São Paulo 1988 - Três Artistas Contemporâneo -
Galeria IBEU - Museu Artístico e Histórico do Maranhão; 1988 -
Pintura e Forma - Espaço BNDS - Rio; 1988 - Pequena Galeria do Centro
Cultural Cândido Mendes; 1989 - Projeto Quatro Quadros - Galeria
Cândido Mendes - Rio 1991 - Galeria Arte Actual - Santiago - Chile 1996
- Arte Atual - Palácio dos Leões - São Luis - MA; 1991 - Workshop
Alemanha Brasil João Pessoa - PB; 2002 - Galeria de Arte Ipanema - Rio;
Exposição Itinerante: 1991 à 1992 nas seguintes capitais: Recife,
Salvador, Ilhéus, Brasília, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Curitiba,
Florianópolis, Porto Alegre e São Paulo; 1991 - Diez Años - Galeria
de Arte Actual - Santiago do Chille 1991 - Coleção - Centro Cultural
Cândido Mendes - Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; 1992 -
Coleção - Centro Cultural Cândido Mendes - Museu de Belas Artes - Rio
de Janeiro; 1997 - Gallery 97 - Casa Shopping - Rio; 2000 - Coletiva do
Abril - São Luis Shopping Center - MA; 2002 - TNT Galeria de Arte -
Rio; 2002 - Galeria Arte Ipanema - Rio; 2004 - Atualidade Galeria de
Arte - Rio; Principais Salões: 1985/88 - Salão de Pernambuco; 1996 -
9º Salão Nacional de Artes Plásticas - Região Centro Oeste - DF;
1988 - XII Salão Carioca de Artes Plásticas; 1988 - Salon des
Anliquaires et des Createurs Contemporains (Passerelles de l'Arte
Paris.); Prêmio Aquisição: 1991- Prêmio Brasília de Artes
Plásticas e Salão Nacional de Artes Plásticas - Brasília e Rio de
Janeiro; 1993 - Salão Nacional de Artes Plásticas - Rio; 1987 - V
Salão de Ferrovia PRÊMIO NORDELLES S/A - RIO; 1988 - Recebeu PRÊMIO
DE VIAGEM À PARIS - ABO LIÇÃO DE PINTURAS; 1993 - 1º Salão MAM -
Bahia 1993 - Artista Convidado Salão de Maio - São Luis - MA. Décio Bracher Nasceu na cidade de Belo Horizonte em 1932.
Arquiteto, pintor, desenhista e professor, estudou pintura e desenho com
Frederico Bracher Jr. e Edson Motta, composição com Fayga Ostrower e
gravura com Lótus Lobo. Arquiteto pela UFMG, fez diversos projetos,
como o da Reitoria da Universidade Federal Juiz de Fora, e lecionou a
cadeira de arquitetura no curso de Engenharia da UFRJ. Seus temas, por
excelência, são as paisagens urbanas e flores, feitas em cores ou em
desenhos de traços puros. Defensor do patrimônio arquitetônico, foi
membro da Comissão do Patrimônio Histórico e Artístico do Instituto
de Arquitetos do Brasil - Sessão Rio de Janeiro. Em suas pesquisas,
realizou dezenas de vídeos com análises e entrevistas que versam sobre
as obras de vários artistas, seus estilos, a historicidade e natureza
da criação artística. Expôs em diversos salões, obtendo
premiações como o "Prêmio de Pintura", do Conselho Estadual
de Cultura de Minas Gerais. Dionísio Del Santo Pintor, desenhista e gravador, Del Santo
estudou no seminário São Francisco de Assis, em Santa Teresa, no
Espírito Santo, entre 1932 e 1939. Autodidata, começou a pintar em
1951. Participou da exposição Opinião 66, no MAM do Rio de Janeiro, e
em 1975 recebeu o prêmio de melhor exposição de gravura do ano da
Associação Paulista de Críticos de Arte. Em figurações
geométricas, de um abstracionismo acentuado, o artista aproxima-se com
seu cromatismo vibrante da op art. Entre outras exposições, participou
da IX Bienal Internacional de São Paulo (1967), Salão Nacional de Arte
Moderna (Rio de Janeiro,1968), Projeto Construtivo na Arte ( MAM/RJ,
1977), Tradição e Ruptura: Síntese de Arte e Cultura Brasileiras
(Fundação Bienal de São Paulo, 1984), Retrospectiva (Paço Imperial
do Rio de Janeiro,1989), Bienal Brasil Século XX (São Paulo, 1994) e
Os Colecionadores - Guita e José Mindlin: Matrizes e Gravuras (Centro
Cultural Fiesp, São Paulo, 1998). Eduardo Sued Graduado em engenharia em 1948, Sued começou a estudar desenho e pintura com Henrique Boese no ano seguinte. Em 1950 e 51 trabalhou como desenhista no escritório de Oscar Niemeyer. Com uma bolsa concedida pela embaixada da França, viajou para Paris, onde freqüentou a Académie Julien e a Académie de La Grande Chaumière. Retornou ao Brasil em 1953. Estudou gravura em metal com Iberê Camargo e lecionou na Escolinha de Arte Brasil, em 1956. Transferindo-se para São Paulo, foi professor na Fundação Armando Álvares Penteado. Entre 1974 e 1980, ensinou gravura em metal no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Além das individuais, participou de mostras como Bienal Internacional de Gravura (Cracóvia, Polônia, 1970), América Latina - Geometria Sensível (MAM/RJ, 1978), Bienal de Veneza (1984), Gesto e Estrutura (Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, 1989), Precisão (Centro Cultural do Banco do Brasil, Rio de Janeiro, 1994), Volpi e Sued (Galeria de Arte Ipanema, Rio de Janeiro, 1999), Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000) e O Espírito de Nossa Época (MAM/SP, 2001).
Passa a residir na Itália, em 1935,
formando-se pela Academia Brera, de Milão. Curso de aperfeiçoamento na
Escola Superior de Belas Artes de Paris, em 1939. Com a eclosão da II
Guerra Mundial, a conselho de sua amiga, a pintora Maria Helena Vieira
da Silva, transfere-se para Brasil, aqui chegando em 1940 e fixando
residência no Rio de Janeiro. Em 1942 percorreu as cidades históricas
de Minas Gerais, de cuja impressão resultou a instalação de um
atelier de trabalho em Barbacena. O contato com as cidades históricas
mineiras foi fundamental em sua formação de pintor. O clima de
passado, romance, religiosidade e mistério, serviam como suporte
perfeito à sua tinta apaixonada e soturna. Apesar das muitas viagens à
Europa, volta sempre a Barbacena, enraizando-se cada vez mais na
poderosa e dramática vivência das reminiscências coloniais e barrocas
da região. O capítulo da arte sacra foi de grande importância em sua
produção, resultando de um processo íntimo de conversão ao
catolicismo, por influência de Murilo Mendes, Lúcio Cardoso e outros
escritores católicos com quem conviveu nos primeiros anos de Brasil.
Entre os segmentos seqüenciais de sua temática sacra , ressaltam as
via-sacras. De uma delas disse José Roberto Teixeira Leite, em análise
que se estende ao espírito de todo os projetos e realizações
posteriores mo gênero: "É retratando o drama do Gólgota que
Emeric Marcier atingiu, quem sabe, o mais alto de sua trajetória. A
esse motivo- que seduziu tantos e tantos artistas pelos séculos afora-
tem retornado sempre, numa obstinação que bem traduz, de certo, uma
das constantes de seu temperamento- aquilo a que René Huyghe tão bem
designou de textura de alma". Alem dos temas sacros, Emeric Marcier
é mestre na paisagem e no retrato, conferindo o mesmo clima místico e
arrebatando aos detalhes colhidos do natural. Enrico Bianco Ainda em Roma realizou os primeiros
estudos, participou de uma quadrienal de pintura (1935) e fez a primeira
individual (1936). Transferiu residência para o Brasil em 1938,
fixando-se no Rio de Janeiro. No Brasil, ligou-se a Portinari como
assistente técnico de muitos de seus murais, mantendo-se esta
ligação, praticamente até a morte do mestre, em 1962. "Bianco
pinta o Brasil, e o faz com a cor do tropicalismo, levemente filtrada
pela contenção mediterrânea. As formas com que estrutura sobretudo,
as figuras dos animais, estão dinamizadas pela luz e se expandem numa
progressão de músculos e nervos, ao ritmo de uma pincelada segura e
integrada. Muitas de suas "cenas" vêm marcadas por uma
cenografia irreal - transposição virtual da realidade a um plano de
fantástica relevância. Ouçamos Leonello Venturi: "O importante
é a contribuição humana que uma pintura nos oferece, suas sugestões
à nossa maneira de sentir e à nossa imaginação."Isto sublinha,
com perfeição, o mundo plástico de Bianco, e cabe à crítica
ponderar sobre o motivo desta capacidade mágica de fascinar o
espectador, o que ele manipula com irresistível destreza." (W. A.) Fani Bracher Formada em Jornalismo pela Universidade
Federal de Juiz de Fora realizou, de 1968 a 1971, uma viagem de estudos
pela Europa e Estados Unidos, fixando-se principalmente em Paris. De
volta passa a residir em Ouro Preto, onde começou a pintar a parti de
1973. Referindo-se à sua pintura escreveu George Raças: " A
pintura de Fani é contemplativa. A fonte de inspiração vem claramente
das alterosas, das cidades barrocas, de retalhos do interior, numa
postura poética que permeia paisagens, naturezas mortas, flores de
carinhosa presença. Cada artista reage de maneira específica diante do
universo: há os de vanguarda, inventores insaciáveis, freqüentemente
inoclastas; há os que são atraídos pelos temas eternos,
inexauríveis. Fani faz parte evidentemente do segundo grupo ao retomar
o habitat das Minas Gerais para projetar, através dele, seu ego e sua
proposta plástica, vigorosa torrente de superfície plácida. A poesia
suave que emana dos quadros ora expostos é tratada com rigor, na forma
e no conteúdo. Uma forte construção geometrizante oferece estrutura
para um tratamento sóbrio do diálogo entre volumes, massas e linhas,
reforçado pela coloração contida, algo nostálgica, em que predominam
as cores terra e aparecem complementos de azuis e verdes pontuados por
brancos discretamente esbatidos." Farnese de Andrade Entre 1945 e 1948, o artista estudou com
Guignard, em Belo Horizonte. No final dos anos 1950, freqüentou o
Ateliê de Gravura do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, onde se
aperfeiçoou em gravura em metal com Johnny Friedlaender. Realizou
ilustrações para livros, jornais e revistas como Correio da Manhã, O
Cruzeiro e Manchete. Em 1963, iniciou seus trabalhos com objetos e
materiais diversos recolhidos no lixo, como armários, fotografias,
lentes de vidro, ex-votos, bonecas e oratórios. Recebeu o prêmio de
viagem ao exterior no Salão Nacional de Arte Moderna de 1970 e partiu
para a Espanha, onde trabalhou por quatro anos. Naquele mesmo ano,
Olívio Tavares de Araújo realizou um documentário sobre a obra do
artista que foi premiado no Festival de Cinema de Brasília. Fernando Lucchesi Fernando Luiz Lucchesi Cunha nasceu em Belo
Horizonte, em 1955. Artista plástico autodidata. Foi premiado no Salão
do Conselho Estadual de Cultura de Minas Gerais (1980). Participou da
XVIII Bienal Internacional de São Paulo , SP (1985) e I Bienal de Artes
Visuais do Mercosul , Porto Alegre (1997). Participou de renomadas
mostras coletivas em vários países do mundo e no Brasil. Realizou
individuais nos seguintes espaços: FAOP, Ouro Preto/MG (1978); Grande
Galeria do Palácio das Artes, BH (1981); Espaço Cultural Cemig, BH
(1985); Centro Cultural Cândido Mendes, RJ (1986); Palácio das Artes,
BH (1987); Realiza um mural no Pavilhão de Agropecuária de Minas
Gerais (1987); Palácio das Artes, BH (1988); Galeria Cidade, BH (1990);
Museu da Inconfidência, Ouro Preto/MG (1991); Galeria de Arte do BDMG,
BH (1991); Oratórios , Espaço Cultural Caixa Econômica Federal, BH
(1992); Casa Thomas Jefferson, Brasília (1992); Omni Galeria de Arte,
BH (1992); Espaço Cultural Júlia Kubitschek, BH (1992); Casa Guignard,
Ouro Preto/MG, (1993); Apresenta a instalação Astrolábio no Teatro
Municipal de Ouro Preto, Ouro Preto/MG (1993); Galeria Debret, Paris
(1994); Fernando Pedro Escritório de Arte, BH (1994); Centro Cultural
de São Paulo, SP (1994); Fundação Alphonsus Guimarães, Mariana/MG
(1997); Galeria Quadrum, BH (1998); Galeria Marina Potrich, Goiânia
(1998); Galeria AM, BH (1998); Manoel Macedo Galeria de Arte, BH (1999);
Galeria Marília Rasuk, SP (2000); Centro Cultural UFMG, BH (2000);
Ária Galeria de Arte, Recife, PE (2000); Galeria Horizonte, SP (2004).
Possui obras no acervo do Palácio das Artes, BH; MAP-BH; MAM-RJ e
Instituto Cultural Itaú, SP. Sobre o artista foi publicado o
livro-depoimento Fernando Lucchesi dentro da coleção Circuito Atelier
(Belo Horizonte: Editora C/Arte, 1999) e o livro Fernando Lucchesi
organizado por Aracy Amaral (Belo Horizonte: Editora C/Arte, 2000).
Integrou o projeto Registros da Arte Brasileira Litografias Série
2000 , organizado pela C/Arte Projetos Culturais (2000). Fernando Pacheco Fernando Correia de Melo Pacheco nasceu em
São João Del Rei, MG, em 1949. Pintor e desenhista autodidata,
freqüentou o Núcleo de Atividades Criativas de Arlinda Corrêa Lima,
em Belo Horizonte. Trabalhou no Departamento de Artes Plásticas da
Fundação Clóvis Salgado, BH, e desde 1996 é analista de eventos
artísticos e culturais do Museu Mineiro, BH. I, III Salão Nacional de
Artes Plásticas de Itajubá , MG (1979/81); II, IV e V Salão do
Conselho Estadual de Cultura , BH (1979/81/82); II Salão do Futebol ,
BH (1982); I Salão de Arte Cidade do Recife (1982); II Salão de Artes
Visuais da Fundação Clóvis Salgado, BH (1985); I Salão de Artes
Plásticas da Aeronáutica , BH (1985); I e III Bienal Nacional de Arte
Mística de Governador Valadares, MG (1986-91). Recebeu ainda o "
Prêmio Criarte" Os Dez Melhores Destaques das Artes Plásticas
Mineiras de 1987, oferecido pela Associação de Críticos de Arte,
Marchands e Colecionadores de Belo Horizonte. Em 1999 recebeu o "
Prêmio Bolsa Nascentes" no setor de Artes Plásticas oferecido
pela Manoel Macedo Galeria de Arte em Belo Horizonte. E o " Prêmio
Especial Master" , da Faculdade Estácio de Sá, BH, em 2003.
Participou do I Salão Universitário de Artes Plásticas , Instituto
Nacional de Artes Plásticas, RJ (1976); X Salão de Artes Plásticas de
São Lourenço , MG (1976); Salão do Carnaval , Palácio da Cultura, RJ
(1976); I, II e III Salão de Pintura Nello Nuno , Palácio das Artes,
BH e na Universidade Federal de Viçosa, MG (1976/77/78); IV Salão
Nacional de Artes Plásticas da Caixa Econômica do Estado de Goiás,
Goiânia (1977); IV Salão Nacional de Caixego , GO (1977); I Salão de
Artes Plásticas do Conselho Estadual de Cultura de Minas Gerais,
Palácio das Artes, BH (1978); 9, 13, 14, 15, 16, 17 e 18 Salão
Nacional de Arte de Belo Horizonte , MAP (1977/81/82/83/84/85/86); I,
III, V e IX Salão Nacional de Artes Plásticas , Funarte, RJ
(1978/80/82/86); I, II e IV Salão do Futebol , Palácio das Artes
(1978/82/90); Salão do Carnaval , Palácio das Artes, BH (1980); III
Salão de Artes Plásticas do Conselho Estadual de Cultura de Minas
Gerais , Palácio das Artes, BH e em Juiz de Fora, MG (1980); I e II
Arte-Boi: Salão Nacional de Montes Claros , Centro Cultural Hermes de
Paula, Montes Claros e MAP, BH (1980-82); 37, 39 e 40 Salão Paranaense
, Teatro Guaíra, Curitiba (1980/82/83); 34 e 36 Salão de Artes
Plásticas de Pernambuco , Museu do Estado, Recife (1981-83); VIII
Salão de Arte de Ribeirão Preto , Casa da Cultura, Ribeirão Preto, SP
(1983); VI Salão de Artes Plásticas do Conselho Estadual de Cultura de
Minas Gerais , Palácio das Artes, BH (1983); VII Salão de Arte de
Franca , Pinacoteca Municipal, Franca, SP (1983); I Salão de Pintura de
Governador Valadares , MG, (1984); IV Salão Brasileiro de Arte ,
Fundação Mokiti Okada, SP (1984); I e II Salão Nacional de Artes
Plásticas de Goiânia , GO (1984/85); I e II Salão de Artes Visuais da
Fundação Clóvis Salgado , BH (1984/85); II, III, IV e V Salão da
Aeronáutica , MAP (1986/87/88/89); II Salão Nacional de Arte ,
Itajubá, MG (1989). Flávio Tavares Flávio Roberto Tavares de Melo é pintor e
desenhista. Tendo conquistado em 1964, o primeiro prêmio de pintura
numa mostra coletiva realizada na Faculdade de Direito da Universidade
Federal da Paraíba e integrado a exposição Seis Artistas Paraibanos
(Galeria da Ribeira, Olinda, 1965), recebeu a orientação de Raul
Córdula Filho no campo da pintura, ainda em 1965, na sua cidade natal.
Participou na XVI SNAM (1967). Como indicou Antônio Maia, em 1967, a
temática de seus trabalhos prende-se a "figuras populares dentro
do clima religioso do Nordeste". Reside em João Pessoa, tendo,
mais recentemente, apresentado seus trabalhos, em companhia do ceramista
e desenhista Miguel Domingo dos Santos, na Galeria Celina (GB, 1969). Holmes Neves Holmes de Magalhães Neves nasceu em Lima
Duarte, MG, 1925. Pintor, desenhista e gravador. Estudou com Guignard,
Misabel Pedrosa e Edith Bhering na Escola Guignard em Belo Horizonte.
Premiado no II,VI e VII SMBA, BH (1946/50/5l); III SAP do Festival
Universitário de Belo Horizonte (1954); SNBA, RJ (1973-74); Salão
Afro-Brasileiro (1978). Participou do X, XII e XV SNAM (1961/63/66); I
Bienal Nacional de Artes Plásticas, Salvador (1966); I Salão de Ouro
Preto, MG (1967). Participou das coletivas: Galeria Germini, RJ (1958);
Galeria Macrô, BH (1963); Galeria Vila Rica, RJ (1965); Embaixada dos
EUA, RJ (1967); Galeria G4, RJ (1967); I Feira de Arte da AIAP, MAM-RJ
(1968); Petite Galerie, RJ (1968); Galeria Oca, RJ (1969); Pequenos
Formatos, Galeria Guignard, BH (1970); Quitandinha, Petrópolis, RJ
(1972); Ex-alunos de Guignard, Palácio das Artes, BH (1973); Galeria
Seta, SP (1974); Galeria Picasso, Recife (1975); O Artista visto pelo
Artista, Galeria Atelier, RJ (1975); Brasil Arte e Turismo, Hotel Plaza,
RJ (1978); Brasil Arte e Turismo, Nova York (1980); Galeria Dresdner
Bank, Hannover e Colônia, Alemanha (1980); Consulado Brasileiro, Berlim
(1980); Galeria Hotel, Hannover (1980); Galeria Roberto Alves, RJ
(1980); Galeria Renoir, Buenos Aires, (1981); El Convention Center,
Punta del Este, Uruguai (1981); Financeira Tutelar, Províncias de
Mendoza e Rosário, Argentina (1982); Arte por 9 Caminhos, Socius Centro
Cultural, RJ (1985); Comemoração do 413º Aniversário da Cidade de
Niterói, RJ; Ministério das Comunicações, Brasília (1987); Liberal
Galeria de Arte, RJ (1987); Consolidação da Modernidade em Belo
Horizonte, MAP, BH (1996). Realizou as seguintes individuais: Galeria
Litta, Milão, Itália; Galeria Renoir, Buenos Aires; Puerta de Sol
d'América, La Paz; Galeria Guignard; Sociedade Cultural e Artística,
RJ; Galeria do ICBEU, Santos, SP; Galeria de Arte e Pesquisa da UFES,
Vitória; Galeria do Largo do Comendador, Curitiba; Galeria Toulouse,
RJ; Espaço 43 Galeria de Arte, RJ. Igor Christoff Nascido na cidade de Montes Claros/MG no
dia 04 de maio de 1959, Igor Christoff, desde a infância, até mesmo
pelo convívio contínuo com o pai, o grande pintor e búlgaro
Konstantin Christoff, já sentia uma grande afinidade com a arte. Nas
palavras da arquiteta Viviane Marques "(...)Seu trabalho é a nós
apresentado por uma ordem lógica na composição do espaço, que se faz
entre o balançar das formas hiper-realistas e das estruturas
matemáticas. É uma arte espontânea, serena, quase tátil, onde o
contraste das imagens é induzido na superfície plana entre marcos
figurativos e disposições euclidianas. São composições onde o
conceito do espaço vibra entre o escape simbólico e físico na
superfície plana. Oscilando entre imobilidade e movimento, as formas
colocadas tratam a figura com expressividade e o traço com
subjetividade. A obra caracteriza-se por pólos complementares em
arranjo simples que no impacto da perspectiva induzem o espectador a
vaguear entre a imaginação e a razão.(...)". Inimá de Paula Inimá José de Paula iniciou-se no estudo
de arte junto ao Núcleo Antônio Parreiras, em Juiz de Fora, entre 1938
e 1940. Transferiu-se para o Rio de Janeiro, onde trabalhou retocando
fotografias e freqüentou por dois meses as aulas de desenho no Liceu de
Artes e Ofícios. Aproximou-se dos ex-integrantes do Núcleo Bernadelli,
principalmente de Yoshia Takaoka, com quem costumava sair para pintar no
bairro de Santa Tereza. Mudou-se para Fortaleza em 1944 e, ao lado de
outros artistas como Antonio Bandeira e Aldemir Martins, participou do
movimento de renovação das artes no Ceará. Voltou ao Rio de Janeiro
no ano seguinte, passando a lecionar. Participou de algumas exposições
e realizou sua primeira individual, no Instituto dos Arquitetos do
Brasil. No Salão Nacional de Belas Artes, em 1952, conquistou o prêmio
de viagem ao exterior. Em Paris, freqüentou a Académie de La Grande
Chaumière e o ateliê de André Lothe. De volta ao Brasil, em 1956,
auxiliou Portinari na execução do painel Tiradentes. Posteriormente,
transferiu-se para Belo Horizonte e foi professor no curso de pintura da
Escola Guignard. Esteve entre os participantes da primeira e da quinta
edições da Bienal Internacional de São Paulo. Mais recentemente, em
1983, participou da mostra Panorama da Arte Atual Brasileira (MAM/SP). Inos Corradin Primeiros estudos de arte na Itália. Em 1950, transfere residência para o Brasil, fixando-se em Jundiaí. Desde então seu percurso nacional e internacional tem-se cumprido com correção e eficiência. "Inos Corradin nos obriga, de início, a encarar a estranheza da cor, o requinte da matéria estranha esta cor indefinida, suporte de todas as cores, sumo esmagado e cozido do espectro solar, palpitante e macio como um organismo vivo. Introduzidos pela cor, oscilamos entre o jogo picaresco da estilização, e o espaço metafísico onde as formas se distribuem como detalhes de um brinquedo fantástico. A figura humana assume a forma dos bonecos articulados, disfarçando no sal do humor o desacerto e a perplexidade do homem contemporâneo. O conteúdo lírico desta pintura avança na progressão direta da pesquisa construtiva da composição, no filtro geometrizado pelo qual as formas são medidas, transformando o visível numa espécie de equação luminosa. Assumindo, ainda mais, uma Commedia Dell'arte, Inos Corradin integra nesta dicção plástica o ex-voto, a paisagem e o homem brasileiro, nivelando todas as referências sob o prisma de uma linguagem muito pessoal." (W.A.)
Isaura Caporali Pena nasceu em Belo
Horizonte, em 1958. Artista plástica graduada em desenho pela Escola de
Belas Artes da UFMG, Belo Horizonte. Fez cursos de litografia com Lotus
Lobo e freqüentou o Núcleo Experimental, dirigido por Amilcar de
Castro. Em 1978, fundou, em Belo Horizonte, com Ana Horta, Andréia
Guimarães, Beth Cavalcanti e Wanda Sgarbi, a Escolinha de Arte Quintal,
onde, de 1978 a 1982, dá aulas para crianças pequenas. Em 1984, funda
com Andréia Guimarães em Belo Horizonte, a Escolinha de Arte do
Instituto de Arquitetos do Brasil (IAB), e, em 1990, torna-se professora
de Desenho no Curso Livre de Artes Plásticas da Escola Guignard. Com
Andréa Guimarães, Eduardo Motta e Patrícia Leite, fundou o ateliê de
artes plásticas Risco e Rabisco, e com Roberto Guimarães, Marcos
Coelho Benjamim, Getúlio Moreira e Patrícia Leite, fundou o Atelier
Bonfim. Recebeu premiações no II Salão Baiano, Salvador (1989); XLV
Salão Paranaense, Curitiba (1988); XIX Salão Nacional de Artes
Plásticas de Belo Horizonte, MAP (1988); Prêmio Concorrência Fiat, BH
(1988). Participou do V Salão Nello Nuno de Gravura, Palácio das
Artes, BH (1979); Salão da Coordenadoria de Cultura, Palácio das Artes
(1981); IV e VIII Salão Nacional de Artes Plásticas, MAM-RJ (1981/85);
Salão Caminhos do Desenho Brasileiro, Museu de Arte do Rio Grande do
Sul (1986); X Salão Nacional de Arte, Funarte, RJ (1988); XLV Salão
Paranaense, MAC-Paraná, Curitiba (1988); II Salão Baiano, Solar do
Unhão, Salvador (1989). Isaura Pena possui obras nos acervos dos
seguintes museus e instituições: Museu de Arte da Pampulha em Belo
Horizonte, Museu Nacional de Belas Artes e Museu de Arte Moderna no Rio
de Janeiro, Museu de Arte do Rio Grande do Sul em Porto Alegre, Museu de
Arte Contemporânea em Curitiba, Centro Cultural Cândido Mendes no Rio
e Universidade Federal de Minas Gerais em Belo Horizonte. Jarbas Juarez Nasceu em Coqueiral, MG, 1936. Desenhista,
escultor, pintor, gravador e ilustrador. Formou-se em artes pela Escola
Guignard, BH, tendo feito curso de litografia com João Quaglia,
xilogravura com Misabel Pedrosa e curso de especialização em artes
plásticas na UFMG, BH. Exerceu atividades jornalísticas como
ilustrador e editor gráfico da revista Alterosa. Colaborou com
ilustrações para o Suplemento Literário do Minas Gerais e várias
editoras infanto-juvenis. Foi um dos artistas mais audaciosos da
neovanguarda de Belo Horizonte nos anos 60. Foi professor de desenho na
EBA/UFMG e atualmente é professor da Escola Guignard. Recebeu vários
prêmios: o primeiro prêmio no XIII e XIX SMBA, MAP, BH (1958-64); XII,
XVII e XXIII SMBA, (1957/62/68); XXI Salão Paranaense (1964); Salão de
Ouro Preto, MG (1966); I e III SNAPBH, MAP (1969-71). Participou dos
Salões: XIV, XV, XVI, XXI SMBA, BH (1959/60/61/66); III Salão de Arte
de Penápolis, SP (1962); XXII, XXVIII, XXXVI, XXXVII, XLII Salão
Paranaense de Belas Artes, Curitiba (1965/72/79/85); II Salão de Arte
Moderna do Distrito Federal, Brasília (1965); I e II Bienal da Bahia,
Salvador (1966-68); IX e XIII BISP (1967-75); IV Salão Nacional da
Cultura Francesa, Reitoria da UFMG (1970); XVII SNAPBH, MAP (1986); I,
II, III, IV, VIII Salão Global de Inverno, Palácio das Artes, BH
(1973/74/75/76/81); Bienal Nacional, Fundação Bienal São Paulo
(1974); I Salão do Futebol, Palácio das Artes (1978); I, III, IV, V
SNAP, Funarte, RJ (1978/81/82/83); XXVIème Salon des Arts, Cholet,
França (1995). Expôs em diversas coletivas importantes no Brasil e no
exterior. João Câmara Filho A partir de 1955 fixou residência no
Recife onde fez os primeiros estudos de arte e psicologia. No início da
década de 60 começou a escrever crítica de arte nos jornais de
Recife, sendo conduzido, mais recentemente, à Associação Brasileira
de Críticos de Arte. Clarival do Prado Valladares, um de seus
principais exegetas, escreveu: "João Câmara Filho, nascido em
1944, afirma-se como pintor e gravador quando, já residindo no Recife,
obtém os primeiros prêmios de 1962 e 1964 do Salão de Pintura do
Estado de Pernambuco em gravura e pintura. (...) Desde o seu surgimento,
João Câmara tem sido impacto na pintura brasileira. Percorreu a
década de sessenta criando uma linguagem de individualidade
estilística, sempre dotada de renovação. Muitos o identificaram com o
"nouvelle figuration" manifestada nos sessenta, porém
historiada através da revisão de Bacon, Dubuffet, Pignon, entre
outros. (...) Seu percurso nos anos setenta surpreende pela renovação
e reformulação de texto, assim como pelo enriquecimento técnico, de
materiais e processos. Exclui de todo um certo brutalismo da matéria,
ou do tratamento, exercita-se na pintura lisa, nas entonações e
gradações e esses recursos trazem novas modulações franqueando-lhe a
intimidade com os temas, por vezes referenciados. Aceita o desafio da
crônica política, da história que pouco antecede sua data, brinca com
os arquétipos reduzindo-os a dissecados. Brinca com a própria figura
modelada, duplicando-a como num pesadelo, ou justificando-a na
monstruosidade. (...)" João Quaglia Transferiu residência para Rio de Janeiro
em 1947. Dois anos depois matricula-se na Escola Nacional de Belas Artes
e ingressa, em 1950, na Associação Brasileira de Desenho. Estudos de
pintura com Aldo Malagoli. Os estudos de gravura, que iniciaria na Bahia
com Mário Cravo, são aperfeiçoados no Rio com Darel Valença Lins. Em
1958 conquista o prêmio de viagem ao estrangeiro no Salão Nacional de
Arte Moderna, o que o leva a freqüentar o atelier Boj, em Madri. Rubem
Braga refere-se à matéria e a cor de sua pintura dizendo: "O que
é importante em seus quadros bem construídos é a matéria - aquilo
que os velhos críticos procuravam exprimir esfregando os dedos
indicador e médio no polegar, com um gesto parecido ao de quem fala em
dinheiro. Nenhum outro pintor brasileiro de hoje o supera nesse mister
de paciência e sabedoria de misturar cores e matizes. O conjunto é
sombrio, mas há pequenas zonas em que parecem se acender discretas
luzes internas, sinais de palpitação e vida. Ele é um pintor de alta
qualidade para os que, a esta altura dos debates, guardam amor e
respeito pela pintura a óleo sobre tela- veneranda técnica, mas quero
que ainda válida, nestes tempos de vale-tudo". Jorge dos Anjos Nasceu em Ouro Preto, MG, 1956. Desenhista,
pintor e escultor. Estudou na FAOP, com Amilcar de Castro, Anna Amélia
e Nello Nuno. Foi premiado na 5a Semana da Arte de Divinópolis (1974);
no 1º Salão Pintura "Nello Nuno", Palácio das Artes, BH
(1976); Salão do Futebol, Palácio das Artes (1978); XIV, XVII e XIX
Salão Nacional de Arte da Prefeitura de Belo Horizonte, Museu de Arte
da Pampulha (1982/85/87); IV Salão de Artes do Conselho Estadual de
Cultura, Palácio das Artes (1983); Salão de Arte de Governador
Valadares, Palácio da Cultura (1984) e IX Salão Nacional de
Arte-Sudeste, Palácio das Artes (1986). Participou de importantes
mostras coletivas no Brasil e no exterior. Em Fortaleza possui a
escultura Via Urbana, localizada na Avenida Maestro Lisboa, estrada do
Beach Park e em Belo Horizonte a escultura Monumento Zumbi Liberdade e
Resistência, localizada no canteiro central da Av. Brasil. Realizou
ainda trabalhos para os seguintes edifícios e espaços públicos:
Edifício Capri; Edifício Officenter; Edifício OMNI Center, Bahia
Shopping, Teatro Santo Agostinho, canteiro central da Avenida Pasteur,
em Belo Horizonte. Publicou em 1988 em parceria com Álvaro Andrade
Garcia o livro de desenhos e poemas intitulado Visagens e, em 2002, o
livro Caderno de Pele e de Pelo com Guiomar de Grammont e Guilherme
Mansur. Jorge Leite Atualmente dedica-se à escultura.
Formação: - Extensão na Escola de Belas Artes da UFMG, Belo
Horizonte, MG, 1980; Curso de Litografia na Escola Guignard, Belo
Horizonte, MG; - Festival de Inverno, Diamantina, MG, 1984; - Extensão
de Desenho na Faculdade de Ouro Preto MG, 1984; - Orientação em
Escultura em mármore no Atelier de Francisco Stockinger, Porto Alegre,
RS, 1999/200; Exposições: 1989 - Casa de Portugal, SP, 1º Prêmio em
Pintura; 1993 - IV Bienal Nacional de Santos, SP, artista selecionado;
2001 - Exposição do Leilão Beneficente ao Educandário São João
Batista, Galeria Bolsa de Arte de Porto Alegre, RS; 2001 - Exposição
"Nu Peito" de artistas convidados da Galeria Tina Zappoli, no
Shopping Moinhos, Porto Alegre, RS; 2003 - Exposição
"Humanidades", Galeria Tina Zappoli, Porto Alegre, RS; 2005 -
Exposição "A Reunião", Galeria Tina Zappoli, Porto Alegre,
RS. Está representado também em diversas coleções particulares do
Rio de Janeiro, Brasília e Estados Unidos. Nos últimos anos voltou a
morar em Belo Horizonte, onde desenvolve seu trabalho em escultura com
muito destaque no circuito de arte. José Antônio da Silva O artista foi trabalhador rural no interior
paulista. Em 1931, fixa-se em São José do Rio Preto, onde trabalhou
como camareiro, garçom e guarda noturno. Pintor autodidata, expôs pela
primeira vez em 1946, quando foi descoberto por Lourival Gomes Machado,
Paulo Mendes de Almeida e João Cruz Costa. Realizou as primeiras
individuais em 1948 e 1949 na Galeria Domus, em São Paulo. Em 1956, em
protesto por sua exclusão da IV Bienal Internacional de São Paulo,
pintou uma série de quadros retratando o enforcamento do júri da
mostra. Dedicou-se também à literatura e à música. Em 1980, foi
fundado o Museu Municipal de Arte Primitiva José Antônio da Silva, em
São José do Rio Preto. O artista teve suas obras expostas em várias
edições da Bienal Internacional de São Paulo, da Bienal de Veneza e
do Salão Paulista de Arte Moderna, bem como na I Bienal Nacional de
Artes Plásticas (Salvador, 1966), na Bienal do Japão (1984) e na
Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000).
Ganhou ainda retrospectivas e mostras no exterior. Juarez Machado Primeiros trabalhos de arte em Curitiba,
Paraná, no início da década de 60. Na época, desenhos para o Diário
do Paraná e cenografia para a TV Paraná, embriões de seu trabalho
até os dias de hoje. Em 1966 passa a morar no Rio de Janeiro, tendo
antes consumado experiência inclusive de ator cômico (teatro e TV).
Inicia-se no Rio de Janeiro o ritmo crescente e instigante de seu
trabalho, dos mais valiosos dentro do desenho de humor e suas
variações em termos de urgente comunicação. A respeito de seu
desenho escreveu Jayme Maurício: "Com notável domínio do meio,
as extensões do desenho-linha-ponto-cor e sua fecunda imaginação
sobre objetos e situações completamente fora das situações normais -
uma das motivações do riso -, o quid nervoso do humor, que a
contradição precipita, Juarez circula livremente, entre físico e sua
"aura", a hipnose ou o sonho: a metafísica- ta meta ta
phusika, mais egípcia do que grega." Julio Hübner Júlio Passos de Faria, fez cursos em
atelieres livres ao mesmo tempo em que cursava Artes Plásticas na
Escola Guignard e Comunicação Social na PUC-MG, onde se formou; foi
para os EUA fazer curso de atualização em Marketing, mas o que estava
em sua alma era a eterna ânsia de passar para as suas telas todos os
seus sentimentos buscando toda a sua energia e vida. Por isso no início
de 2002, inicia o curso de Belas Artes na UFMG, tornando-se bacharel em
artes plásticas, com habilitação em pintura, em agosto de 2006. Em
agosto de 2002 recebe o Prêmio de honra ao mérito artístico fornecido
pela Academia Brasileira de Arte Cultura e História - São Paulo. Na
virada do milênio, o artista deixa de assinar suas obras como Julio
Passos e passa a assinar como Julio Hübner. Suas ultimas exposições
foram em julho de 2006, na Z&Z Galeria de arte em Balneário
Camburiú - SC; em abril de 2001 na Galeria De Arte Beatriz Telles
Ferreira - Florianópolis, ambas no estado de Santa Catarina. E, em
Agosto de 2000 na Arko Galeria de Arte - Curitiba - PR. Kazuo Wakabayashi De 1947 a 1950 estudou pintura e desenho
com Konosuke Tamura, e freqüentou a Escola de Belas Artes de Nokki.
Transferiu residência para o Brasil em 1961, fixando-se em São Paulo.
Naturalizado brasileiro. De uma pintura figurativa, de caráter
surrealista, passou à abstração. Para resolver problemas de relevo,
de matéria compacta, acrescenta às tintas chapas de vinil. O
tratamento inicial destes relevos de natureza bruta, evoluíram para o
que Jayme Maurício, em recente exposição do artista, denominou de
estágio mais brando. O que não invalida ainda a pesquisa sobre a
técnica mista com que encorpar a tinta. Escrevendo sobre Wakabayashi,
na década de 70, disse Paulo Mendes de Almeida: "Quando aqui
chegou, em 1961, Wakabayashi já trazia uma bagagem de sérios estudos
em sua terra natal. Desde logo, com a sua presença, enriquecia-se o
grupo de artistas nipo-brasileiros que tão destacada atuação vem
tendo em nossos meios culturais. Conquanto jovem - teria então menos de
trinta anos- Wakabayashi já revela uma sólida consciência
profissional, não escapando igualmente, aos que o observavam, seu
talento invulgar. Quer isto dizer que, mal chegado, já se encartava na
primeira fila dos componentes daquele grupo tão valioso, ao lado de
Mabe, Fukushima, Tomie Ohtake e outros. E em pouco tempo conquistaria
merecidos prêmios em vários salões do País. Wakabayashi nos
acostumara a uma pintura austera, de tons sóbrios e graves,uma pintura
quase surda, porque fosca, embora aqui e ali tênues transparências se
insinuassem. E havia um singular encanto nessa fatura severa,
franciscana. Depois, partiu ele em busca de uma superfície mais
espessa, de acidentada topografia, um quase baixo-relevo em esmalte, em
cores vibrantes (de restos muito pessoais) ressaltando formas de
precisados contornos. Wakabayashi persiste nessa linguagem. Mas, neste
último estágio, seu anterior total abstracionismo se atenua e o
artista se encaminha no sentido da alegoria. Sua paleta retrata,
transfigurando-as, categorias preexistentes no mundo real ou na
sedimentada fantasia das geações. E hoje, como ontem, mais enrijada
por certo, sua garra subsiste patente: Wakabayashi é um pintor de
excepcionais qualidades". Kenji Fukuda
Veio para o Brasil, com a família, aos
nove anos de idade. Residindo desde então em Montes Claros, no Norte de
Minas, formou-se em medicina pela Universidade Federal de Minas Gerais,
retornando a essa cidade, onde exerce sua profissão, em duas
especialidades - ginecologia e cirurgia plástica - autodidata, sua
biografia registra rápidos contatos com Guignard. Marcante, no início
de sua iniciação artística o impacto diante de um quadro de
Portinari, na primeira exposição de Arte Moderna realizada em Belo
Horizonte, em 1944. Começou a pintar em Montes Claros, estimulado por
um artista popular da cidade, seu Godofredo, pai do músico Beto Guedes.
Interessou-se na época por desenhos de histórias em quadrinhos e de
humor. Este traço do humor, da crítica mordaz e risonha, persistiu em
sua pintura, no flagrante quase sempre às avessas do convencional. A
figuração é solta num desenho claro e leve, sublinhando a realidade
com um toque de irreverente fantasia. Luiz Costa Impregnado da mesma sabedoria e
sensibilidade que habita a alma de Milton Nascimento, absorveu a
infinita verdade constante da poesia cantada por seu conterrâneo
ilustre. "Com a roupa encharcada e a alma repleta de chão, todo
artista deve ir onde o povo está." E é assim que o nosso artista,
mineiro de nascimento e brasiliense de coração, vem à Casa do Povo, a
Câmara dos Deputados, para expor suas obras, sua arte, seu ofício.
Veio onde o povo está para manifestar seu amor à arte e à cidade que
elegeu como sua, Brasília, festejando os seus quarenta e cinco anos.
Veio onde o povo está para compartilhar o profícuo resultado da sua
árdua labuta. De origem humilde, desde cedo, abraçou-se à arte.
Obstinado e fiel, jamais abandonou-a, apesar dos múltiplos percalços
no seu encalço. Utilizou-a como instrumento, linguagem para
exteriorizar, a todo momento, seu grande amor por este chão de cerrado,
chão brasiliense, que possuiu e preencheu sua alma. Todos os
sacrifícios, o suor do seu rosto e corpo, que lhe encharcou a roupa
durante toda a vida de pintor, verteram-se em uma lida reconhecidamente
meritória e gratificante. Acompanhando a trajetória de Luiz, percebo a
sapiência das palavras de Monteiro Lobato: "A arte nasce da dor,
como a pérola". Chega Luiz Costa onde o povo está, na sua casa,
com a roupa encharcada de suor dedicado à arte e com a alma repleta
deste seu tão querido chão de Brasília. Sua exposição no Espaço do
Servidor da Câmara dos Deputados, intitulada "Candangos", na
linguagem pictórica própria, e por que não dizer única, que torna
seu trabalho inconfundível, valoriza as formas e as cores, homenageia o
pioneiro, os primeiros habitantes, os operários das gigantescas obras
da construção da nova capital, os seus antecessores, bem como toda a
comunidade brasiliense. A sua figurinha geometrizada, inspirada nas
modernas formas e linhas de Brasília, ora adulta, ora criança, menino
ou menina, representa e simboliza a sociedade candanga; é construção
e leitura de artista, extasiado com sua cidade e seus habitantes. Tão
singela e colorida figura ganha vida nas telas de Luiz Costa,
manifestando sentimentos e emoções; agindo e reagindo; esperando o
ônibus no ponto ou a melhoria de vida; procurando; brincando de roda ou
de carrinho; sonhando; amando; criando ou proporcionando. Esses
"candanguinhos" se repetem na extensão de todas as suas
telas, como os ministérios, os blocos das quadras residenciais, os
"eixinhos", as asas da cidade e todos os setores que nelas
repousam. Assim como tudo em Brasília, a cidade da repetição, dos
iguais. A propósito, Luiz Costa tenciona deixar claro, com o auxílio
do seu lápis, traços e repetições, sua convicção de que todos
somos iguais, independentemente de sexo, raça ou posição social,
sobretudo na lei do Padre Eterno. Ao tempo em que, recorrendo ao seu
pincel e à força das cores, expõe ele a enriquecedora diversidade de
caráter, qualidades e defeitos entre os indivíduos. No livro
"Luiz Costa e a Cor", sobre a sua vida e obra, assim se
expressa o artista acerca da repetição: "... de novo vai
encontrar seu coração, tum-tum-tum. O sol nasce todo dia e se põe
todo dia.. A construção da vida, das coisas, é baseada a repetição.
O Criador só chegou à multiplicidade das coisas através da
repetição. Em tese, sua boca é igual à minha. Em tese. E no mundo
animal, também. A sua mão é igual à minha. Mas as impressões
digitais... Eu, como um simples mortal, por que não posso ficar na
repetição, para atingir a multiplicidade mais tarde?". Na
condição de humilde apreciador e colecionador de obras de arte, vejo
que a pintura de Luiz Cosa agrada observadores dos mais diversos
matizes. Os mais descomprometidos, que buscam no mundo cognitivo apenas
a feição denotativa das coisas, captam a brasilidade, o tropicalismo
das suas cores e temas, a aparente simplicidade, a limpeza e um quê de
primitivismo, que transmitem alegria, um certo otimismo e bom humor. Os
mais reflexivos e perseguidores da conotação percebem nas suas obras
títulos sugestivos, espirituosos e inteligentes, crítica de ordem
política e social, preocupação com a valorização da família,
resgate do nosso folclore, raízes, história e cultura. Apraz-me suas
cores fauves, suas formas geométricas, sua pintura aparentemente
ingênua e despretensiosa, e, sobretudo, nosso "candanguinho",
de todas as idades, assumindo ares pueris e toda sua meninice em algumas
telas, enquanto atinge a maturidade em outras, assim como vive seu
criador, o nosso Luiz Costa. "Um grande artista é um grande homem
numa grande criança", sentenciou genialmente Victor Hugo em
"Montão de Pedras". Afrísio de Souza Vieira Filho (Dir.
Legislativo da Câmara dos Deputados) Manoel Santiago Iniciou seus estudos de desenho e pintura
em Belém do Pará, aos seis anos de idade. Em 1918, já radicado no Rio
de Janeiro, freqüentou a Escola Nacional de Belas Artes e recebeu aulas
de Eliseu Visconti, além de estudar direito. Participou de diversas
edições do Salão Nacional de Belas Artes e conquistou, em 1927, o
Prêmio de Viagem ao Exterior. Em Paris, onde permaneceu de 1928 a 1932,
conheceu Portinari e Di Cavalcanti; expôs no Salão dos Artistas
Franceses, Salão de Outono, Salão Colonial dos Artistas Franceses,
Salão das Tulherias e Salão de Inverno. De volta ao Brasil, foi
professor do Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro e integrante do
Núcleo Bernardelli, tendo como alunos Aldo Malagoli, José Pancetti e
Milton Dacosta. Entre outras exposições, participou da Exposição do
IV Centenário de Santiago do Chile (1941), da I Bienal Internacional de
São Paulo, em 1951, e do III Salão Nacional de Arte Moderna (Rio de
Janeiro, 1954). No ano de seu falecimento, realizou exposição
individual na Toulouse Galeria de Arte, no Rio de Janeiro. Marcello H. Cursos: Recicling Spaces - Santa Mônica
College - Los Angeles,CA - 1992, Escultura - Meeba - Buenos Aires - ARG
- 2000; Dibujo y Observación - Centro Cultural Recoleta - Buenos Aires
- ARG - 2000; Reset the counter - Charles Watson - EAV Parque Lage -
2003; Procedência e propriedade - Charles Watson - 2003; Coletivas:
Holliday in Córdoba - Córdoba, Buenos Aires - ARG - 2000; Ojos de
Latinidade - Centro Cultural de la ribeira - Buenos Aires - ARG -
2000;1º Salão de Arte de Ouro Preto - Minas Gerais - 2001; Cores de
Minas - Galeria Crisálida Boerger - Belo Horizonte - Minas Gerais -
2002; Art Trade - 54 The Gallery - Londres - 2002; Aspectos da Arte
Brasileira Contemporânea - Atualidade Galeria de Arte - Rio de Janeiro
- 2003; Envólucro - Galeria Espaço Repercussivo - 2006; Individuais:
Miradas Portenãs - Centro Cultural de la Ribeira - Buenos Aires - ARG -
2000; Entre Flores de Carne - Museu Imperial de Petrópolis -
Petrópolis - RJ - 2001; Entre Flores de Carne - Centro Cultural Pro
Música - Juiz de Fora - MG - 2001; 5º Circuito das artes do Jardim
Botânico - Rio de Janeiro - 2001; 6º Circuito das Artes do Jardim
Botânico - Rio de Janeiro - 2002; 10º Circuito das Artes do Jardim
Botânico - Rio de Janeiro - 2006. Marcelo Grassmann Em 1939, Grassmann começou a estudar
fundição, mecânica e entalhe em madeira no Instituto Profissional
Masculino de São Paulo. Iniciou-se na xilogravura e realizou sua
primeira exposição individual em 1946. No ano seguinte, trabalhou como
ilustrador no Suplemento Literário do Diário de São Paulo. Residindo
no Rio de Janeiro, aproximou-se de Oswaldo Goeldi, aprendeu gravura em
metal com Henrique Oswald e litografia com Poty. No ano de 1952
trabalhou com Mário Cravo Júnior, em Salvador. Em 1953, viajou à
Europa com o prêmio obtido no Salão Nacional de Arte Moderna. Em 1958,
recebeu o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea. Dois anos depois foi
premiado na 1ª Bienal dos Jovens de Paris. O conjunto de sua obra até
então (385 xilogravuras, litografias e gravuras em metal) foi adquirido
pelo governo de São Paulo para o acervo da Pinacoteca do Estado, em
1969. Em 1978, sua casa em São Simão foi transformada em museu.
Naquele mesmo ano, o artista recebeu o grande prêmio da Associação
Paulista de Críticos de Arte. Presente em várias edições da Bienal
Internacional de São Paulo e da Bienal de Veneza, o artista já expôs
em diversas cidades da Europa, em Israel, na Índia, no Japão e nos
Estados Unidos. Márcio Schiaz Márcio Bueno de Souza é pintor e
gravador. Assina M. Schiaz e Márcio Schiaz. EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS
2004 - Centro Empresarial do Aço - SP; 2003 - Associação dos Médicos
de Santos - Santos/SP; 2002 - Galeria de Arte do C.C.B.E.U. - Santos/SP;
1999 - "Sonhando a realidade" Centro Cultural Santa Catarina -
SP/SP; 1999 - "Estar Presente" - Galeria de Arte C.C.B.E.U -
Santos/SP; 1997 - Centro Empresarial de São Paulo - Comemorativo ao
20º aniversário; 1996 - Dez anos de Arte - Gal. de Arte do Centro
Cultural Brasil/ Estados Unidos - Santos/ SP 1996 - Dez anos de Pintura
- Studio Rogério Perez - Campinas / SP; 1995 - Espaço O Neil's - SP;
1992 - Centro Cultural da Caixa Econômica Federal de São Paulo - SP
1990 - Casa da Cultura de Araraquara - SP 1989 - Centro Cultural do
Banco do Brasil - SP. Marco Túlio Resende Nasceu em Belo Horizonte, 1950. Artista
plástico graduado pela Escola Guignard, BH, estudou com Amílcar de
Castro, Sara Ávila, Solange Botelho e Lothus Lobo. Fez mestrado na
School of the Art Institute of Chicago, com bolsa da Fulbright Comission
(1975-79). Premiado no Salão da Associação Cristã de Moços, BH
(1971); Prêmio de Desenho, IX, XII e XVII Salão Nacional de Arte de
Belo Horizonte (1977/80/87); Menção Honrosa, Fellowship Contest -
School of the Arte Institute of Chicago, EUA (1978); Prêmio de Desenho
na 3ª Mostra do Desenho Brasileiro em Curitiba (1981); Prêmio
Fundação Clóvis Salgado, promovido pelo CEC-MG, BH (1984); Projeto
coletivo Um Espelho no Escuro, premiado pela Fiat Automóveis (1987) e
Prêmio Viagem ao Brasil no X Salão Nacional da Funarte, RJ (1988).
Integrou importantes mostras coletivas e individuais no Brasil e no
exterior. Possui obras nos acervos do MAN-RJ, MAN-SP, Museu de Arte
Contemporânea de Paraná, Museu de Arte da Pampulha, BH e nas
coleções particulares de Gilberto Chateaubriand e João Satamini. No
ano 2000, integrou o projeto Registros da Arte Brasileira Litografias
Série 2000, organizado pela C/Arte Projetos Culturais. Sobre o artista
foi publicado o livro-depoimento Marco Túlio Resende da coleção
Circuito Atelier, Editora C/Arte, 2ª ed. 2005. Marcos Coelho Benjamim Convivendo desde a infância com as
ferramentas e madeiras da molduraria do pai, Benjamim começou como
desenhista e cartunista. Em 1972, o colecionador Gilberto Chateaubriand
adquiriu cerca de 60 de seus desenhos. Em 1976, o artista começou a
criar seus primeiros objetos escultóricos, recebendo no ano seguinte o
grande prêmio do International Cartoon Exhibition, em Atenas. De volta
à sua cidade natal, construiu brinquedos em materiais recicláveis e
orgânicos, viajando com outros artistas pelo Vale do Jequitinhonha, em
1979. A partir dos anos 1980, passou a dedicar-se à produção de
objetos e instalações, publicando em 1983, com Priscila Freire, o
livro Conversa de Corpo. Montou ateliê com Patrícia Leite, Humberto
Guimarães e Isaura Pena e realizou cenografias para espetáculos do
Grupo Corpo, criando objetos de grandes dimensões. Autoditada, Gruber começou a pintar aos 16
anos de idade. Em 1946, estudou com Nicola Rollo na Escola de Belas
Artes de São Paulo e, após contato com Mario Zanini e Bonadei, fez
pinturas em praça pública. Trabalhou com Di Cavalcanti em 1948 e
desenvolveu técnica de gravura com Poty. Com uma bolsa de estudos
oferecida pelo governo francês, viajou em 1949 para Paris, onde se
aperfeiçoou em gravura em metal na École des Beaux Arts. De volta ao
Brasil, em 1951, participou da fundação do Clube de Arte, em Santos;
ensinou gravura no MAM/SP e na FAAP. Na década de 1970 montou oficina
de pintura e gravura, onde trabalharam artistas como Wesley Duke Lee e
Frederico Nasser. Sua obra foi tema do curta-metragem A Arte Fantástica
de Mário Gruber, dirigido por Nelson Pereira dos Santos, em 1982.
Gruber participou de diversas obras de arquitetura com a criação de
painéis para edifícios como a biblioteca do Memorial da América
Latina, o Aeroporto Internacional de Guarulhos e a estação Sé do
metrô, em São Paulo. Seu trabalho foi exposto em individuais e em
mostras coletivas como 4ª Bienal Ibero-Americana de Arte (Cidade do
México, 1984), 18ª Bienal Internacional de São Paulo (1985), e Arte e
Sociedade: Uma Relação Polêmica (Itaú Cultural, 2003). Mário Mariano Em 1971, pela mão de Moisés Rosenbaum,
mostra seus primeiros trabalhos de pintura na Associação Israelita
Brasileira de Belo Horizonte. A respeito de seu trabalho escreveu Edmar
Pereira: "Leva para suas telas um mundo que conhece, gente com quem
convive. Grava sua experiência de vida, sua percepção dos sofrimentos
e alegrias, o calor de seu contato com esses personagens. E, ao fazer
isto, se revela um artista de enorme sensibilidade, preocupado em dar
seu testemunho sobre o tempo em que vive. Mas apenas esta sensibilidade
e a capacidade de sentir esse universo do qual participa não seriam
suficientes para se fazer um artista. Mário Mariano vai mais longe:
suas prostitutas, seus parceiros de botequim, sua gente do povo chegam
ao espaço branco das telas com cores fortes, maçadas, telúricas. E
utilizadas por quem sabe usar com consciência o meio de expressão que
escolheu para se comunicar. A clareza e a força com que o artista se
comunica com sua platéia dão a medida da força de sua arte: criando
esse universo próprio, Mário Mariano criou também sua própria área
de afirmação. Raramente um artista tão jovem terá conseguido em tão
pouco tempo uma tal intimidade com seus personagens." Maurino de Araújo Nasceu em Rio Casca, MG, 1949. Escultor e
pintor autodidata, ex-operário, servente de pedreiro, ajudante de
balcão e contador em obras. Aprendeu a trabalhar o barro com os avós e
recebeu influências do barroco em São João del-Rei, destacando o
hagiológio cristão. Recebeu as seguinte premiações: Prêmio Legião
Brasileira de Assistência; Destaque nas Artes, promoção Diário
Associados (1976); Melhor do Ano, no setor de artes, promoção Diário
Associados (1981). Participou da XV BISP (1979); V SAP de BH (1982); I
Salão de Artes Visuais da Fundação Clóvis Salgado, Palácio das
Artes, BH (1984). Participou das seguintes exposições coletivas:
Artistas Latino-Americanos, Bruxelas (1973); Artistas Populares, IV
Festa do Folclore Brasileiro, Galeria Otto Cirne, BH (1976); II Festival
de Arte e Cultura Negra e Africana, Lagos, Nigéria, (1977); MAM-SP
(1981); Artistas Populares de Belo Horizonte, Centro Cultural UFMG, BH
(1996). Realizou as seguintes individuais: Arte Livro, BH (1974);
Galeria do ICBEU, BH (1975); AMI Galeria de Arte, BH (1977); Biblioteca
Pública Estadual, BH (1980); Palácio das Artes (1981); Galeria Bonino,
RJ (1983), Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo/SP(2005). Tem
obras no MAP, BH. Miguel Gontijo Miguel Gontijo é formado em História e
Pós-graduado em Artes e Contemporaneidade. Participou de diversas
exposições coletivas e salões oficiais, sendo premiado em muitos
deles, tais como: 1971 - Salão de Arte de Divinópolis - Menção
Honrosa - Divinópolis, MG; 1975 - XIII Salão Nacional de Arte - Museu
de Arte - Belo Horizonte, MG; 1976 - III Salão Nacional de Artes
Plásticas - Goiânia, GO; IX Salão Nacional de Arte - (conjunto de
desenhos) - Museu de Arte - Belo Horizonte, MG; IX Salão Nacional de
Arte - (desenhos tema para o audio-visual "O que o Uso Fez do
Costume"- Museu de Artes - Belo Horizonte, MG; III Salão do
Artista Jovem - São Paulo - SP; 1977 - XXXIV Salão Paranaense -
Auditório Bento G.da R. Neto - Curitiba, PR; I Salão de Arte do
Conselho Estadual de Cultura - Palácio das Artes - Belo Horizonte, MG -
III Salão de Arte e Cultura - Recife- PE; 1978 - II Salão Nacional de
Artes - FUNARTE - Museu de Arte Moderna - Rio de Janeiro, RJ; Salão de
Arte da Cidade de São Paulo - Paço das Artes - SP; 1979 - Salão do
Futebol - Palácio das Artes - Belo Horizonte, MG; II Salão do
Espírito Santo - Vitória - ES; 1980 - XII Salão Nacional de Artes
Plásticas - Goiania - GO; III Salão de Artes Plásticas de Salvador -
BA; 1988 - II Bienal de Arte Mística - (primeiro prêmio) - Governador
Valadares, MG; Possui obras em várias entidades públicas no Brasil e
exterior. Fez as seguintes exposições individuais: 1977 - "O Que
o Uso Fez ao Costume" - ICBEU - Belo Horizonte, MG; 1978 -
"Ciclo do Ouro" e "Ciclo das Batinas" - Museu de
Arte - Belo Horizonte, MG; 1979 - "Clinica Geral" (O Ex-voto)
- ICBEU - Belo Horizonte, MG; 1980 - Desenhos - Fundação Cultural do
Distrito Federal - Brasília, DF; "Verdes Caminhos" - Galeria
de Arte da Telemig - Belo Horizonte, MG; 1981 - "Coincidências
Maneiras" - Galeria Kuarup - Belo Horizonte, MG; "Desenhos e
Aguarelas" - Georgia University Art; 2000 - "Profanas
Escrituras" - Galeria Agnus Dei - Belo Horizonte MG;
"Patética: Aforismos de Fim de Século" - Espaço Cultural da
Prodenge - Belo Horizonte; 2004 - "A Pedra da Melancolia" -
Museu Mineiro (B.Hte.), Museu Casa Alphonsus de Guimarães (Mariana);
Museu do Credito Real (Juiz de Fora); Museu Casa Guignard (Ouro Preto);
Museu Casa Guimarães Rosa (Cordisburgo); 2005 - "Armarinho São
Miguel - Galeria da CEMIG - Belo Horizonte, MG; 2006 - "Armarinho
São Miguel" (Objetos) _ Centro Cultural da Caixa Econômica
Federal- Gal. dos Arcos - Salvador, BA. Destaque do Ano em Artes
Plásticas, em 1977, 1978 e 2000 em colunas especializadas. Possui
vários textos e artigos editados em catálogos, revistas, jornais e
livros. Em 2004 publicou o livro "Profanas Escrituras" e 2005
o livro foi lançado em Portugal em conjunto com a exposição plástica
com o mesmo título. Atuou também como professor de História na rede
Estadual e particular de ensino. Milton Dacosta Milton Dacosta iniciou-se no desenho e na
pintura em 1929, com o alemão August Hantv. No ano seguinte,
matriculou-se no curso livre de Marques Júnior, na Escola Nacional de
Belas Artes, fechado pelo movimento revolucionário de 1930. Com Edson
Motta, Bustamante Sá e Ado Malagoli, entre outros, fundou o Núcleo
Bernardelli. Realizou sua primeira exposição individual em 1936 e
recebeu, no mesmo ano, menção honrosa no Salão Nacional de Belas
Artes. Com o prêmio de viagem ao exterior recebido em 1944, viajou para
Nova York, estudando na Artist's League of America. Em 1946, em Paris,
freqüentou a Académie de La Grande Chaumière, sendo apresentado por
Cícero Dias a Picasso e visitando os ateliês de Braque e Rouault.
Permaneceu na Europa entre 1952 e 1954. Nos anos 1960, o artista
realizou uma série de imagens com o tema da Vênus, que se tornaria
constante em sua obra. Newton Rezende Pintor, desenhista e escultor autodidata,
sua formação se deu a partir da observação do trabalho de Candido
Portinari e dos artistas do Grupo Santa Helena, principalmente Rebolo,
Clóvis Graciano e Mário Zanini. Trabalhou muitos anos com publicidade
e, a partir da segunda metade dos anos 1930, dedicou-se à pintura. Em
1948, transferiu-se para o Rio de Janeiro, ano também em que montou sua
primeira exposição individual, no Instituto dos Arquitetos do Brasil.
Participou do Salão Nacional de Arte Moderna em 1954 e 1958, e foi
contemplado com menção honrosa no Concurso Internacional de
Publicidade de Miami, nos Estados Unidos, em 1962. Atuou muitos anos
como presidente do Clube dos Diretores de Arte do Brasil, deixando
definitivamente a carreira em publicidade no ano de 1968. Suas obras
estiveram em mostras em diversas cidades brasileiras e também no
Japão. Nívea Bracher Nasceu em Belo Horizonte. Começa a pintar
nos últimos anos da década de 50, freqüentando a Sociedade de Belas
Artes Antônio Parreiras, de Juiz de Fora. Muda-se para Belo Horizonte
em 1965, participando do Grupo Oficina, ao lado de Lótus Lobo, Klara
Kaiser, Roberto Vieira, Paulo Laender e Lúcio Weick. De volta a Juiz de
Fora, funda a Galeria de Arte Celina, com Fani, Décio e Carlos Bracher. Orlando Teruz Freqüentou a Escola Nacional de Belas
Artes, sendo aluno de Rodolfo Chambelland e Batista da Costa. Fundador,
com Lúcio Costa e Portinari, do Salão Nacional de Arte Moderna. A
respeito de seu papel histórico dentro da arte brasileira
contemporânea, escreveu Roberto Pontual: "Pertencente à mesma
geração dos artistas e escritores que detonaram e trataram de
disseminar o modernismo brasileiro nos momentos de maior racionalidade,
ao longo da década de 1920. Orlando Teruz, no entanto, preferiu desde
logo seguir caminho isolado de grupos. Num percurso de trabalho hoje
superior a 50 anos, manteve como característica básica de sua obra a
transição sobre o fundamento tradicional e as novas tendências
emergentes com a abertura do ciclo modernista. Neste sentido, e na
disposição arraigadamente figurativa, o paralelo que de imediato se
pode com ele estabelecer está em Portinari, já que também se
preocupou, antes de mais nada, em sedimentar a sua formação dentro da
disciplina de resíduos ainda neoclássicos na Escola Nacional de Belas
Artes, no Rio. Deriva talvez daí o respeito à tradição que jamais
deixou de permear a pintura de Teruz, mesmo quando através dela fica
demonstrada a tentativa de absorção de alguns rumos mais típicos do
desenvolvimento da arte do século XX. Não que se trate de artista
deliberadamente desinteressado da modernidade; pelo contrário, não só
foi um dos que lutaram, junto a Portinari e Lúcio Costa, pela criação
da Divisão Moderna no acadêmico Salão Nacional de Belas Artes, como
se sentiu desde cedo atraído pela constante temática que tanto marcou
os anseios da semente modernista: um cotidiano de brasilidade, nas cenas
e figuras reconhecíveis à primeira vista como nossas. Já no início
da década de 1930, dentro desta constante, ele se voltava para a
pintura de uma série de favelas cariocas, mesclando preocupação
típica da época com conflitos sociais e certo lirismo de visão
introspectiva, nostalgia da infância. Mas o que de fato define a
personalidade e obra de Orlando Teruz é estarem ambas situadas a nível
intermediário entre o antigo e o novo, a norma e a ruptura, segundo um
encaminhamento percorrido pouco a pouco, contidamente, sem maiores
contradições ou inquietudes. Ao deseja trazer para a sua pintura, por
exemplo, atmosferas expressionistas ou surrealistas de acordo com a
formação clássica que lhe serve de base, submetendo-as ao
apaziguamento de temas corriqueiros, seus temas de todos os instantes,
tratados sempre em tons atenuados, sombrios, de reduzido contraste:
crianças em brinquedo humilde, jogos de bola, paisagens de morro e
casario popular, indícios de pobreza, cavalos entre o real e o
onírico, circos anunciando festa, gente quase diluída no ar e no
movimento envolvente das coisas". Em 1937 Teruz recebeu o prêmio
de Viagem ao Exterior no Salão Nacional de Belas Artes. Participou das
duas primeiras bienais de São Paulo e de várias mostras
internacionais. Sua pintura, tematicamente, oscila entre o depoimento de
circunstâncias populares e um clima fantástico expresso sobretudo pelo
uso da cor e suas luminescências. Brigas de galo, ciranda, frevo,
cavalos empinados, figuras nas quais se intui a influência remota do
cubismo, o mesmo que determinou a deformação da figura em Portinari e
Di Cavalcanti, surgem com freqüência na vasta produção teruziana. Oswaldo Goeldi Depois de morar em Belém do Pará, o
artista mudou-se para a Suíça aos seis anos. Cursou a Escola
Politécnica de Zurique e, em 1917, matriculou-se na École des Arts et
Métiers de Genebra. Naquele mesmo ano expôs seus trabalhos em Berna,
na Galeria Wyss, quando conheceu o trabalho de Alfred Kubin e
freqüentou os ateliês de Serge Pahnke e Henri Van Muyden. Mudou-se
para o Rio de Janeiro em 1919. Dois anos depois realizou sua primeira
individual, no Liceu de Artes e Ofícios. Em 1923, Goeldi iniciou-se na
xilogravura. Destacam-se em sua produção as gravuras realizadas para
Cobra Norato, de Raul Bopp, e para as obras de Dostoievski, além de
inúmeras paisagens urbanas, pescadores e desenhos de tipos populares.
Em 1955 tornou-se professor de xilogravura na Escola Nacional de Belas
Artes. Em comemoração ao centenário de seu nascimento, o Centro
Cultural Banco do Brasil realizou uma ampla exposição comemorativa, em
1995. Reynaldo Fonseca Transferindo-se para o Rio de Janeiro em
1944, tornou-se aluno de Portinari e de volta de uma viagem à Europa,
em 1949, e novamente residindo no Rio de Janeiro, estudou com Henrique
Oswald, no Liceu de Artes e Ofícios, a técnica da gravura, terminando
por retornar a Recife e estudar o "modelo vivo", o que explica
a excelente técnica e o rigor compositivo características sempre
presentes em todas as suas obras. Expõe com sucesso desde 1958 (Recife)
e desde 1969 (Rio de Janeiro), tendo dividido sua atividade artística
entre os dois centros. Através de seu trabalho percebe-se sua contínua
tentativa de seguir a inspiração grandes pintores primitivos onde se
encontra presente uma bafagem, tal como um deliciado sopro criador. Para
conseguir a atmosfera de mistério e nostalgia que pretendo dar aos meus
quadros, uso com freqüência, como assunto, velhas fotografias e
gravuras. Tecnicamente parto do antigo (por encontrar nele os elementos
necessários ao que quero expressar), tratando de dar uma construção
pessoal, portanto atual. Ricardo Ferrari Autodidata, realizou diversas exposições
individuais e coletivas importantes, a saber: COLETIVA de Natal, Galeria
Guignard, 1979, BH; COLETIVA, Palácio das Artes, "Noite de
Guignard" 1981, BH; INDIVIDUAL, Minas Tênis Clube, 1981, BH;
COLETIVA, Palácio das Artes, em comemoração aos 100 anos de Picasso;
1982; BH; COLETIVA, Casa dos jornalistas, 1982, BH; COLETIVA, Escola de
Artes Passaredo, 1982, BH; COLETIVA, Usiminas, 1982; BH; COLETIVA,
Galeria La Taberna, 1982; BH; INDIVIDUAL, DAE (Departamento de Águas e
Esgotos de Minas Gerais), 1983, BH; COLETIVA, Biblioteca Paulo Campos
Guimarães, 1983, BH; COLETIVA, Galeria Offycio das Artes, 1983; BH;
COLETIVA, Galeria ICBEU, 1983; BH; COLETIVA de Natal, ATELIER, 1983, BH;
EXPOSIÇÃO DO ACERVO DA FUNDAÇÃO CLÓVIS SALGADO, Palácio das Artes,
1984, BH; COLETIVA, Ponto de Arte Galeria, 1984, BH; INDIVIDUAL, Galeria
Espaço, 1985, BH; INDIVIDUAL, Ponto de Arte Galeria, 1985, BH;
COLETIVA, Palácio das Artes, "Uma balada para Matraga" 1986,
BH; COLETIVA, Centro Cultural Governo do Estado de São Paulo, 1987, SP;
COLETIVA, Galeria Manoel Macedo, 1991, BH; INDIVIDUAL, Galeria ITAU,
1993, Penápolis, SP; INDIVIDUAL, PIC Galeria, 1993, BH; INDIVIDUAL,
Galeria Seabra, 1993, Cons. Lafaiete, MG; INDIVIDUAL, PIC Galeria, 1996,
BH; COLETIVA, Galeria Bar nº 1, 1998, Portugal; INDIVIDUAL, Galeria
Seabra, 2001, Cons. Lafaiete, MG; COLETIVA, Galeria Terra de Minas,
2002, BH; COLETIVA, Galeria Regard, 2003, BH; Participou dos Salões a
seguir elencados: II Salão de Artes Plásticas do Conselho Estadual de
Cultura de Minas Gerais, 1979, BH; I Salão do carnaval, 1980, BH;
Prêmio Coordenadoria de Cultura de Minas Gerais; III Salão de Artes
Plásticas do Conselho Estadual de Cultura de Minas Gerais, 1980, BH;
XIII Salão Nacional de Artes da Prefeitura de Belo Horizonte, 1980, BH;
V Salão de Artes Plásticas do Conselho Estadual de Cultura de Minas
Gerais, 1982, BH; Prêmio MBR (Minerações Brasileiras Reunidas) II
Salão do Futebol, 1982, BH; Prêmio FMB XIV Salão Nacional de Artes da
Prefeitura de Belo Horizonte, 1982, BH; Prêmio Coordenadoria de Cultura
de Minas Gerais; VI Salão de Artes Plásticas do Conselho Estadual de
Cultura de Minas Gerais, 1983, BH; Prêmio Conselho Estadual de Cultura
de Minas Gerais; I Salão de Artes Visuais, Palácio das Artes, 1984,
BH;I Salão da Aeronáutica, 1985, BH; 1º lugar - Prêmio Alberto
Santos Dumont; IX Salão Nacional de Artes Plásticas, FUNARTE -
SUDESTE, 1986, BH; III Salão da Aeronáutica, BH; XIX Prêmio Salão
Nacional de Artes da Prefeitura de Belo Horizonte, 1987, BH; IV Salão
do Futebol, 1990, BH; IV Salão da Aeronáutica, 1990, BH. Ricardo Schittini Duarte Nascido em 1955 na cidade do Rio de
Janeiro/RJ. Reside em Brasília desde 1991. Viveu também nas cidades de
Barra Mansa-RJ (cidade natal do também grande artista Flávio Tavares),
Goiânia e São Paulo. É formado em engenharia civil. Escreve poesias
desde os 13 anos de idade e no final dos anos 90 começa a pintar, sendo
o autor do grande painel da fachada do Centro de Convenções Ulysses
Guimarães localizado no Eixo Monumental de Brasília/DF. Nas palavras
do marchand Errol Flynn "(...), emociona-me vê-lo apreciar,
sentir, descobrir, ver coisas que somente os grandes artistas vêem,
não com os olhos, mas com a alma. Com sensibilidade extremada, vasto
conhecimento de arte, respeitável e digna história e com as
descobertas que fez nos últimos 16 anos, pintando e desenhando nas
madrugadas de longas insônias, se tivesse dedicado-se exclusiva e
integralmente à arte, seria hoje, certamente, tão ou mais importante
no mundo artístico como é hoje no mundo de ternos e gravatas." Além de renomado paisagista, Roberto Burle
Marx foi pintor, desenhista, tapeceiro, ceramista, escultor e
pesquisador. Morou no Rio de Janeiro durante a infância e, entre 1928 e
1929, viajou pela Alemanha, onde freqüentou o ateliê de Degner Klemn.
Visitante assíduo do Jardim Botânico de Berlim, lá descobriu a flora
brasileira. Entre 1930 e 1934 estudou pintura e arquitetura na Escola
Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Em 1932, realizou seu
primeiro projeto paisagístico para uma residência projetada por
Gregori Warchavchik e Lucio Costa. Viveu em Recife entre 1934 e 1937,
onde dirigiu os serviços de parques e jardins da cidade. De volta ao
Rio, estudou com Portinari e com Mário de Andrade. Realizou sua
primeira individual de pinturas em 1941, no Palace Hotel do Rio de
Janeiro. A partir de 1955, passou a dedicar-se apenas a elaboração de
projetos de paisagismo, execução e manutenção de jardins. Os
desenhos e pinturas de Burle Marx foram expostos no exterior e em
várias edições do Salão Nacional de Belas Artes, da Bienal de Veneza
e da Bienal Internacional de São Paulo.
Autodidata, Magalhães começou desenhando
para a gráfica de um tio. Em 1962 passou a freqüentar a Escola
Nacional de Belas Artes e realizou sua primeira exposição individual,
na Galeria Macunaíma. Expôs no Salão Nacional de Arte Moderna, na
Bienal de Paris e participou das mostras Opinião 65 e Opinião 66, no
MAM/RJ. Viajou pela Europa em 1967 e 1968. De volta ao Rio de Janeiro,
em 1969, dedicou-se ao budismo e à meditação, participando da
criação do Centro de Meditação Budista do Brasil, onde residiu por
quatro anos. Neste período abandonou a carreira. Lecionou no Museu de
Arte Moderna do Rio de Janeiro a partir de 1978. Com a retomada da
atividade artística, realizou inúmeras individuais e participou de
várias edições da Bienal Internacional de São Paulo e de mostras
como Tradição e Ruptura - Síntese de Arte e Cultura Brasileiras
(Fundação Bienal de São Paulo, 1984), Bienal Brasil Século XX (São
Paulo, 1994), Espelho da Bienal (MAC/Niterói, 1998) e Investigações:
A Gravura Brasileira (Itaú Cultural, São Paulo, 2000). Roberto
Magalhães constrói em suas obras um universo próprio, habitado por
seres ao mesmo tempo absurdos e cotidianos que participam de uma
espécie de realismo fantástico. Autodidata, a artista começou a pintar
ainda criança. No final dos anos 1950, estudou com Ivan Serpa, líder
do grupo Frente, no MAM/RJ. Entre os anos de 1960 e 1980, realizou
diversas individuais em São Paulo, Rio de Janeiro, Washington e Lisboa.
Participou de quatro edições do Salão Nacional de Arte Moderna e, em
1965, integrou exposição coletiva no Royal College of Arts, em
Londres. Sua obra foi exposta na itinerante Brazilian Naive Art, nos
Estados Unidos, na Bienal Internacional de São Paulo, na 4ª Biennale
Internazionale Naifs, em Milão, e na Bienal de Arte Naïf, no Sesc de
Piracicaba, em 1994 e 2000. Seus trabalhos integram os acervos do MASP,
do Museu Castro Maya, do MAM/RJ, do Musée D´Art Naif de L'Ile de
France, do Museo de Arte Moderno de Buenos Aires e do Museu de Arte
Moderna de Hamburgo, Alemanha. Ruben Valentim Pintor autoditada, Valentim foi também escultor, gravador e professor. Em 1946 participou da renovação das artes plásticas na Bahia, com Mário Cravo Júnior e Carlos Bastos. Nos anos 1950 publicou crônicas sobre arte na imprensa baiana, realizando em 1954 sua primeira individual. Transferiu-se para o Rio de Janeiro em 1957, onde foi professor-assistente no Instituto de Belas Artes. Premiado no Salão Nacional de Arte Moderna de 1960, mudou-se para a Europa três anos depois. Retornou ao Brasil em 1966, ano em que participou do Festival Mundial de Artes Negras em Dacar, Senegal. Lecionou pintura no Instituto Central de Arte da Universidade de Brasília em 1967. Além de esculturas e murais, Valentim desenhou uma série de medalhões para a Casa da Moeda do Brasil. Dentre as exposições de que participou destacam-se Bienal Internacional de São Paulo (1955 e 1996), Bienal de Veneza (1962), Tradição e Ruptura: Síntese de Arte e Cultura Brasileiras (Fundação Bienal de São Paulo, 1984), Bienal de Havana (1986), Introspectives: Contemporary Art by Americans and Brazilians of African Descent (The Bronx Museum, Nova York, 1990), Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000), Brazil: Body and Soul (Guggenheim Museum, Nova York, 2001) e Ruben Valentim (Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, 2002).
Nasceu em Contagem, MG em 1938. Pintora,
estudou na Escola Guignard, BH. Participou do Salão Nello Nuno, BH
(1976) e das seguintes coletivas: III e V Brasiliana, Brasília
(1973-75); Galeria Portal, SP (1988); Galeria Banco Central, Brasília
(1989); A Cidade e o Artista - Dois Centenários, BDMG Cultural, BH
(1995); Consolidação da Modernidade em Belo Horizonte, MAP, BH (1996).
Realizou as seguintes individuais: Atelier Largo do Boticário, RJ
(1969); Galeria AMI, BH (1971/73/76/77); Galeria Mandala, RJ (1972);
MTC, BH (1973); Galeria Otto Cirne, BH (1976); Galeria de Arte Trevo, RJ
(1977); Casa de Minas Gerais, SP (1977); Casa Litográfica, BH (1978);
Escritório de Arte Zuleika Campos, BH (1979); Galeria Mandala, BH
(1980-83); Galeria de Arte Trevo, BH (1981); Atelier Santa, BH
(1982/83/95); MASP (1982); Galeria Gesto Gráfico, BH (1982); Galeria
Hilton Hotel, BH (1982); Galeria Guignard, BH (1983); Galeria Tear, RJ
(1984); Saint Louis e Nova York, EUA (1984-86); Galeria Maria Ríspoli,
BH (1985); Galeria Pace, BH (1986); PIC, BH (1990); Galeria Encontro de
Arte, BH (1991); Penedo, RJ (1992); Banco Central, BH (1993); Galeria
Rembrandt, BH (1993). Tem obras nos acervos do Palácio Jaburu,
Brasília; Banco Nacional de Habitação, RJ e Prefeitura de Contagem. Sérgio Telles Sérgio Barcellos Telles nasceu em 14 de
abril de 1936, na cidade do Rio de Janeiro. De 1954 a 1962, estudou
pintura na colméia, na cidade do Rio de Janeiro. Mais tarde freqüentou
os ateliês de Rodolfo Chambelland e Oswaldo Teixeira. Em 1957, estagiou
nos serviços de restauração da Pinacoteca do Vaticano, Itália, e
visitou os principais museus da Itália, França, Holanda e Portugal. Em
1962, conheceu Marie Nivoulies de Pierrefort e passou a freqüentar seu
ateliê no Outeiro da Glória. Em 1964, foi aprovado no concurso
público do Instituto Rio Branco e ingressa na carreira diplomática, em
Brasília, Distrito Federal; em 1972, por sugestão de Jorge Amado,
viajou a Porto Seguro, Bahia, e se apaixonou pela cidade. Em 1974,
escreveu o livro: Nivouliès de Pierrefort. Buenos Aires: Museo de Arte
Moderna na Cidade de Buenos Aires, Argentina. Nessa época, editou um
livro com seu óleos e desenhos e a colaboração de Jorge Amado e
jeanine Warnod, visando a preservação patrimonial. Ficou conhecido por
suas obras figurativas e fovistas. Siron Franco O artista chegou a Goiânia em 1950. Nove
anos depois estudou pintura com D.J. Oliveira e Cleber Gouvêa e
assistiu às aulas da Escola de Belas Artes da Universidade Católica.
Realizou sua prmeira individual em 1967, no Hotel Bandeirantes. Mudou-se
para São Paulo em 1969, onde freqüentou os ateliês de Bernardo Cid e
Walter Levy integrou o grupo que organizou a mostra Surrealismo e Arte
Fantástica, na Galeria Seta. Visitou o México em 1973 e, dois anos
depois, ganhou o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de
Arte Moderna, percorrendo a Europa. Em 1979, iniciou projeto que
realizava interferências no espaço urbano de Goiânia. Ilustrou
diversos livros e publicou um texto em livro editado pelo SESC. Desde
1986 realiza monumentos públicos baseados nos dramas sociais do país.
Participou de diversas exposições, como a Bienal Internacional de São
Paulo, e realizou obras de forte viés político misturado a crítica
social. Sylvio Pinto Estudos no Liceu de Artes e Ofícios, e com
pai, chamado o Pinto das Tintas. Na casa paterna conheceu Pancetti,
Armando Viana e outros pintores notáveis da época. Mais tarde
receberia orientação e incentivo de Bustamante Sá, Manoel Santiago,
Edson Motta, Milton da Costa, Djanira, Quirino Campofiorito entre
outros. Em 1952 conquistou o Prêmio de Viagem ao Exterior no Salão
Nacional de Belas Artes. "A emoção e o instinto foram sempre o
combustível básico do ofício de Sylvio Pinto. Por ser um homem de uma
certa forma anti-racional, no seu comportamento como artista, ou por ser
praticamente um artista que não se sobrepunha às tendências humanas
mais triviais, sua presença, sempre atuante e exemplar como pintor
foi-se diluindo e ralentando, enquanto outros assumiram andamentos mais
programados e eficazes. Esta diluição não atingia o nervo nuclear da
criatividade, que nos momentos mais difíceis se manteve mais tenso e
original. Em mais de duas décadas de atuação e observação do
processo artístico nacional, consideramos temerário investir numa
teoria rigorosa a respeito da intencionalidade com que o criador faz a
história. Sobretudo no campo da pintura. O mais certo seria apostar no
paralelismo fatal e elucidatório, da produção (que em certos momentos
atinge um consenso expressivo quase didático) e os sinais dos tempos,
caracterizados pelas inquietações existenciais, pelos esquemas
ambientais, pelos conflitos oriundos da violência da própria
evolução, quando o ritmo é tão acelerado como o deste século, que
coincidentemente acaba junto com o milênio, dentro de poucos anos.
Sylvio Pinto viveu todas as trepidações contemporâneas, mas não quis
fazer da pintura uma bandeira de protesto ou de crítica. Preocupou-se
sempre em pintar, e sua pintura tem aquele toque pulsante do coração
que se confunde com a mão e o pincel, na resolução de um rastro
pictórico. Os quadros de Sylvio Pinto, no máximo, refletiram estados
emotivos. Foram sombrios nos tempos sombrios, depois mais luminosos.
Consentiram em certas influências que o tempo se encarregará de
filtrar. E finalmente chegarão a montar o mostruário mínimo e
essencial, que faz a glória de qualquer pintor. Não conhecemos
artistas, sobretudo no largo horizonte da contemporaneidade, que não
tenha construído sua obra como uma sucessão de exercícios menores,
para o raro instante dos grandes achados. Sylvio Pinto não escapou à
regra, mas em determinados momentos, e os únicos que nos interessam
historicamente, alcançou alto nível de criatividade entre os seus
contemporâneos. E conseguiu isso sem a ginástica mental dos que se
mantêm atentos aos estímulos exteriores, ou se apóiam na muleta de
especialistas aliciadores e antropofágicos, justificando assim, por
meios transversos, um testemunho que deveria aderir ao tempo com a
naturalidade de uma metamorfose larvar." (W.A.) Tobias Marcier Desde muito cedo começou a exercitar-se na
pintura e no desenho, realizando sua primeira exposição em 1964.
"Muitas são as fontes de sustentação da pauta inspiradora de
Tobias. Vêm de seu pai Marcier, do qual difere altamente, vem de
Chirico e Ismael Nery, fantasia do velho mundo e fantasia dos sonhos
verdes, tudo contaminado de uma febre de criar, o que dá perfeito
cozimento à matéria iluminada. A verdade é que encontramos um pintor
acabado e uniforme, na produção que deixou. Criador de composições
nas quais a ocupação integral do espaço é uma constante, como nos
mapas de quebra-cabeças. Só que temos aqui anti- quebra-cabeças, pois
a lógica convencional é inteiramente subvertida na criação de novas
ordens imagéticas. O assamblage de figuras com que freqüentemente
relata suas fábulas, nos reportam aos climas apocalípticos, nas quais
os símbolos da modernidade e do arcaico contracenam. As engrenagens, as
caixas de mágico, os objetos do cotidiano doméstico, são formas
apropriadas pela memória, todo o sentido do saber como domínio de um
universo orírico. Seus personagens surgem, geralmente, em grupo, são
comunidades envolvidas pelo terror da morte e o fascínio pela vida,
tristes foliões alucinados e sensuais, indefesos diante do mistério
como se estivessem no limiar do juízo. Desengonçados em seu biotipo de
títeres, não são propriamente figuras pensantes, mas pensadas, com
imediata compaixão. Os lados de uma possível nacionalidade em termos
de símbolos e dados visuais são tenuemente revelados, pois a realidade
do laboratório de Tobias se concretiza numa área universalizante. No
entanto, assoma o tempo de pintar como testemunho de um mínimo gesto,
de uma sutil impressão, sem pressa nem recurso fácil, antes o retorno
ao compromisso com a matéria-prima do fazer autêntico, ou seja, seu
gosto artesanal e sensitivo. Uma pintura sem protagonistas, com
estandartes de mistério e projeções de memória, definindo a
categoria somatória da natureza humana, como síntese de testamentos,
desde sempre, desde o domínio passivo do paraíso à revolta fecunda da
contrafacção". (W.A.) Tobias Marcier viveu em Barbacena até
1969, tendo feito decoração de Carnaval de sua cidade em 1968, além
de lecionar cerâmica. Tony Lima Antônio Carlos Lima é autodidata,
desenhava a lápis desde criança. Conheceu a tinta em 1980, quando se
muda para Brasília. Aos poucos, familiariza-se com a tinta e o óleo de
linhaça, orientado pelo balconista Zé Luis, da casa de material
artístico Poliarte. Participa de alguns cursos de pintura com os
artistas Anselmo Rodrigues e Luiz Lobão. Abandona o trabalho de garçom
para se dedicar integralmente à pintura. Suas obras inspiram-se na
observação de cenas e imagens do cotidiano, aliada àquelas que surgem
em seus sonhos. Vicente do Rego Monteiro Iniciou seus estudos no Rio de Janeiro em
1908, na Escola Nacional de Belas Artes. Viajou para a França em 1911,
onde freqüentou as academias Colarossi, Julien e La Grande Chaumière.
Voltou ao Rio em 1915, trabalhando como escultor. Realizou sua primeira
individual em 1918, no Teatro Santa Isabel do Recife. Dois anos depois
expôs seus trabalhos em São Paulo, aproximando-se de Di Cavalcanti,
Anita Malfatti, Pedro Alexandrino e Victor Brecheret. Ainda em 1920
começou a se interessar por temas nacionais. Voltou para a França,
deixando oito obras para serem expostas na Semana de Arte Moderna de
1922. Inspirado na cerâmica marajoara e na cultura indígena, ilustrou
o livro Légendes, Croyances et Talismans des Indiens de l´Amazone, de
Louis Duchartre. Em 1930, trouxe ao Brasil a exposição A Escola de
Paris, com obras de Picasso, Léger, Braque, Macoussis e Lhote. Foi
co-fundador do Salon des Surindépendants, em 1930, e do Salon d'Avant
Garde, em 1940. Virgínia de Paula Formação Artística: Escola de Belas
Artes Guignard/UEMG; Curso de Especialização Estética do Barroco -
Museu da Inconfidência - Ouro Preto/MG (1967). Individuais: Curadoria
de Palhano Jr. - Minas Tênis Clube - Departamento Cultural - BH (1966);
Galeria AMI (Associação Mineira de Imprensa) - BH (1981); Sala de
Exposições - Galeria Arte Antiga e Contemporânea - BH (1986); Galeria
Época - Goiânia/GO (1986); Galeria Visual - Brasília (1989); Galeria
Época - Goiânia (1992); "Temática Judaica" Instituto
Histórico Israelita - Curadoria de JACQUES Levy (1993); Art From Brazil
- Silver Lake Gallery - USA (1993); São Paulo - Portugal - Escritório
de Minas em SP (1993); Galeria Assir - Juiz de Fora/MG (1997).
Coletivas: Arte Brasileira - Galeria Triângulo - BH (1967);
Inauguração da Galeria Guignard - BH (1967); Cinco artistas
brasileiros - Curadoria de Henry Laus - Celina (1972); "Paisagem
Mineira" - Diamantina/MG (1981); Artistas Nacionais - Associação
Israelita Brasileira - BH (1982); "Seis Mineiros em SP" -
Escritório de Arte de Carlos Unit (1984); Minas Gerais Art Design - BH
(1985); "Libertas Quae Será Tamen" - Galeria Oscar Seraphico
- Brasília (1985); Centro Cultural de Niterói (1985); Arte Brasileira
- Galeria Performance - Brasília (1985); Terra/Minas/Terra - Natureza
Viva - Museu de Arte Moderna de BH (1992); Galeria da Caixa Econômica
Federal - Brasília (1992); Minas de Terra e Homem - Promoção
Cultural: Turminas - Brasília (1995); Artisitas Mineiros - Galeria
Época - Goiânia (1998); "8 Artistas Mineiros - Seus Estilos"
- Galeria de Arte Borgheses - Itanhangá Center - RJ (1998);
Exposições: "Minas Terra do Homem" - Promoção Secretaria
de Cultura do Estado de Santa Catarina - Museu de Arte de Santa Catarina
(1987); Centro de Estudos Brasileiros - Embaixada do Brasil -
Assunção/Paraguai (1990); Paisagem Mineira e Minas Além das Gerais -
Ouro Preto, RJ, Juiz de Fora (1995); Clube Naval do RJ (1998); Museu
Nacional do RJ (1998). Prêmios: 1º Salão da Prefeitura - Prêmio
Aquisição - Museu de Arte de BH (1967); Salão Nacional de Arte -
Prêmio Aquisição - Museu de Arte de BH (1968/69/81); Salão de Arte
Global - Galeria O Globo - Prêmio Referência Especial (1972); IV
Salão de Arte de BH - Prêmio de Pintura: 2º lugar - Museu de Arte
Contemporânea (1972). Outros: Produção de capas de disco Philips,
figurino, RJ, SP (1971). Tem obras em coleções particulares,
públicas, galerias e museus: São Paulo, representada pela historiadora
de arte: Suzana Lemos Junqueira de Andrade. Obras em Brasília, RR,
Manaus, Florianópolis, Curitiba, Goiânia, Belém e Minas Gerais. Obras
em coleções particulares, museus, galerias, representada pelo
historiador e crítico de arte em Lisboa: Jobs Niemayer. O mesmo
processo em Boston, Washington, Miami, Bélgica, Dinamarca e
especialmente em Israel. Wega Nery Aos 20 anos de idade, sob pseudônimo,
publicou poesias na revista carioca O Malho. No final da década de
1940, depois de um período de dois anos de hospitalização, retomou a
pintura e estudou desenho na Escola de Belas Artes, em São Paulo. No
início dos anos 1950, teve como professores Yoshiya Takaoka e Joaquim
da Rocha Ferreira. Participou do Grupo Guanabara e freqüentou o Atelier
Abstração, de Samson Flexor. Conquistou prêmio de melhor desenhista
na Bienal de Internacional São Paulo de 1957 e Prêmio Aquisição, na
edição de 1963. Realizou sua primeira exposição individual no MASP,
em 1955, e expôs posteriormente também em Munique, Londres e
Washington.. Nos anos 1960, lecionou desenho e pintura na Sociedade
Cívica Feminina, em Santos. Participou de mostras coletivas do Grupo
Guanabara, da 2ª Bienal Americana de Arte, em Córdoba, Argentina, e da
Bienal Brasil Século XX, em 1994, mesmo ano em que o Centro Cultural
São Paulo realizou retrospectiva em homenagem aos seus 80 anos. Win Van Dijk Primeiros estudos de arte em Rotterdam,
Paris, Milão e Florença. Pintou um grande painel na catedral de S.
Hendrik, em Helsinki. Veio ao Brasil em Missão Cultural do governo
holandês e fixou residência em Petrópolis. Recebeu o prêmio Vitor
Meireles da Academia Brasileira de Letras, com obra apresentada em um de
seus salões anuais. Autor de poemas e com livro publicado, pertence à
Academia Petropolitana de Letras. Referências a seu respeito: Torres
Pastorino (Win L. Van Dijk- L'Homme, lê Peintre, I'Oeuvre, 1948) e H.
Pereira da Silva (A função do Inconsciente das artes plásticas,
1951). Yara Tupynambá Nasceu em Montes Claros, MG, 1932.
Gravadora, desenhista e muralista. Foi professora da EBA/UFMG e da
Escola Guignard, BH. Iniciou seus estudos com Guignard na Escola do
Parque nos anos de 1950. Dedicou-se à gravura, estudando com Misabel
Pedrosa, e aperfeiçoando-se com Goeldi, no Rio de Janeiro. Recebeu
Bolsa de Estudos para o Pratt Institute, Nova York (1975). Premiada no
SMBA, BH (1958); 1º Prêmio em Gravura no XVI SMBA (1961); 1º Prêmio
em Desenho, TV Itacolomi, BH. Foi escolhida pela crítica especializada
como revelação do ano (1966); Melhor artista plástica (1969);
Destaque nas Artes em Minas (1970); Artista Destaque (1970-74);
Muralista do Ano (1979); 1º Prêmio de Gravura no II Salão do
Trabalhador, SP (1963); Participou dos seguintes salões e bienais:
Bienal Internacional da Gravura sobre Madeira, Envry, França; IX, XI,
XII, XIV SPAM, SP (1960/62/63/64); XX Salão de Pintura do Museu do
Estado de Pernambuco, Recife (1961); XII SNAM, RJ (1963); I e III SAM,
Brasília (1964-66); I e II Salão de Ouro Preto, MG (1967-69); I Salão
de Artes Visuais, Porto Alegre (1970); BISP; Bienais de Salvador.
Participou das seguintes coletivas: Gravadores Brasileiros, Paço das
Artes, SP; Gravadores Brasileiros, Galeria do ICBEU, RJ; I Certame
Latino-Americano de Xilogravura, Buenos Aires; Artistas Brasileiros,
Indiana e Ohio, EUA; Artistas Brasileiros, The Brazilian American
Cultural Institute, Washington; Artistas Brasileiros, Cité
Universitaire, Casa do Brasil, Paris; Artistas Brasileiros Selecionados
para o Acervo do Museu Spokje, Iugoslávia; Artistas Brasileiros,
Nigéria; Embaixada do Brasil, Santiago; Artistas Brasileiros, BAC, Nova
York; Panorama de Arte Atual Brasileira, MAM-SP; Artistas Brasileiros,
(itinerante): EUA; 50 Anos de Arte no Brasil, MAM-RJ; Contribuição da
Mulher nas Artes Plásticas no Brasil, MAM-SP (1960); Arte Brasil Hoje
50 Anos Depois, Galeria Collectio, SP (1973); A Cidade e o Artista: Dois
Centenários, BDMG Cultural, BH (1996); Consolidação do Modernismo em
Belo Horizonte, MAP, BH (1996). Fez as seguintes individuais: Galeria
AMI, BH; Galeria do ICBEU, BH; Galeria Inter Art Brasil, Paris; Institut
of Education, Universidade de Londres; Centro Cultural Brasileiro,
Santiago; Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre (1963);
Galeria Guignard, BH (1965); Hourian Fine Art Galleries, São Francisco
(1965). Tem obras nos acervos públicos: MAP, Museu Mineiro, ALEMG,
Câmara Municipal, Palácio da Liberdade, Fundação Clóvis Salgado e
UFMG, BH; Embaixadas do Brasil em Roma, Quito, Paris e Santiago; MNBA,
RJ; MAM-SP; MAM-Bahia, Salvador; MAM-Campinas, SP; MAM-Campina Grande,
PB; Patriarcado Greco-Romano, Damasco; MAM-Porto Alegre; MAM-Ribeirão
Preto, SP; Museu Spokje, Iugoslávia; Museu de Friburg, Suíça. Yutaka Toyota Estudos na Universidade de Artes de Tóquio, de 1949 a 1954. Em 1968 transferiu residência para o Brasil, fixando-se em São Paulo. Passou em seguida uma temporada em Buenos Aires e outra em Milão. Voltando ao Brasil naturalizou-se brasileiro. Iniciando-se na pintura veio desenvolver, estimulado pelo espaço brasileiro, um importante projeto escultórico, alternando áreas brilhantes e opacas, utilizando a luz artificial, a extensão cósmica, manipulando metais, num processo que Olívio Tavares de Araújo define dizendo: "Como bom oriental, cujas raízes jamais foram extirpadas, Toyota possui uma concepção metafísica da arte, na qual enxerga um processo de conhecimento do universo e de si próprio, e um sistema de enriquecimento do espírito e ascese." Recentemente Toyota voltou à pintura, manipulando a fronteira hiperrealista de formas geométricas, fazendo pulsar as curvas das chapas alumínicas, numa espécie de ode metafísica de natureza op.
Sumary Biography
Alberto da Veiga Guignard
Nova Friburgo/RJ, 1896 Belo Horizonte/MG, 1962 Alberto da Veiga Guignard's childhood was marked by his father's
tragic death. In 1907, he moved with his family to Europe, living in
Switzerland, France, Italy and Germany. The painter studied at the Royal
Academy of Fine Arts in Munich from 1915 to 1923 and painting in
Florence in 1925. He took part in the Salon d'Automne in Paris in 1927
and 1928. In 1929 he returned to Brazil, where he felt the impact of the
Brazilian landscape and met Ismael Nery, Candido Portinari and Oswaldo
Goeldi. A prizewinner in five different years of the Salão Nacional de
Belas Artes, Guignard gained widespread respect and admiration, creating
a solid oeuvre over the years that was faithful to his esthetic
principles. In 1944, at the invitation of the then mayor of Belo
Horizonte, Juscelino Kubitschek, he moved to the state of Minas Gerais,
where he directed the drawing and painting course at the School of Fine
Arts in Belo Horizonte, which later became the Guignard School. Alcides Marques Alcides Marques is from Belo Horizonte, Minas Gerais and self-taught.
He has initiated in arts in 80's. With talent and determination he soon
had his work recognized in the beginning of his career. Today Alcides
Marques integrates the hive of the great Brazilian landscape painters
and had his work pointed out in the great art auctions and expositions
of our country. Catalogued in the "International Anuere of Las Arts
Benezit" and in the catalogue "Júlio Louzada - Plastic Arts
of Brazil", his work today is outstanding also abroad, mainly in
North America, where his work is commercialized by important galleries.
Participated in several important expositions in Brazil. Aldemir Martins At the beginning of the 1940s, Aldemir Martins was one of the
founders of the Ceará State Society for Visual Arts, which played an
important role in the local revival of modernism. In 1946 he moved to
São Paulo, where he held his first solo exhibition and produced
illustrations for the newspapers Folha da Manhã and O Estado de S.
Paulo and the magazine Visão. The following year he became a member of
the Grupo dos 19 (Group of 19). He studied engraving at the São Paulo
Museum of Art (MASP), where he later taught. With the travel award from
the 1959 Salão Nacional de Arte Moderna, he headed to Rome. In addition
to painting, Aldemir Martins also dedicated himself to the graphic arts,
drawing and sculpture. He participated in the Bienal Internacional de
São Paulo on several occasions and the Biennale di Venezia in 1956,
when he won the drawing prize. His work was exhibited in Europe, the
United States, Israel, Japan and Morocco, among other places. Early in
his career, Martins mostly worked with themes centered around life in
the Brazilian Northeast, however, his work became better known to the
public when he began to introduce Brazilian animals, birds, flowers and
fruits. Aldo Bonadei Aldo Bonadei studied under Pedro Alexandrino from 1923 to 1928.
During this period he also frequented Antônio Rocco's studio and
attended the São Paulo School of Arts and Crafts. In the early 1930s he
left for Italy, where he studied at the Florence Academy of Fine Arts.
Back in São Paulo the following year, he became involved in the Santa
Helena Group and the Família Artística Paulista. In 1942 he began to
conduct experiments in sculpture and porcelain painting. In 1949 he
served on the staff of the first school of modern art in São Paulo, the
Escola Livre de Artes Plásticas (Open School of Visual Arts), and was
one of the founders of the Oficina de Arte. He received the Leirner
Contemporary Art Award in 1958 and the overseas travel award in the 1962
Salão de Arte Moderna de São Paulo, which he used to travel to Lisbon.
His oeuvre covers a wide range of genres - portraits, nudes, landscapes,
still lifes and informal and geometric abstractions. Parting company
with the rigor of his academic studies, Bonadei simplified planes in his
work, influenced by Cézanne and, to some degree, cubism, and conducted
abstract experiments. Alexandre Rapoport He graduated from the National School of Architecture where he taught
Decorative Composition. He attended the free engraving course at the
ENBA, under Raimundo Cela, in 1952. "Luminosity and magic come
together in the righly refined art of Rapoport. Clowns, doves and
fruits, intimate and fabled moments of a statement composed chiefly on
the beautiful foundation of a mysterious time. Narrative and at times
descriptive, this painter manages to cover with his masterful technique
the hint of literary memory hidden under his complex images which sprout
from the most remote dream and memory. With the pure spontaneity of a
childlike act and the wisdom of a thinker who has accumulated the
iconography of his times Rapoport composes these lessons in balance,
recreating space in terms of an illusory three-dimensional setting.
Techniques such as perspective find in him an exellent teacher, and all
the beings in his world seem to be in motion, like the very world in
which we live, within a structure of sidereal dynamics. The facile and
direct symbol of the clown is substituted with that or the more secret
dove. In later works, pears are added, composing the new dish of a
symphonically colored and lit table. We are before an artist who has
managed to tame his own skills, gradually transforming the outer shell
of appearences into a universe of poetic actin." (W.A.) Alfredo Volpi Volpi arrived in Brazil when he was barely one year old. He was a
wood carver, carpenter, bookbinder and decorative painter, increasingly
dedicating himself to his artistic studies. In 1935 he helped establish
the Santa Helena Group, together with Fulvio Penacchi, Rebolo, Mário
Zanini and Aldo Bonadei, among others. From 1937 he took part in the
Família Artística Paulista exhibitions. His early work was figurative,
and his paintings of coastal landscapes were particularly outstanding.
He held his first solo exhibition in 1944. But it was his stay in Italy
with Zanini and Rosi Osir in 1950 that defined his poetics. He took part
in the 1952 Biennale di Venezia and the following year shared the
painting prize with Di Cavalcanti in the II Bienal Internacional de São
Paulo. In the 1954 Biennale di Venezia Volpi was hailed by the geometric
abstractionists as one of their precursors. The Rio de Janeiro Museum of
Modern Art held the artist's first retrospective exhibition in 1957.
Volpi began to paint under the influence of late impressionism,
broadening his aesthetic universe through his contact with other artists
and attaining great expressive maturity in some of his first land and
seascapes. His attention to simple aspects of colonial architecture,
together with the influence of the pre-renaissance painters, was to
appear in his constructivist work in compositions of extreme formal and
chromatic refinement. Amílcar de Castro Amilcar de Castro studied under Franz Weissmann and Guignard at the School of Architecture and Fine Arts in Belo Horizonte in the 1940s. He moved to Rio de Janeiro in 1952, where he was strongly influenced by the concrete art of Max Bill and worked as a graphic designer for almost 20 years. He signed the Manifesto Neoconcreto [Neoconcrete Manifesto] in 1959 and took part in the exhibition Konkrete Kunst, in Zurich, Switzerland, in 1960. Over the following decade he was responsible for the graphic overhaul of the newspaper Jornal do Brasil and produced the float decorations for the Mangueira samba school together with Hélio Oiticica and Jackson Ribeiro in 1964. In 1968, with a grant from the Guggenheim Foundation, he traveled to the United States, where he began to use stainless steel plates in dynamic geometric structures. When he returned to Brazil in 1971, he established himself in Belo Horizonte and taught at the School of Fine Arts at the Federal University of Minas Gerais, the Ouro Preto Arts Foundation and the Guignard School. From 1990, he dedicated himself exclusively to his artistic work and resumed painting. In a process of cutting and bending planes, Amilcar de Castro's work gives expression to the forces present in the materials he uses, giving life to a third dimension. Ana Horta She lives in Belo Horizonte where she graduated in printing from the School of Fine Arts of the Minas Gerais Federal University. A member of the neo-informalist school of Brazilian art, she has stood out for a color work underlying her spontaneous and vibrant gesture. She showed her output at the '80s generation show in Rio de Janeiro where her firm approach o art was much appreciated. George E. M. Kornis wrote about her: "Her broad color planes, a tense brush work, an emotional suggestion of volume - everything underscores color in her works. Color builds this contrasting space where order is set through disordely elements - transparencies, shading, contact and impingement of color to integrate space; lines firmly cutting through planes - in which the impurity of color acts to reassert the identily of each hue. However, the prevalence of color should not detract from the acutely incisive lines - a clear tribute to Ana Horta's graphic work - which enter planes and volumes, nor from the widely varied of her brush work." Andres Burian He participated in many individual expositions, such as: 2005 Quadrum
Occupation Art Gallery, Belo Horizonte; 2004 Andres Burian working with
animals Cemig Gallery, Belo Horizonte/MG; Cultural center Bernardo
Mascarenhas, Juiz de Fora, MG; Cultural Plant, Nova Friburgo, Rj; 2002
160 x 140, Quadrum Art Gallery, Belo Horizonte/MG; 2000 Great Gallery,
Palácio das Artes, Belo Horizonte/MG; 1999, Cultural Foundation Alfredo
Ferreira Lage, Juiz de Fora, MG; Kalil & Lauar Gallery, Belo
Horizonte/MG; 1999 Contemporary Art Museum Goiás (Goiânia); 1998
National Culture Center, Lisbon, Portugal; 1997 Gallery 201, Belo
Horizonte/MG; 1992 Salvador Dali Room, Brazil-Spain Cultural Center,
Belo Horizonte/MG. He also participated on joint expositions such as:
2006 Pictorial, Palácio das Artes, Belo Horizonte/MG; VII Hall of the
sea, Vitória; see = read, Gallery of the College of Visual Arts,
Goiânia; 2005; The body in the Brazilian contemporary art, cultural
Institute Itaú, São Paulo; Visible-Legible, Antonio Sibatolly Art
Gallery, Anápolis, GO; 2004, New Acquisitions Gilberto Chateaubriand,
MAM Rio; X Unama hall small formats, Belém do Pará; Art Pará 2004,
Rômulo Maiorana Foundation, Belém do Pará; Microlessons of Stuff,
Murilo Mendes Study Center, Juiz de Fora/MG; First Hall
Cataguases-Usiminas, Cataguases/MG, Ipatinga/MG, Aracaju/SE and João
Pessoa/PB; 2003 Intercity, Iberê Camargo Gallery, Porto Alegre/RS; Busy
Sub joy, Subgallery, Belo Horizonte/MG; 2002 Untitled 5, Graphical
Gesture gallery, Belo Horizonte/MG; Intercity, Cultural Foundation
Ferreira Lage, Juiz de Fora, MG; 2001 VIII Bahia Hall with Mano Rey
(André Burian + Marcelo Solá) Modern art Museum in Bahia/BA; I
Cataguases-Leopoldina Hall, Cataguases, MG; 2000 VII Bahia Hall, Modern
Art Museum in Bahia, Salvador/BA; 26th National art Hall in Belo
Horizonte/MG; 1999 10 years of the UFMG Cultural Center, Belo
Horizonte/MG; 1998 VI International Biennial of Cuenca (Brazilian
representation), Cuenca, Equator; VI Victor Meirelles, Santa Catarina
Art Museu, Florianópolis; Mundão Project, SESC Santo Amaro/SP; Summary
Today, Minas Museum, Belo Horizonte; Recent works of the Artists on the
Antarctica Project Arts with A Folha, Pinacoteca do Parque, São Paulo;
1997 100 Years of Plastic Arts in BH - Contemporary Nucleus, Palácio
das Artes, Belo Horizonte/MG; V Victor Meirelles, Santa Catarina Art
Museum, Florianópolis; 1996 Antárctica Arts with A Folha, Pinacoteca
do Parque, São Paulo; The Minute Festival, Cultural Center SP and
Republic Museum, Rj; V Victor Meirelles, Santa Catarina Art Museu,
Florianópolis; I Cataguases Biennial of Contemporary Art; 1995
Monsters, Palácio das Artes, BH; Andres Burian, Angélica França and
Marcelo Birni, Itaú Gallery, Goiânia; V Santos National Biennial; 8.
UFMG Cultural Center; LII Paranaense Hall, Paraná Contemporary art
Museum, Curitiba/PR; 1994 XIV Funarte Hall, Rio De Janeiro; Pictures,
Mineiro Museum, Belo Horizonte/MG; 1993 Andres Burian and Maria Leonor
Decourt, Cemig Cultural Space, Belo Horizonte/MG; 1992 Family, Palácio
das Artes, BH; 1991 Images that presents themselves to the spirit during
sleep, UFMG Cultural Center, Belo Horizonte/MG; Exotic, Palácio das
Artes, Belo Horizonte; 1989 VII National University Anita Malfatti Anita Malfatti lived in Germany from 1910 to 1914, and attended the Berlin Royal Academy of Fine Arts, where she studied painting, drawing and engraving. She went to New York in 1915 and studied at the Independent School of Arts, which taught following a modernist line. On returning to São Paulo in 1917, she held two solo exhibitions of paintings, drawings and engravings reflecting a mainly expressionist background. She was criticized by Monteiro Lobato, but supported by the young modernists who were interested in renewing the culture of São Paulo. She studied under Pedro Alexandrino, an academically trained painter, in 1919, and gradually toned down the virulence of her first works. Malfatti took part in the Modern Art Week of 1922. The following year she was awarded a grant from the State Artistic Advancement Fund, which she used to travel to Paris, where she met up with Brecheret and Di Cavalcanti. She took part in the 1931 Salão Revolucionário in Rio de Janeiro, and was a founder of the Pro-Modern Art Society (SPAM). She joined the Família Artística Paulista in 1937. The São Paulo Museum of Art held the first retrospective of her work in 1949. Anita Malfatti was a heroine of modernism, deliberately seeking her own visual self-expression. She was influenced by cubism and expressionism, but gradually achieved independence from all styles, devoting herself to both drawing and engraving. Antonio Poteiro One year after the artist's birth, his family moved to Brazil and
settled in São Paulo. Years later, he began his apprenticeship in
ceramics in Minas Gerais. In the 1940s he moved to Goiânia, where he
roasted cofee, laid bricks and worked in a pottery with his father,
making clay pots. He opened potteries of his own, both of which failed,
and then spent around a year and a half on the Ilha do Bananal, a huge
river island in Tocantins, living with the indigenous inhabitants. It
was only in 1957 that he started signing his work. In the 60s,
influenced by the teacher Antonio de Melo, he began producing dolls and
masks. His involvement with painting began in the following decade,
under the guidance of Siron Franco, a period when he also taught
ceramics at Sesc and in Germany. In 1976, he was a prize-winner at the
Salão Empresarial de Artes Plásticas de Goiás and won the Prêmio
Funarte award in the following year. In 1982, he received the Grande
Prêmio da Prefeitura de Belo Horizonte at the XIV Salão Nacional do
Museu de Arte da Pampulha. His work has been shown in various
exhibitions of naive art in Brazil and abroad, and also at the Bienal
Internacional de São Paulo (1981 and 1991). He won the Medalha Gustavo
Ritter from the Goiás State Cultural Council in 1999, one year before
his solo exhibition, 500 Anos do Brasil. Por Antonio, o Brasileiro
Poteiro, at the Teatro Nacional Cláudio Santoro, in Brasília. Artur Barrio Artur Barrio moved to Brazil in 1955. At the end of the 1960s, he
studied at the Rio de Janeiro School of Fine Arts, where he absorbed the
atmosphere of political and aesthetic questioning of the period. In 1969
he brought out a manifesto "against artistic categories, against
exhibitions, against awards, against juries, against art
criticism", establishing a coherent trajectory in contemporary art
from that time on. He lived in Portugal, Africa, Brazil, France and
Holland, setting up address in Rio de Janeiro in 1994. In 2001, a
large-scale retrospective of his work was held at the Rio de Janeiro
Museum of Modern Art, the Paço das Artes in São Paulo and the Bahia
Museum of Modern Art in Salvador. Recognized as one of the most
important names in Brazilian art today, his works are collected by both
international and national museums. Over the last few decades the artist
has remained faithful to his project of rejecting the worshipping of
objects, in which ideas take precedence over matter, working on paper
and other supports. Bax Drawing and painting lessons from Guignard and sculpture from Franz Weissmann. His mystical and fantasy-ridden art reflects an existencial dimension that might be both submersion and flight. His planes seem to involve our breath simultaneously and to make us merge the image through specific elements of air and watter. ONE-MAN EXHIBITIONS: 1963- Grupiara Gallery, Belo Horizonte (MG); 1967- Baú Gallery , Belo Horizonte (MG); 1968- Chez Bastião Gallery, Belo Horizonte (MG); 1971- Retrospective"20 years of Painting" (after the Guignard school) at "Novo Salão Minart", Belo Horizonte (MG); 1979- "30 years of painting" 1944/74, Hotel D'EL Rey e Exposição na inauguração da Eucatexpo Gallery , Belo Horizonte (MG); 1980- "35 years of painting", inauguração da Mandala Gallery , Belo Horizonte (MG); 1981- "Arte em papel e madeira", Mandala Gallery, Belo Horizonte (MG). Bruno Giorgi Bruno Giorgi moved with his family to Rome in 1911, where he studied drawing and sculpture during the 1920s. After four years of prison for participating in antifascist movements, he was extradited to Brazil in 1935. Two years later he was in Paris, where he attended the La Grande Chaumière and Ranson academies and met Aristide Maillol, who began to guide him. Back in São Paulo in 1939, he worked with artists from the Santa Helena Group and participated in the Família Artística Paulista. Four years later he moved to Rio de Janeiro, where he started teaching and had Francisco Stockinger as his student, among others. He returned to São Paulo from 1950 to 1954 and took part in the I Bienal Internacional de São Paulo in 1951. His works were exhibited in many European capitals and in the United States. Among his public monuments are Monumento à Juventude Brasileira (Rio de Janeiro, 1947) and Candangos e Meteoro (Brasilia, 1960 - 1967). After walking the figurative path opened by Aristide Maillol, with hieratic and monumental figures, Bruno Giorgi adopted a form of architectural abstraction that brought together movement and elegance, with which he achieved surprising spatial solutions. Bustamante Sá The landscapes and figure painter studied at the National School of
Fine Arts under Amoedo and Rodolfo Chambelland. He later joined the
Bernardelli Group of 'moderate Rio modernists' as critic José Roberto
Teixeira Leite called them. "Now as in the past, Bustamante Sá is
driven mainly to record on canvas the landscape he interacts with.
Unlike Sigaud who pierced urban landscape with the thorn of social
strife in paintings as harsh and tough as their subjects, Bustamante Sá
has handled his landscapes as lovingly as one caresses a body or enjoys
a roast. A man who acts on instinct and on his senses and whose tastes
are stimulated by the real pleasures in life, Bustamante Sá conveys
this organic feeling in his paintings. He does not actually paint
sensuous figures, even when nude. But he injects color, light and shade
with a visual appeal that translates into warm paintings, golden earth,
enigmatic greens. In his field he is highly original and imprints both a
straighforward and passionate quality o his compositions. He wisely
discarded the impressionist influence of Manoel Santiago for a less
clinical and more personal art. Bustamante reach to change reality. He
has been content to watch and convey as clearly and faithfully as his
creative instinct allows. And he is right - as we know, those who dilute
aesthetic revolutions usually fade way. True painters never do."
(W.A) Candido Portinari When he was still a boy, Portinari helped decorate his parish church.
He moved to Rio de Janeiro in 1918, where he enrolled in the School of
Arts and Crafts and the National School of Fine Arts. With the travel
award he received in the Salão de Belas Artes, he traveled to Europe,
where he remained from 1929 to 1932. The following year he held his
first solo exhibition em São Paulo, and in 1934 his work Café received
an award in the Pittsburgh International Exhibition of Paintings. He
taught at the Arts Institute of Universities do District Federal (now
Rio de Janeiro State University) and was influenced by the international
return to mural painting. His first large panel was painted in 1936 for
the Rio-São Paulo Highway monument. In the same year he was invited to
produce frescos for the new Ministry of Education and Culture
headquarters in Rio de Janeiro. In 1953 he was invited to create a panel
for the UN headquarters in New York. His work Guerra e Paz won him the
Guggenheim National Award and the Hallmark Art Award in 1957. Carlos Bracher His earlier studies were done in his hometown and in the many
historical towns of Minas Gerais. He attended several courses in the
'60s taught by Fayga Ostrower, Frederico Morais, Inimá de Paula and
Seitas Fernandes. "Among contemporary Brazilian artists, Carlos
Bracher best meets the challenge of his landscape. As a true painter
dedicated to his medium, his canvases reflect great care in placing
material over material, layer on layer, until he achieves a transparency
simultaneously suggestive of materials subdued, the back of a tamed colt
and a body sated by love. Bracher, an artist driven by vocation and
fate, dissects his target-objects, overlaps his mountains to nearly
abstraction, though never surrendering to abstraction because he is very
attached to life and image from a time perspective. While the material
is a surprise in Bracher's refined painting, what could we add about the
color, the luminescent color that recalls reflections of the sun on
one-rich summits?" Carybé spend his childhood in Italy, arriving in Rio de Janeiro in
1919. He produced paintings, engravings, costumes, drawings, pottery,
sculptures and murals. He was also a researcher, historian and
journalist. He attended the pottery studio of his brother, Arnaldo
Bernabó, and studied at the National School of Fine Arts from 1927 to
1929. He returned to Argentina in 1930 and worked on the periodicals
Notícias Gráficas and El Diário. In the early 1940s he traveled
through South America. In 1943 he and Raul Brié translated Brazilian
novelist Mário de Andrade's Macunaíma, which Carybé also illustrated,
into Spanish. In this same year he held his first solo exhibition. In
1944, in Salvador, he frequented capoeira and Candomblé gatherings,
producing drawings and paintings based on these themes. He was involved
in the creation of the newspaper Diário Carioca in 1946, and also
worked on the Tribuna da Imprensa from 1949 to 1950. He painted panels
and murals in Brazil, the United States and Nigeria. In 1952 he was
artistic director of O Cangaceiro (The Bandit), by Lima Barreto, and
produced approximately 1600 drawings for the film. Among the books he
published and illustrated are Iconografia dos Deuses Africanos no
Candomblé da Bahia ["The Iconography of African Gods in Bahian
Candomblé"] and O Uso das Plantas na Sociedade Ioruba ["The
Use of Plants in Yoruban Society"], by photographer Pierre Verger.
Carybé's works have been exhibited in cities such as Buenos Aires, New
York, Washington, Mexico City, Rome, Madrid, London, Tokyo, Lisbon and
Venice. Caulos Moved to Rio De Janeiro in 1954. Arround 1967, working at the navy,
did his first humour drawing. In the beginning of the 70's was stood up
as humour designer for Jornal do Brasil and O Pasquim, also collaborated
with important foreign publications (Penthouse, The New York Times,
Playboy etc.). He did several expositions at this time: Modern Art
Museum in Rio de Janeiro (1973); Vernissage Gallery, Rio De Janeiro, and
Applied Art Gallery, São Paulo (1975); Architects Institute of Brazil
Gallery, Porto Alegre (1976); Petite Galerie (1977) and Ipanema Gallery
(1979), Rio De Janeiro. He turned towards painting in the beginning of
the 80's, with expositions in the Bolsa de Arte in Porto Alegre (1987)
and in the Bonino Gallery, Rio De Janeiro (1987, 1988 and 1992). Among
his most recent work, deserves prominence his exposition at the Modern
Art Museum in Rio De Janeiro (1998). He published, among others books,
it only hurts when I breathe (1976), To make a mistake is human (1978)
and the Last Yellow Flower (1994). Front Cover Professional, did several
works for publishing company L&PM, Porto Alegre, such as The Lady of
the Nevada Bar (1987), by Sergio Faraco; Persecution and surrounding of
Juvêncio Gutierrez (1990), by Tabajara Ruas; Private Life Comedies
(1994) and Public Life Comedies(1995), by Luis Fernando Veríssimo;
Freedom freedom (1997), by Flávio Rangel and Millôr Fernandes, etc. Chanina He moved to Brazil in 1936 and settled in Belo Horizonte, where he
was to study medicine, specializing in psichiatry. At the same time he
studied painting and sculpture under Guignard and Weissmann at the
School of Fine Arts. He also studied engraving under Ana Letícia. His
painting is highly colored and has an expressionist flavor, which
singles him out among Minas Gerais painters. He has not taken to
abstract art but is a definitely figurative painter. In his figures he
uses a very special, easily recognizable style of drawing which gives a
strong impression with a touch of fantasy and instinct. Cícero Dias Cícero Dias studied architecture at the National School of Fine Arts
in 1925, later changing to painting. He held his first solo exhibition
in 1928. He was one of the group of artists and intellectuals interested
in the aesthetic renewal of Brazilian art and made his mark in the
Salão Nacional de Belas Artes with a work that was 15 meters wide. He
settled in France in 1937. In contact with Picasso, Paul Éluard and the
surrealist circle, he held his first solo exhibition in Paris the
following year. Dias delved into abstract art in Recife in 1948, when he
painted what is considered Latin America's first abstract mural. He held
solo exhibitions in London, Paris, Lisbon and around Brazil, as well as
participating in important exhibitions such as the Biennale di Venezia
in 1950 and the Paris Salon de Mai in 1951 and 1958. Considered by some
critics as one of the exponents of international abstract art, Dias was
given a special room in the 1965 Bienal Internacional de São Paulo.
With poetics centered on the emotional memories of a childhood in the
Brazilian Northeast, Dias went beyond the regional, approaching
surrealism through the spontaneity of his figures and colors, in a
visual simplicity that was to lead him to abstraction. Cláudio Tozzi With a degree in architecture from the University of São Paulo
School of Architecture and Urban Design, Cláudio Tozzi first turned to
the arts under the influence of pop art. In 1967 his panel Guevara vivo
ou morto, exhibited in the Salão Nacional de Arte Contemporânea, was
destroyed. He held his first solo exhibition in São Paulo in 1971 and
won the overseas travel award from the Brazilian Art Critics'
Association in 1975. The author of public panels, Tozzi participated in
many important exhibitions in different years, including Jovem Arte
Contemporânea, the Bienal Internacional de São Paulo, Panorama de Arte
Atual Brasileira and the Biennale di Venezia. His works were also
exhibited in Século 20: Arte do Brasil (Calouste Gulbenkian Foundation,
Lisbon, 2000) and Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São
Paulo, 2000). Working from a base of geometric structuring, Tozzi brings
together drawing and painting, initially experimenting with images
bordering on pop aesthetics together with elements of social and
political criticism. Cosme Martins Individuals: 1980/84 Eney Santana Gallery - MA;1985 - Artistic and
Historic Museum of Maranhão; 1987 - Petrobrás Cultural Space Rio; 1988
- IBEU Gallery - Rio 1988/99 - Ipanema Gallery Rio; 1993 - Caixa Gather
- Rio; 1993 - As a Guest gave a Couse at POST DAN - Germany; 1993 -
Cândido Mendes Cultural Center - Rio 1993 - Pascoal Carlos Magno
Cultural Center - Niterói - Rio; Joint Expositions: 1981 - Artistic and
Historic Museum Maranhão; 1983 - Eney Santana Gallery - MA; 1987 -
Basílio Gallery - Rio; 1987 - Villas Lobos 100th Year - Basílio
Gallery - Rio; 1987 ; New Artist Petrobrás Show Rio 1988 - Paintings
Abolition Award - Ipanema Art Gallery 1988 - Amão; Afro Brasilian
Paintings - Modern Art Museum of São Paulo 1988 - Three Contemporary
Artists - IBEU Gallery - Artistic and Historic Museum Maranhão; 1988;
Painting and Form ; BNDS Space - Rio; 1988- Candido Mendes Cultural
Center Small Gallery 1989 - Four Paintings Project - Cândido Mendes
Gallery - Rio 1991 - Actual Art Gallery - Santiago - Chile 1996 - Actual
Art - The Lions Palace - São Luis - MA; 1991 - Workshop Germany,
Brazil, João Pessoa - PB; 2002 - Ipanema Art Gallery - Rio; Itinerant
Exposition: 1991 to 1992 at the following capitals: Recife, Salvador,
Illhéus, Brasília, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Curitiba,
Florianópolis, Porto Alegre and São Paulo; 1991 - Ten Years - Actual
Art Gallery - Santiago Chile 1991 - Collection - Cândido Mendes
Cultural Center - Modern Art Museum at Rio de Janeiro; 1992 - Collection
- Cândido Mendes Cultural Center - Art Museum - Rio de Janeiro; 1997 -
Gallery 97 - Mall House - Rio 2000 - April's Collective - Mall São Luis
- MA; 2002 - TNT Art Gallery - Rio 2002 - Ipanema Art Gallery - Rio;
2004 Atualidade Art Gallery - Rio; Main Halls: 1985/88 - Pernambuco
Hall; 1996 - 9º National Plastic Arts Hall - Center West Region - DF;
1988 - XII Plastic Arts Carioca Hall; 1988 - Salon des Anliquaires et
des Createurs Contemporains (Passerelles de l'Arte Paris.); Acquisition
Award: 1991 - Plastic Arts Brazilian Award and Plastic Arts National
Hall - Brasília and Rio de Janeiro; 1993 - National Plastic Arts Hall -
Rio 1987 - V Railway Hall NORDELLES S/A Award - Rio; 1988 - Trip to
Paris Award - ABO Painting Lesson; 1993 - 1st MAM Hall - Bahia 1993 -
Guest Artist May Hall - São Luis - MA. Décio Bracher Born in the city of Belo Horizonte in 1932. Architect, painter,
designer and professor, studied painting and drawing with Frederico
Bracher Jr. and Edson Motta, composition with Fayga Ostrower and
engraving with Lótus Lobo. Architect by UFMG, did several projects,
such as the Federal University of Juiz De Fora's deans Office, and
taught architecture in the course of Engineering at UFRJ. His subjects,
by excellence, are the urban landscapes and flowers, made in colors or
drawings of pure traces. Defender of the architectural patrimony was
member of the Commission for Historic and Artistic sites of the
Brazilian Architects Institute - Rio De Janeiro Section. On his
research, made dozens of videos with analyses and interviews about the
work of several artists their styles, the historic and nature of the
artistic creation. He exposed in several halls, getting awards such as
the "Premio de Pintura", of the Culture State Council of Minas
Gerais. Dionísio Del Santo Painter, designer and engraver, Del Santo studied at the seminary Sao
Francisco de Assis, in Santa Teresa, Espirito Santo, between 1932 and
1939. Self-taught person, started to paint in 1951. He participated on
the Opinion 66 exposition, at MAM in Rio De Janeiro, and in 1975 he
received the award from the best engraving exposition of the year by
São Paulo Critics of Art Association. In geometric figurations, with an
accented abstractionism, the artist comes close with his vibrant
chromatist art. Among others expositions, participated at the IX
International Biennial l of São Paulo (1967), National Modern Art Hall
(Rio De Janeiro, 1968), Constructive Project in Art (MAM/RJ, 1977),
Tradition and Rupture: Synthesis of Brazilian Art and Culture (São
Paulo Biennial Foundation, 1984), Retrospect (Rio De Janeiro Imperial
Pass, 1989), Biennial Brazil Century XX (São Paulo, 1994) and The
Collectors - Guita and Jose Mindlin: Matrices and Engravings (Fiesp
Cultural Center, São Paulo, 1998). Eduardo Sued Sued obtained a degree in engineering in 1948 and began to study drawing and painting with Henrique Boese the following year. He worked as a draftsman for Oscar Niemeyer in 1950 and 51. With a grant from the French embassy, he traveled to Paris, where he studied at the Julien and La Grande Chaumière academies. He returned to Brazil in 1953. He studied metal engraving with Iberê Camargo and taught at Escolinha de Arte Brasil in 1956. When he moved to São Paulo, he taught at the Armando Álvares Penteado Foundation. From 1974 to 1980, he taught metal engraving at the Rio de Janeiro Museum of Modern Art. In addition to his solo exhibitions, he took part in exhibitions such as the Bienal Internacional de Gravura (Cracow, Poland, 1970), América Latina - Geometria Sensível (Rio de Janeiro Museum of Modern Art, 1978), Biennale di Venezia (1984), Gesto e Estrutura (Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, 1989), Precisão (Banco do Brasil Cultural Center, Rio de Janeiro, 1994), Volpi e Sued (Galeria de Arte Ipanema, Rio de Janeiro, 1999), Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000) and O Espírito de Nossa Época (São Paulo Museum of Modern Art, 2001). Emeric Marcier He settled in Italy in 1935 and graduated from Brera Academy in
Milan. He also too an advanced course at the Paris School of Fine Arts
in 1939. At the outbreak of World War II and on the advice of friend and
painter Maria Helena Vieira da Silva, he moved to Brazil and settled in
Rio de Janeiro in 1940. In 1942 he visited the historical towns of the
State of Minas Gerais. As a result, he set up his studio in Barbacena.
Exposure the those Minas towns was vital for his develpment as a
painter. The atmosphere of past times, of romance, religious feeling and
mystery were a perfect backdrop to his loving and somber colors. Despite
his many trips to Europe, he always returns to Barbacena and is
increasingly rooted in the poweful and dramatic scenario of the region's
colonial and baroque memories. Religious art has been tremendously
important in his career and has resulted from his own conversion to
catholicism by influence of Murilo Mendes, Lúcio Cardoso and other
catholic writers who were his earliest friends in Brazil. One
significant chapter of his religious subjects are the Stations of the
Cross. In a comprehensive review of all projects and works of the same
nature, José Roberto Teixeira Leite referred to one of his paintings:
"I think Emeric Macier reached the peak of his career in the
portrayal of the drama at Golgotha. He has often returned to the theme-
which has attracted so many artists throughout the centuries- with a
pesistance that stresses quite well one of his traits- what René Huyghe
so appropriately called the 'texture of the soul'. Besides religious
subjects, Emeric Marcier is a master at landscapes and portraits which
he surrounds with the same mystic and passionate environment taken from
nature." His earliest studies were done in Rome. He took part in the 1935
quadriennale and had his first one-man show in 1936. He moved to Brazil
in 1938 and settled in Rio de Janeiro. He became Portinari's technical
assistant in many of his frescoes until nearly the master's death in
1962. "Bianco paints Brazil, and does so in tropical colors slighty
filtered through his Mediterranean restraint.The forms he uses - for
animals in particular - are set in motion by light and seem to expand
their muscles and nervers to the rhythm of steady and fullbodied brush
work. Many of his "scenes" are framed by unreal backdrops - a
virtual shift of reality into a level of fantastic meaning. Let us hear
Leonello Venturi: "The important thing in his painting is its human
contribution, is effects on our feelings and imagination." This
fits Bianco's art to perfection and it is up to critics to consider the
reasons behind this sort of magic that so fascinates the viewer, and
which he manipulates with overwhelming skill." (W. A.) Fani Bracher She took a degree in Journalism at the Juiz de Fora Federal
University and went on a study trip to the United States and Europe from
1968 to 1971, living mostly in Paris. Back in Brazil she moved to Ouro
Preto and started to paint in 1973. Georges Racz had this to say about
her art: "Fani's painting is contemplative. Her sources of
inspiration are clearly the Minas Mountain country, baroque towns,
country villages, all seen through poetic eyes in landscapes, stills
lifes and soft flowers. Each artist reacts in his o her own to the
universe: there are the avant-garde artists, insatiable inventors, often
iconoclasts; there are those attracted to eternal and inexaustible
themes. Fani is obviously part of this second group as she takes up the
Minas Gerais setting to project though it her ego and her talent, a
powerful stream of quiet surface waters. The soft poetry issuing from
her paintings is skillfully treated in form and content. A strong
geometric construction supplies the background for a sober dialogue
between volumes, masses and lines reinforced by a masterly use of color
where earth shades predominate with blues and greens highlighted in
off-white to provide the counterpoint." Farnese de Andrade Between 1945 and 1948, the artist studied with Guignard, in Belo
Horizonte. In the end of the 50`s, he attended the engraver Atelier of
the Modern Art Museum in Rio De Janeiro, where he improved himself in
engraving in metal with Johnny Friedlaender. He did book illustrations,
newspapers and magazines such as Correio da Manha, O Cruzeiro and
Manchete. In 1963 initiated his works with diverse objects and materials
collected in the garbage, such as closets, photographs, glass lenses,
former-votes, dolls and oratories. He received the award for the trip
abroad in the National Hall of Modern Art in 1970 and left for Spain,
where he worked for four years. In that same year, Olívio Tavares de
Araújo did a documentary on the work of the artist who was awarded in
the Brasilia Cinema Festival. Fernando Lucchesi Fernando Luiz Lucchesi Cunha was born in Belo Horizonte, in 1955.
Self-taught plastic artist. He was awarded in the Hall of the Culture
State Council of Minas Gerais (1980). He participated at the XVIII
International Biennial in São Paulo, SP (1985) and I Visual Arts
Biennial of the Mercosul, Porto Alegre (1997). He participated of famous
joint expositions in several countries and Brazil. He did individual in
the following spaces: FAOP, Ouro Preto/MG (1978); Great Gallery at
Palácio das Artes, BH (1981); Cultural Space Cemig, BH (1985); Cultural
Center Cândido Mendes, RJ (1986); Palácio das Artes, BH (1987); Does a
mural in the Agriculture Pavilion of Minas Gerais (1987); Palácio das
Artes, BH (1988); City Gallery, BH (1990); Inconfidência Museum in Ouro
Preto/MG (1991); BDMG Art Gallery BH (1991); Oratories, Cultural Space
Caixa Econômica Federal, BH (1992); House Thomas Jefferson, Brasilia
(1992); Omni Art Gallery, BH (1992); Cultural Space Júlia Kubitschek,
BH (1992); Guignard House, Ouro Preto/MG, (1993); It presents the
Astrolábio installation in the Ouro Preto City Theater, Ouro Preto/MG
(1993); Debret Gallery, Paris (1994); Fernando Pedro Art Office, BH
(1994); São Paulo Cultural center, SP (1994); Alphonsus Guimarães
Foundation, Mariana/MG (1997); Quadrum Gallery, BH (1998); Marina
Potrich Gallery, Goiânia (1998); AM Gallery, BH (1998); Manoel Macedo
Art Gallery, BH (1999); Marília Rasuk Gallery, SP (2000); UFMG Cultural
Center, BH (2000); Ária Art Gallery, Recife, PE (2000); Horizonte
Gallery, SP (2004). He has works on the Palácio das Artes collection,
BH; MAP-BH; MAM-RJ and Itaú Cultural Institute, SP. A deposition-book,
Fernando Lucchesi, was published about the artist part of the collection
Circuit Atelier (Belo Horizonte: C/Arte Editor 1999) and the book
Fernando Lucchesi organized for Aracy Amaral (Belo Horizonte: C/Arte
Publishing company, 2000). Took part on the project Records of the
Brazilian - Art Lithographies Series 2000, organized by C/Arte Cultural
Projects (2000). Fernando Pacheco Fernando Corrêia Pacheco was born in Sao João Del Rei, MG, in 1949.
Painter and self-taught designer went to the Nucleus of Creative
Activities of Arlinda Corrêa Lima, in Belo Horizonte. He worked in the
Department of Plastic Arts of the Clóvis Salgado Foundation, BH, and
since 1996 is a of cultural and artistic events analyst for the Mineiro
Museum, BH. I, III National Hall of Plastic Arts of Itajubá, MG
(1979/81); II, IV and V Hall of the Culture State Council, BH
(1979/81/82); II Hall of Soccer, BH (1982); I Recife Art Hall (1982); II
Hall of Visual Arts of the Clóvis Salgado Foundation, BH (1985); I Hall
of Air Force Plastic Arts, BH (1985); I and III Biennial National of
Mystical Art of Governador Valadares, MG (1986-91). He also received the
"Award Criarte" The top ten Highlights of the Plastic Arts
Mineiras of 1987, offered by the Art Critics Association, Marchands and
Collectors in Belo Horizonte. In 1999 received the "Award Nascent
Purse" in the field of Plastic Arts offered by the Manoel Macedo
Gallery of Art in Belo Horizonte. And the "Special Master Award
", of the Faculty Estácio de Sá, BH, in 2003. Participated on the
I Hall University of Plastic Arts, National Institute of Plastic Arts,
Rio de Janeiro (1976); X Hall of Plastic Artsof Saint Lourenço, MG
(1976); Hall of Carnaval, Culture Palace, Rio de Janeiro (1976); I, II
and III Hall of Painting Nello Nuno, Palácio das Artes, BH and in the
University Federal of Viçosa, MG (1976/77/78); IV National Hall of
Plastic Arts of the Caixa Econômica of Goiânia (1977); IV National
Hall of Caixego, GO (1977); I Hall of Plastic Arts of the Cultural State
Council of Minas Gerais, Palácio das Artes, BH (1978); 9, 13, Janeiro,
15, 16, 17 and 18 National Hall of Art of Belo Horizonte, MAP
(1977/81/82/83 I, III, V and IX National Hall of Plastic Arts, Funarte,
Rio de Janeiro (1978/80/82/86 I, II and IV Hall of Soccer, Palácio das
Artes (1978/82/90); Carnaval Hall, Palácio das Artes, BH (1980); III
Hall of Plastic Arts of the Cultural State Council of Minas Gerais,
Palácio das Artes, BH and in Juiz de Fora, MG (1980); I and II Art-Boi:
National Hall of Montes Claros, Cultural Center Hermes de Paula, Montes
Claros and MAP, BH (1980-82); 37, 39 and 40 of Paraná Hall, Theater
Guaíra, Curitiba (1980/82/83); 34 and 36 Hall of Plastic Arts of
Pernambuco, Recife State Museum (1981-83); VIII Ribeirao Preto Art Hall,
House of the Culture, Ribeirao Preto, SP (1983); VI Hall of Plastic Arts
of the Cultural State Council of Minas Gerais , Palácio das Artes, BH
(1983); VII Art Hall of Franca, Municipal Gallery, SP (1983); I Hall of
Painting of Governador Valadares, MG, (1984); IV Brazilian Hall of Art,
Foundation Mokiti Okada, SP (1984); I and II National Hall of Plastic
Arts of Goiânia, GO (1984/85); I and II Hall of Visual Arts of the
Clóvis Salgado Foundation, BH (1984/85); II, III, IV and V Air Force
Hall Hall, MAP (1986/87/88/89 II National Hall of Art, Itajubá, MG
(1989). Flávio Tavares Flávio Roberto Tavares de Melo is painter and designer. Got in 1964,
the first painting prize in a joint exposition at the Federal University
of the Paraíba Law school and integrated the exposition Six Paraibanos
Artists (Ribeira Gallery, Olinda, 1965), received the orientation from
Raul Córdula Filho in the field of painting, still in 1965 at his home
town. He participated in XVI SNAM (1967). As indicated by Antonio Maia,
in 1967, the thematic of his works stuck with "popular figures of
the northeast religious environment". Lives in João Pessoa, and
recently, presented his works, with ceramist and designer Miguel Domingo
dos Santos, at the Celina Gallery (GB, 1969). Holmes Neves Holmes de Magalhães Neves was born in Lima Duarte, MG, 1925.
Painter, drawer and engraver. Studied with Guignard, Misabel Pedrosa and
Edith Bhering at the Guignard School in Belo Horizonte. Awarded at the
II, VI and VII SMBA, BH (1946/50/51); III SAP at the Belo Horizonte
University festival (1954); SNBA, RJ (1973-74), Afro-Brasilian Hall
(1978). Participated at X, XII and XV SNAM (1961/63/66), I National
Plastic Art Biennial, Salvador (1966); I Ouro Preto Hall, MG (1967).
Participated at the following Joint Exibitions; Germini Gallery, RJ
(1958); Macrô Gallery, BH (1963); Vila Rica Gallery, RJ (1965); USA
Embassy, RJ (1958); G4 Gallery, RJ (1967); I Art Fair at AIAP, MAM - RJ
(1968); Petite Gallery, RJ (1968); Seta Gallery, SP (1974); Picasso
Gallery, Recife (1975); The artist saw by the artist, Atelier Gallery,
RJ (1975); Brasil Art and Turism, Plaza Hotel, RJ (1968); Brasil Art and
Turism, New York (1980); Dresdner Bank Gallery, hannover and Colonia,
Germany (1980); Brazilian Consulate, Berlin (1980); Hotel Gallery,
Hannover (1980); Roberto Alves Gallery, RJ (1980); Renoir Gallery,
Buenos Aires, (1981); The Convention Center, Punta del Este, Uruguay
(1981); Tutelar Finacial, Províncias de Mendoza and Rosário, Argentina
(1982); Art by 9 ways, Socius Cultural Center, RJ (1985); Celebration of
the 413th anniversary of Niterói, RJ; Communication's Ministry,
Brasília (1987); Liberal Art Gallery, RJ (1987); The Modernity
Consolidation at Belo Horizonte, MAP, BH (1996). Did the following
individuals: Litta Gallery, Milan, Italy; Renoir Gallery, Buenos Aires;
Americans Sun's Door, La Paz; Guignard Gallery; Cultural and Artistic
Society, RJ; ICBEU Gallery, Santos, SP; UFES Art and Research Gallery,
Vitória; Largo do Comendador Gallery, Curitiba; Toulouse Gallery, RJ;
43 Space Art Gallery, RJ. Igor Christoff Born in Montes Claros/MG at May 4th 1959, Igor Christoff, since his
childhood, by living with his father, the great Bulgarian painter
Konstantin Christoff, felt a great affinity with art. In the words of
the architect Viviane Marques "(…) His great work is presented to
us by a logic in the composition of space, that makes between the swing
of forms hiper-realistic and mathematical structures. It s an
spontaneous art, serene, almost touchable, where the contrast of images
is induced at the flat surface among figurative macros and Euclidian
dispositions. They are compositions where the concept of space vibrates
between the symbolic and physical escape at the flat surface. Changing
between immobility and movement, the forms treat the figures with
expressivity and the trace with subjectivity. His work characterize
itself by complementary poles in simple arrangements that in the
perspective impact induce the spectator to wander between the
imagination and reason (…)." Inimá de Paula The artist began his art studies with the Núcleo Antônio Parreiras,
in Juiz de Fora, between 1938 and 1940. He then moved to Rio de Janeiro,
where he worked retouching photographs and attended drawing classes at
the School of Arts and Crafts for two months. He became close to the
ex-members of the Núcleo Bernadelli, especially Yoshia Takaoka, with
whom he would join on painting excursions to the Santa Tereza
neighborhood. He moved to Fortaleza in 1944 and, along with other
artists including Antonio Bandeira and Aldemir Martins, participated in
the arts-revival movement in Ceará. He returned to Rio in the following
year and began teaching. He took part in several collective shows and
held his first solo exhibition at the Brazilian Institute of Architects.
He won the foreign travel prize at the Salão Nacional de Belas Artes in
1952 and went to Paris, where he frequented the Académie de La Grande
Chaumière and the studio of André Lothe. On returning to Brazil in
1956, he helped Portinari execute his Tiradentes panel, subsequently
moving to Belo Horizonte where he taught painting at the Escola
Guignard. His work was shown at the 1st and 5th editions of the Bienal
Internacional de São Paulo and, more recently (in 1983), in the
exhibition Panorama da Arte Atual Brasileira, at the São Paulo Museum
of Modern Art. Inos Corradin Earliest art studies in Italy. He moved to Brazil in 1950 and settled in Jundiaí. He has since developed a national and international career in art. "Right away, Inos Corradin forces us to confront strange colors, fine materials that seem to absorb those undefined colors, a support to all colors, like the squeezed and boiled juice of the solar system, throbbing and soft as a living organism. Spellbound by color, we flutter between a roguish game of stylization and a metaphysical space where form is distributed with the details of a fantastic toy. Humam figures take the shape of puppets to disguise the blunders and awe of contemporary men behind a sparkle of humor. The lyric content of his painting increases in direct proportion to its own constructive approach, to the geometric filter through which forms are screened to turn wha we see into a luminous equation. With background and disguise reminiscent of the playful tones of Commedia Dell'Arte, Inos Corradin's art includes ex-votos. Brazilian landscapes and men, all elements depicted in a very personal idiom." (W.A.) Isaura Pena Isaura Caporali Pena was born in Belo Horizonte, in 1958. Plastic
artist graduated drawing for the UFMG School of Arts in Belo Horizonte.
She had lithography courses with Lotus Wolf and attended the
Experimental Core, directed by Amilcar de Castro. In 1978 established,
in Belo Horizonte, with Ana Horta, Andréia Guimarães, Beth Cavalcanti
and Wanda Sgarbi, the Yard Art Little Scholl, where, from 1978 to 1982,
gave lessons for small children. In 1984, she found with Andréia
Guimarães in Belo Horizonte, the Little art Scholl of the Brazilian
Architects Institute (IAB), and, in 1990, became a Drawing teacher at
the Free Course of Plastic Arts of the Guignard School. With Andréa
Guimarães, Eduardo Motta and Patrícia Leite, creates the Risk and
Scribble atelier of plastic arts, and with Robert Guimarães, Marcos
Coelho Benjamim, Getúlio Moreira and Patrícia Leite, established the
Bonfim Atelier. She received awards in II the Bahia Hall, Salvador
(1989); XLV Paranaense Hall, Curitiba (1988); XIX National Hall of
Plastic Arts of Belo Horizonte, MAP (1988); Award Competition Fiat, BH
(1988). Participated on V Nello Nuno Hall of engraving, Palácio das
Artes, BH (1979); Hall of the Culture Coordination, Palácio das Artes
(1981); IV and VIII National Hall of Plastic Arts, MAM-RJ (1981/85);
Hall Ways of the Brazilian Drawing, Museum of Art of Rio Grande do Sul
(1986); X National Hall of Art, Funarte, RIO DE JANEIRO (1988); XLV
Paranaense Hall, MAC-Paraná, Curitiba (1988); II Bahia, Solar do Unhão
Hall, Salvador (1989). Isaura Pena have her work in the collection of
the following museums and institutions: Pampulha Museum of Art in Belo
Horizonte, National Art Museum and Modern Art Museum in Rio de Janeiro,
Rio Grande do Sul Art Museum in Porto Alegre, Contemporary Art Museum in
Curitiba, Cultural Center Cândido Mendes in Rio and Federal University
of Minas Gerais in Belo Horizonte. Jarbas Juarez Born in Coqueiral, MG, 1936. Designer, sculptor, painter, engraver
and illustrator. He graduated in arts for the Guignard School, BH,
having made the course of lithography with João Quaglia, xiloengraver
with Misabel Pedrosa and a specialization in plastic arts in the UFMG,
BH. He did journalistic activities as illustrator and graphic editor fot
the Alterosa magazine. He collaborated with illustrations for the Minas
Gerais Literary Supplement and some youth publishing companies. Was one
of the most audacious artists of new vanguard in Belo Horizonte in the
60's. Was a drawing professor at the EBA/UFMG and currently a professor
at the Guignard School. Received several awards: the first prize in the
XIII and XIX SMBA, MAP, BH (1958-64); XII, XVII and XXIII SMBA,
(1957/62/68); XXI Paranaense Hall (1964); Hall of Ouro Preto, MG (1966);
I and III SNAPBH, MAP (1969-71). participated in the Halls: XIV, XV,
XVI, XXI SMBA, BH (1959/60/61/66); III Hall of Art of Penápolis, SP
(1962); XXII, XXVIII, XXXVI, XXXVII, XLII Paranaense Hall of Art,
Curitiba (1965/72/79/85); II Hall of Modern Art of the Federal District,
Brasilia (1965); I and II Bahia Biennial, Salvador (1966-68); IX and
XIII BISP (1967-75); IV National Hall of the French Culture, Deans
office of the UFMG (1970); XVII SNAPBH, MAP (1986); I, II, III, IV, VIII
Global Hall of Winter, Palácio das Artes BH (1973/74/75/76/81);
National Biennial, Biennial Foundation São Paulo (1974); I Hall of
Soccer, Palácio das Artes (1978); I, III, IV, V SNAP, Funarte, RJ
(1978/81/82/83); XXVIème Salon des Arts, Cholet, France (1995). It
exposed in several important joint expositions in Brazil and abroad. João Câmara Filho In 1955 he moved to Recife where he began to study art and
psichology. He started o write art reviews for Recife newspapers in the
early '60s and recently joined the Brazilian Association of Art Critics.
Clarival do Prado Valladares, one of his main exegetes, wrote:
"João Câmara Filho, born in 1944, became an established painter
and etcher after he had moved to Recife, where ha was awarded his first
prizes for engraving and painting at the 1962 and 1964 Pernambuco
Painting Exhibitions. (...) He made an impact from the very start on
Brazilian painting. Throughout the '60s he created a continually renewed
idiom of stylistic individuality. Many identify in him the 'nouvelle
figuration' of the '60s, a historical revision of Bacon, Dubuffet and
Pignon, among others. (...) His works in the seventies are surprisingly
new and innovative in subject as well as technically rich in materials
and techniques employed. He totally removes a certain crudeness from
both subjects and treatment, to delve into smooth-texture painting in
colorings and shades. Such techniques bring new modulations and greater
intimacy with the subjects. He takes up the challenge of political
chronicle, of nearly contemporary history, he plays with archtypes while
dissecting them. He plays with the modelled figure itself to either
duplicate it as a nightmare or to justify its monstrosity. (...)" He settled in Rio de Janeiro in 1947. Two years later, he enrolled at
the National School of Fine Arts and joined the Brazilian Drawing
Association in 1950. He took painting lessons from Ado Malagoli. His
engraving studies began under Mário Cravo and developed in Rio with
Darel Valença Lins. In 1958 he won he Overseas Travel Award at the
National Modern Art Exibition, and subsequently joined the Boj Studio in
Madrid. Rubem Braga has discussed the materials and colors of his
painting: "The important thing in his skillfully constructed
pictures is what older critics tried to express by rubbing together
their thumbs and forefingers as if referring to money. No other
contemporary Brazilian painter knows better than him how to blend colos
and shades patiently and wisely. The total outcome is dark but in some
spots discreet inner lights seem to shine and signal heartbeats and
life. He is a top-rate painter for those who still love and respect oil
on canvas- an old but, I hope, still relevant technique in these
free-for-all days". Jorge dos Anjos He was born in Ouro Preto, MG, 1956. Drawer , painter and sculptor.
He studied in the FAOP, with Amilcar de Castro, Anna Amélia and Nello
Nuno. Was awarded in the 5th Week of the Art of Divinópolis (1974); in
1º Hall of Painting "Nello Nuno", Palácio das Artes, BH
(1976); Hall of Soccer, Palácio das Artes (1978); XIV, XVII and XIX
National Hall of Art of the City hall of Belo Horizonte, Museum of Art
of Pampulha (1982/85/87); IV Hall of Arts of the Cultural State Council,
Palácio das Artes (1983); Hall of Art of Governador Valadares, Palace
of the Culture (1984) and IX National Hall of Arte-Sudeste, Palácio das
Artes (1986). Participated on important joint shows in Brazil and
abroad. In Fortaleza it had the sculpture Urban Way, located in the
Maestro Lisboa Avenue, road of the Beach Park and in Belo Horizonte the
sculpture Monument Zombie Freedom and Resistance, located in the centre
of the Av. Brazil. He also did public works for the following buildings
and sites: Capri building; Officenter building; OMNI Center Building,
Bahia Mall, Santo Agostinho Theater, Center of the Pasteur Avenue, in
Belo Horizonte. He published in 1988 in partnership with Alvaro Andrade
Garcia a book of drawings and poems intitled Visagens and, in 2002, the
book Notebook of Skin and Fur with Guiomar de Grammont and Guillerme
Mansur. Jorge Leite Currently is dedicating to sculpture. Formation: - Extension in the School of Arts of UFMG, Belo Horizonte, MG, 1980; Course of Lithography in Guignard School, Belo Horizonte, MG; - Winter Festival in Diamantina, MG, 1984; - Extension of Drawing in the College of Ouro Preto MG, 1984; - Orientation in Sculpture in marble in the Atelier of Francisco Stockinger, Porto Alegre, RS, 1999/2000; Expositions: 1989 - House of Portugal, SP, 1º Award in Painting; 1993 - IV National Biennial in Santos, SP, selected artist; 2001 - Exposition of the Beneficent Auction to the Educational establishment Sao João Batista, Art Gallery of Porto Alegre, RS; 2001 - Exposition "Naked Chest" of invited artists in the Gallery Tina Zappoli, in the Moinhos Mall, Porto Alegre, RS; 2003 - Exposition "Humanities", Gallery Tina Zappoli, Porto Alegre, RS; 2005 - Exposition "The Meeting", Gallery Tina Zappoli, Porto Alegre, RS. He is also represented in many particular collections in Rio De Janeiro, Brasilia and United States. In the last few years came back to live in Belo Horizonte, where develops his distinguished work in the art circuit. José Antônio da Silva José Antônio da Silva was an agricultural laborer in the interior
of the state of São Paulo. He moved to São José do Rio Preto in 1931,
where he found employment as a hotel worker, waiter and night watchman.
A self-taught painter, he showed his work for the first time in 1946,
when he was discovered by Lourival Gomes Machado, Paulo Mendes de
Almeida and João Cruz Costa. His first solo exhibitions were in 1948
and 1949 at the Domus Gallery in São Paulo. He was excluded from the IV
Bienal Internacional de São Paulo in 1956, whereupon he painted a
series of canvases depicting the hanging of the jury in protest. He also
devoted himself to literature and music. The José Antônio da Silva
Municipal Museum of Primitive Art was founded in São José do Rio Preto
in 1980. Da Silva's work was shown several times at the Bienal
Internacional de São Paulo, the Biennale di Venezia and the Salão
Paulista de Arte Moderna, in addition to the I Bienal Nacional de Artes
Plásticas (Salvador, 1966), the Biennial of Japan (1984) and the Mostra
do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000). He has also
had retrospectives and exhibitions outside Brazil. Juarez Machado He started working in art in Curitiba, Paraná, in the early '60s. At
the time he produced drawings for Diário do Paraná and stage sets for
TV Paraná, as an embryo of the work he was to develop later. He moved
to Rio de Janeiro in 1966 after some expirience as a comedian (stage and
TV). In Rio de Janeiro his work picked up tempo and grew into some of
the best examples of humor drawing and its variations as a snappy
communication medium. Jayme Maurício has this to say about it:
"With his amazing technical skills, the dimensions of
drawing-line-dot-color and his vivid imagination for objects and
situations tottaly out of the ordinary- as a trigger of laughter- the
nervous punch of humor caused by the unexpected, Juarez moves freely
between physical things and their "aura", hypnosis and dream:
metaphysics- ta meta ta phusika, more Egyptian than Greek". As to
his paintings, Michelle Bourjea discusses the artist's concerns and
their translation into his personal technique: "Juarez Machado's
career in art has been a history of continuing development and the
current show is the logical result of a long maturation process. As
draftsman he first worked on flat surfaces. An interplay of lines and
form. Like a good craftsman but not yet an artist. Then he felt the need
to leave his own imprint, to make his own interpretation, to uncover the
reverse of his drawings. "One day I realized I did not convey much
in my drawings, that inside me there was something very powerful that
just would not come out. Humor was my revelation. Thanks to it I have
managed to show reality from a different angle and to let myself
go". So humor-filled drawings have let Juarez Machado give a
different meaning to things, another dimension. His silent drawings
began to talk. Later, both drawing and humor in turn became constrained.
Despite the perspective, his drawings were flat and slim. "I moved
to oils because I felt the need for a new dimension. There is a
technique in which a third dimension can be created. You use a play of
shadow and light to produce a physicological context. And you can work
on the texture". Evidently this third dimension is symbolic of
growth, it is the outcome of his waiting to outdo himself. On his '80s
output Juarez says: "I have painted things that are around me:
objects that live in my house and studio. As I interacted with them day
to day, they also started to people my dreams. We became alike. As I
manipulate them I play with spaces and with time, That is what I like,
and I have to paint it". Julio Hübner Julio Passos de Faria, did courses in free Ateliers at the same time
that attended the Plastic Arts Course at the Ghignard School and Social
Communications at PUC-MG, where graduated, went to USA to take a
Marketing course, but what was in his soul was the eternal Anxiety to
put on his screens all his feelings searching all his energy and life.
For that at the first semester of 2002, begins the Art major at UFMG,
becoming a bachelor in plastic arts, with painting abilities in August
2006. In August 2002 receive the Artistic Merit Award by the Art,
Culture and History Brazilian Academy - Sao Paulo. At the turn of the
millennium, the artist gives up signing his work as Julio Passos and
begins to sign as Julio Hübner. His last expositions were in July 2006
at the Z&Z Art Gallery in Camburiú Resort - SC; in April 2001 at
the Beatriz Telles Ferreira Art Gallery - Florianópolis, both in Santa
Catarina. And in August 2000 at the Arko Art Gallery - Curitiba - PR. Kazuo Wakabayashi From 1947 to 1950 he studied painting and drawing with Konosuke
Tamura and attended the School of Fine Arts in Nokki He moved to Brazil
in 1961, settled in São Paulo and became a Brazilian citizen. After
some early surrealist figurative works, he turned to abstraction. He
added sheets of vinyl to his paints to resolve problems of relief. These
early rough reliefs evolved into what Jayme Maurício termed a softer
stage in a recent showing f the artist. Which does not invalidate his
experiments with a mixed technique to give moe body to the paint. Paulo
Mendes de Almeida wrote of the artist in the '70s: "hen akayashi
arrived in Brazil in 1961, he brought with him a number of serious
studies undetaken in Japan. He was a valuable addition to the group of
Nipo-Brazilian artists that have contributed so much to our cultural
milieu. Although sill young ( he was less than thirty at the time),
Wakabayashi already demonstrated a solid professional drive and uncommon
talent. Shortly after his arrival he was already an active member of
that illustrious group which includes Mabe, Fukushima, Tomie Ohtake and
others, and soon began collecting awards in various exhibitions. His
painting is austere, with sober and deep tones, basically matte with an
occasional glaze. There is a singular charm in this severe, Franciscan
brush work. Later he worked with a more broken topography in ticker
surfaces, nearly a bas-relief in enamel of brilliant and very personal
colors emphasizing precisely outlined forms. The artist persists in this
language, but in later phases his previous abstraction has given way to
allegory. His palette portrays and transfigures categories already
existing in the real world or in the sedimented fantasy of generations.
And as ever, his persistence continues unabated: his qualities as
painter are exceptional." Kenji Fukuda Kenji Fukuda was born in 1943 in Indiana/SP. Under the orientation of
his father, the plastic artist Tamotsu Fukuda, in 1955, initiates in
painting. From that point on started to participate in several
expositions such as: 1963, Lins/SP, its First Individual one; 1988/1989,
Rio De Janeiro, Votre Gallery of Art; 1988, São Paulo, in the Renot Art
Dealer; 1991, Belo Horizonte/MG, in the Novotempo Gallery of Art, and in
São Paulo, the Multiple Gallery of Art; 1979, São Paulo, Show at Senac
in São Paulo, receives the Trophy "the Gladiador", as the
outstanding artist of the year; 1990, Florida/EUA, a show in the Art
Impressions Gallery Inc.Jupter; 2001, São Paulo, Art Today, In The
Arvani Art. His style always was leaning towards the Abstract: Tachismo,
therefore in the majority of his work we have the presence of
compositions with spots. Konstantin Christoff He and his family moved to Brazil when he was nine. They settled in
the Minas Gerais Northern town of Montes Claros and he graduated in
medicine from the Federal University of Minas Gerais. Back to his home
town, he set up a two-fold practice - ginecology and plastic surgery. A
self-taught artist, he had some brief meetings with Guignard. His early
career in the art was marked by the impact he felt before a Portinari
canvas shown at the first modern art exhibition in Belo Horizonte in
1944. He began to paint in Montes Claros under the urging of a popular
artist, Godofredo, the father of musician Beto Guedes. At the time his
interest was on comic strips and cartoons. The touch of humor, of biting
and funny criicism has persisted in his painting, in his often
unconventional shapshots. Figure are freely and lightly drawn and
reality in emphasized by an irreverent touch of fantasy. Luiz Costa Impregnated with the same wisdom and sensibility that inhabits the
soul of Milton Nacimento, absorbed the infinite constant truth of the
sung poetry by his countryman. "With the marshy clothes and the
soul filled with soil, all artist must go where the people is." It
is like this that our artist, from born in Minas and brasiliense by
heart, comes to the House of the People, the House of Representatives,
to display his work, his art, his craft. He came where the people is for
revealing his love to the art and the city that chose as his own,
Brasilia, celebrating his forty five anniversary. He came where the
people is to share the result of his arduous work. Of humble origin,
since early, has embraced art. Stubborn and faithful, never abandoned
it, despite the multiple obstacles on his path. He used it as
instrument, language to externalize, every moment, his great love for
this land, brasiliense land, that possessed and filled his soul. All the
sacrifices, the sweat on his face and body, that the soaked his clothes
during all the painter's life, had been shed in a worthy and admittedly
rewarding chore. Following the trajectory of Luiz, I perceive the wisdom
in the words of Monteiro Lobato: "the art is born of pain, like a
pearl". Luiz Coast arrives where the people is, at his house, with
the soaked clothes by sweat dedicated to art and with the soul filled by
this beloved land of Brasilia. His exposition in the Server of the House
of Representatives Space, entitled "Candangos", in the proper
pictorial language, and why not to say only, that turns his work in
unique, values the forms and the colors, salutes the pioneer, the first
residents, the workers of the gigantic constructions at the new capital,
their predecessors, as well as all the brasiliense community. His
Geometric Cartoon, inspired by modern forms and lines of Brasilia,
sometimes adult, sometimes child, boy or girl, represents and symbolizes
the society candanga; it is construction and reading of an artist,
enraptured over his city and its residents. This so simple and colored
figure gains life in the screens of Luiz Coast. Revealing feelings and
emotions; acting and reacting; waiting the bus at the bus stop or the
improvement of life; searching; playing; dreaming; loving; creating or
providing. These "candanguinhos" are repeated in the extension
of all his screens, like the ministries, residential blocks, the
"eixinhos", the wings of the city and all the sectors that
rest on them. As well as everything in Brasilia, the city of repetition,
of the equal. By the way, Luiz Coast intends to leave clearly, with the
aid of his pencil, traces and repetitions, his certainty of that we are
all equal, regardless of sex, race or social status, above all before
the law of the eternal Father. At the same time, appealing to his brush
and the force of the colors, exposes his rich diversity of character,
qualities and foults between the individuals. In the book "Luiz
Costa and the Color", about his life and work, thus express the
artist concerning the repetition: "... once again he will find his
heart, tum-tum-tum. The sun raises every day and sets every day... The
construction of life, of things, is based on repetition. The Creator
only got the multiplicity of things through repetition. In thesis your
mouth is the equal to mine. In thesis. And in the animal world, also.
Your hand is equal to mine. But the fingerprints... I, like a simple
mortal, why can't I be in repetition, to reach the multiplicity later?
". In the condition of humble appreciator and collector of works of
art, I see that the painting of Luiz Costa pleases observers of the most
diverse shades. The most uncompromise, that search in the cognitive
world only the denotative face of things, capture the brasilidade, the
tropicalism of its colors and themes, the apparent simplicity, cleanness
and a little primitivism, that transmits joy, a certain optimism and
good humour. Most reflective and persecuting of the connotation realise
on his work suggestive, witty and intelligent headings, critical of
social and political order, concern with family values, rescue of our
folklore, roots, history and culture. Delight me his colours, geometric
forms, his apparently naive and unpretentious painting, and, over all,
our "candanguinho", of all the ages, assuming a light air and
all its childish way in some screens, while it reaches the maturity in
others, as well as lives its creator, our Luiz Costa. "A great
artist is a great man in a great child", sentenced brilliantly
Victor Hugo in "Pile of Rocks ". Afrísio de Souza Vieira
Filho (Legislative Dir. of the House of Representatives). INDIVIDUALS:
1987- Itaú Bank, Goiânia (GO), São Paulo (SP) and Brasilia (DF);
Opening of the Ceilândia Cultural Center and Levante Center-West
Brasilia Cultural Foundation, Brasilia (DF); 1999- Opening of the
Supreme Federal Court Cultural Space and the La Turret Restaurant panel
of, Brasilia (DF); 2000- Carlton Hotel and 30 years UPIS, special guest,
Brasilia (DF); 2001- Santa Fé Gallery, Goiânia (GO) and Administration
of the South Lake, Brasilia (DF); 2002- IPHAN, Pirenópolis (GO) and
Anniversary of the South Lake in the Pontao, Brasilia (DF); 2003-
Launching of the book "Luiz Costa and the Color" Manhattan
Square, Panel Ed. America Office Tower and Cultural Space of the Federal
Chamber, Brasilia (DF); 2004- Project painting at the bus satation (DF). Manoel Santiago Santiago began to study drawing and painting in Belém de Pará at
the age of six. In 1918, now living in Rio de Janeiro, he frequented the
National Scool of Fine Arts, took private classes from Eliseu Visconti
and also studied law. He took part in several editions of the Salão
Nacional de Belas Artes, winning the foreign-travel prize in 1927. In
Paris, where he stayed between 1928 and 1932, he met Portinari and Di
Cavalcanti and exhibited at the Salon des Artistes Français, the Salon
d'Automne, the Salon Colonial des Artistes Français, the Salon des
Tuileries and the Salon d'Hiver. On returning to Brazil, he taught at
the foi Rio de Janeiro Institute of Fine Arts and joined the Bernardelli
Nucleus, where his students included Aldo Malagoli, José Pancetti and
Milton Dacosta. Among other exhibitions, he participated in the
Exposición Conmemorativa del IV Centenario de la Fundación de Santiago
de Chile (1941), the I Bienal Internacional de São Paulo (1951) and the
III Salão Nacional de Arte Moderna (Rio de Janeiro, 1954). In the year
of his death, the Toulouse Galeria de Arte, in Rio de Janeiro, mounted a
solo exhibition of his work. Marcello H. Cursos: Recicling Spaces - Santa Mônica College - Los Angeles,CA -
1992, Escultura - Meeba - Buenos Aires - ARG - 2000; Dibujo y
Observación - Centro Cultural Recoleta - Buenos Aires - ARG - 2000;
Reset the counter - Charles Watson - EAV Parque Lage - 2003;
Procedência e propriedade - Charles Watson - 2003; Coletivas: Holliday
in Córdoba - Córdoba, Buenos Aires - ARG - 2000; Ojos de Latinidade -
Centro Cultural de la ribeira - Buenos Aires - ARG - 2000;1º Salão de
Arte de Ouro Preto - Minas Gerais - 2001; Cores de Minas - Galeria
Crisálida Boerger - Belo Horizonte - Minas Gerais - 2002; Art Trade -
54 The Gallery - Londres - 2002; Aspectos da Arte Brasileira
Contemporânea - Atualidade Galeria de Arte - Rio de Janeiro - 2003;
Envólucro - Galeria Espaço Repercussivo - 2006; Individuais: Miradas
Portenãs - Centro Cultural de la Ribeira - Buenos Aires - ARG - 2000;
Entre Flores de Carne - Museu Imperial de Petrópolis - Petrópolis - RJ
- 2001; Entre Flores de Carne - Centro Cultural Pro Música - Juiz de
Fora - MG - 2001; 5º Circuito das artes do Jardim Botânico - Rio de
Janeiro - 2001; 6º Circuito das Artes do Jardim Botânico - Rio de
Janeiro - 2002; 10º Circuito das Artes do Jardim Botânico - Rio de
Janeiro - 2006. Marcelo Grassmann In 1939, Grassmann began to study casting, mechanics and notch in
wood in the Masculine Professional Institute of São Paulo. Initiated in
the xilo engravers and it carried through his first individual
exposition in 1946. In the following year, worked as an ilustrador in
the Literary Supplement of the Daily São Paulo. Living in Rio De
Janeiro, he came close to Oswaldo Goeldi, learned engraving in metal
with Henrique Oswald and lithography with Poty. In the year of 1952
worked with Mário Cravo Júnior, in Salvador. In 1953, he travelled to
Europe with the award gotten in the National Hall of Modern Art. In
1958, he received the Leirner Award Contemporary Art. Two years later he
was awarded in 1st Biennial of the Young of Paris. The set of his work
until then (385 xilo engravers, lithographies and engravings in metal)
was acquired by the government of São Paulo for the State collection,
in 1969. In 1978, his house in São Simão was transformed into a
museum. In that same year, the artist received the great award from the
São Paulo Association of Critics of Art. Present in several editions of
the Biennial International of São Paulo and the Biennial one of Venice,
the artist already exposed in many cities in Europe, Israel, India,
Japan and the United States. Márcio Schiaz Márcio Bueno de Souza is a painter and engraver. Sings M. Shiaz and Márcio Shciaz. INDIVIDUAL EXPOSITIONS 2004 - Steel Business Center - SP; 2003 - Santos Medical Association - Santos/SP; 2002 - C.C.B.E.U. Art Gallery - Santos/SP; 1999 - "Dreaming the Reality" Santa Catarina Cultural Center - SP/SP; 1999 - "Be Present" C.C.B.E.U. Art Gallery- Santos/SP; 1997 - São Paulo Business Center Celebration of the 20th Anniversary; 1996 - Ten years of Art - Brazil / United States Cultural Center Art Gallery - Ten Years of Painting - Rogério Perez Studio - Campinas/ SP; 1995 - O'Neils Space - SP; 1992 - Caixa Economica Cultural Center São Paulo - SP; 1990 - Araraquara Cultural House - SP 1989 - Banco do Brasil Cultural Center - SP Marco Túlio Resende Marco Túlio Resente was born in Belo Horizonte, 1950. Plastic artist
graduated by the Guignard School, BH, studied with Amílcar de Castro,
Sara Avila, Solange Botelho and Lothus Wolf. Has a Master degree for The
Chicago Art School Institute with the Fulbright Commission scholarship
(1975-79). Awarded in the Hall of the Christian Association of Young
men, BH (1971); Award of Drawing, IX, XI and XVII National Hall of Art
of Belo Horizonte (1977/80/87); Honor Mention, Fellowship Contest -
Chicago art School Institute, U.S.A. (1978); Award of Drawing in 3rd
show of Brazilian Drawing in Curitiba (1981); Award Foundation Clóvis
Salgado, promoted for the CEC-MG, BH (1984); Joint project a Mirror in
the Dark , awarded for the Fiat Automobiles (1987) and Award Trip to
Brazil in the X National Hall of the Funarte, RIO DE JANEIRO (1988). He
integrated important joint and individual shows in Brazil and abroad.
Has works in the collections of the MAN-RJ, MAN-SP, Museum of
Contemporary Art of Paraná, Pampulha Art Museum, BH and in the private
collections of Gilberto Chateaubriand and João Satamini. In 2000,
integrated the project Registers of the Brazilian Art Lithography's
Series 2000, organized by the C/Arte Cultural Projects. On the artist
the book-deposition Marco Túlio Resende was published of the collection
Circuit Atelier, C/Arte Publishing company, 2ª ed. 2005. Marcos Coelho Benjamim Brought up among the tools and woodwork of his father's framing shop,
Benjamim began his artistic life producing drawings and cartoons. The
collector Gilberto Chateaubriand bought around 60 of his drawings in
1972. The artist began producing his first sculpted objects in 1976, and
in the following year won the first prize at the International Cartoon
Exhibition in Athens. Returning to his hometown, he built toys in
recyclable and organic materials, traveling throughout the Jequitinhonha
River Valley in 1979 in the company of other artists. In the 1980s he
began to concentrate on producing objects and installations, and
co-authored the book entitled Conversa de Corpo ["Body Talk"]
in 1983 with Priscila Freire. He set up a studio with Patrícia Leite,
Humberto Guimarães and Isaura Pena and designed sets for the Grupo
Corpo dance company, creating objects of vast dimensions.
Mario Gruber Self-taught, Gruber took up painting at 16. In 1946, he studied under Nicola Rollo at the São Paulo School of Fine Arts and, after coming into contact with Mario Zanini and Bonadei, began to paint in public places. He worked with Di Cavalcanti in 1948 and studied engraving under Poty. With a study grant from the French government, he went to Paris in 1949, where he perfected his etching technique at the École des Beaux Arts. On his return to Brazil, in 1951, he helped found the Clube de Arte, in Santos, and taught engraving at the São Paulo Museum of Modern Art and FAAP University. In the 70s, he set up a painting and engraving workshop, where he was joined by Wesley Duke Lee and Frederico Nasser. His work was the subject of a short film, A Arte Fantástica de Mário Gruber, directed by Nelson Pereira dos Santos in 1982. Gruber also created panels for several buildings, including the library of the Memorial da América Latina, Guarulhos International Airport and Sé subway station, in São Paulo. His work has been shown in various solo and collective exhibitions, the latter including the IV Bienal Iberoamericana de Arte (Mexico City, 1984), the XVIII Bienal Internacional de São Paulo (1985) and Arte e Sociedade: Uma Relação Polêmica (Itaú Cultural, 2003). Mário Mariano Moisés Rosenbaum was intrumental in his 1971 debut at the Brazilian
Israeli Association of Belo Horizonte. Edmar Pereira has written about
his work: "He puts on canvas people who surround him. He records
his living expiriences, his perception of pain and joy, the warmth of
his contact with those people. And in so doing the comes through as a
highly sensitive artist concerned with given his rendition of the era in
which he lives. But this sensibility and the ability to feel the
universe around him would not suffice to shape an artist. Mário Mariano
goes farther: his prostitutes, his dinking buddies, his common people
come out on the canvas in strong, marked, earthy colors. And these are
used by someone who knows how to conscientously uilize the medium he has
turned to for communication. The clarity and power with which the artist
communicates with his public convey the power of his art: in creating
this personal universe, Mário Mariano has also created his own
affirmative ground. Rarely has an artist so young achieved such rapport
with his subject so fast." Maurino de Araújo Maurino de Araújo was born in Rio Casca, MG, 1949. Sculptor and
self-taught painter, former-working man, maid of mason, assistant of
balcony and accountant in work sites. He learned to work with clay with
the grandparents and received influences from the baroque in Sao João
Del Rei, pointing out the Christian hagiológio. He received following
awards: Award Brazilian Legion of Assistance; Highlight in the Arts,
promotion Diário Associados (1976); Best of the Year, in the field of
arts, promotion Diário Associados (1981). He participated of XV the
BISP (1979); V SAP of BH (1982); I Hall of Visual Arts of the Clóvis
Salgado Foundation, Palácio das Artes, BH (1984). He participated of
the following Joint expositions: Latin American Artists, Brussels
(1973); Popular artists, IV Party of the Brazilian Folklore, Gallery
Otto Cirne, BH (1976); II Festival of Art and Black and African Culture,
Lagos, Nigéria, (1977); MAM-SP (1981); Popular artists of Belo
Horizonte, Cultural Center UFMG, BH (1996). He carried through the
following individual ones: Art Book, BH (1974); ICBEU Gallery, BH
(1975); AMI Gallery of Art, BH (1977); State Public Library, BH (1980);
Palácio das Artes (1981); Bonino gallery, RIO DE JANEIRO (1983),
Cultural Center Bank of Brazil, Sao Paulo/SP(2005). He has some of his
work in the MAP, BH. Miguel Gontijo Miguel Gontijo is graduated in History and Postgraduate in Arts and
Contemporary Studies. He participated of diverse Joint expositions and
official halls, being awarded in many of them, such as: 1971 - Hall of
Art of Divinópolis - Mention of Honor- Divinópolis, MG; 1975 - XIII
National Hall of Art - Art Museum- Belo Horizonte, MG; 1976 - III
National Hall of Plastic Arts - Goiânia, GO; IX National Hall of Art -
(drawing collection) - Art Museum - Belo Horizonte, MG; IX National Hall
of Art - (drawings subject for the audio-appearance "O que o uso
fez do Costume" - Art Museums - Belo Horizonte, MG; III Hall Young
Artist - São Paulo - SP; 1977 - XXXIV Paranaense Hall - Auditorium
Bento G.da R. Neto - Curitiba, PR; I Hall of Art of the Cultural State
Council- Palácio das Artes - Belo Horizonte, MG - III Hall of Art and
Culture - Recife PE; 1978 - II National Hall of Arts - FUNARTE - Museum
of Modern Art - Rio De Janeiro, RIO DE JANEIRO; Hall of Art of the City
of São Paulo - Art Pass - SP; 1979 - Hall of Soccer - Palácio das
Artes - Belo Horizonte, MG; II Espirito Santo Hall - Victory - ES; 1980
- XI National Hall of Plastic Arts - Goiania - GO; III Hall of Plastic
Arts of Salvador - BA; 1988 - II Biennial of Mistic Art - (first Award)
- Governador Valadares, MG; He has works in many public entities in
Brazil and abroad. Made the following individual expositions: 1977 -
"O que o uso fez ao costume" - ICBEU - Belo Horizonte, MG;
1978 - "Ciclo do Ouro" and "Ciclo das Batinas" - Art
Museum - Belo Horizonte, MG; 1979 - "General Clinic" (The
Former-Vote) - ICBEU - Belo Horizonte, MG; 1980 - Drawings - Cultural
Foundation of the Federal District - Brasilia, DF; "Green
Ways" - Telemig Gallery of Art - Belo Horizonte, MG; 1981 -
"Coincident Manners" - Gallery Kuarup - Belo Horizonte, MG;
"Drawings and Watercolors" - Georgia University Art; 2000 -
"Profane Writtings" - Gallery Agnus Dei - Belo Horizonte MG;
"Pathetic: Sayings of the end of the century "- Prodenge
Cultural Space- Belo Horizonte; 2004 - "The Stone of the
Melancholy" - Mineiro Museum (B.Hte.), Museum House Alphonsus de
Guimarães (Mariana); Royal Credit Museum (Juiz De Fora); House Guignard
Museum (Ouro Preto); House Guimarães Rosa Museum (Cordisburgo); 2005 -
"Armarinho Sao Miguel - CEMIG Gallery - Belo Horizonte, MG; 2006 -
"Armarinho Sao Miguel" (Objects) _ Cultural Center of the
Caixa Econômica Federal Arcs Gallery - Salvador, BA. Prominence of the
Year in Plastic Arts, in 1977, 1978 and 2000 in specialized columns. Has
many texts and articles edited in catalogues, magazines, periodicals and
books. In 2004 published the book "Profane Writtings" and in
2005 the book was published in Portugal along with the plastic
exposition with the same heading. He also was a professor of History in
the public and particular education. Milton Dacosta Milton Dacosta began to study drawing and painting in 1929 under the
German August Hantv. The following year, he enrolled in Marques
Júnior's open course at the National School for Fine Arts, which was
closed down by the revolutionary movement of 1930. With Edson Motta,
Bustamante Sá and Ado Malagoli, among others, he helped found the
Bernardelli Nucleus. He held his first solo exhibition in 1936 and in
that year was awarded an honorable mention in the Salão Nacional de
Belas Artes. He won the overseas travel prize in 1944, and went to New
York, where he studied in the Artists' League of America. He attended
the Académie de La Grande Chaumière in Paris in 1946, where Cícero
Dias introduced him to Picasso, and where he visited the studios of
Braque and Rouault. He remained in Europe from 1952 to 1954. In the
1960s he produced a series of images of the goddess Venus, which became
a constant reference point in his work. Monica Barki Lives and works in Petropolis, Rio de Janeiro, Brazil. Studies:
1970/1976 Art Research Centre - Ivan Serpa and Bruno Tausz, Rio de
Janeiro; 1980 Degree in Visual ; Communication and Teacher`s Training
Course in Graphic Arts, Pontifical Catholic University (PUC), Rio de
Janeiro; 1980/1982/1986 Parque Lage Visual Arts School, Rio de Janeiro;
Selected Individual Exhibitions: 2006 Ana C. and other stories, Anna
Maria Niemeyer Gallery, Rio de Janeiro; 2005 Rolls of Printed Paper,
Paraná Metropolitan Art Museum, Curitiba; 2004 Hoardings, Sérgio Porto
Cultural Centre, Rio de Janeiro; 2003 Engraving Friends, Chácara do
Céu Museum, Rio de Janeiro; Ana C., Ibeu Art Gallery , Rio de Janeiro;
In the Palm of her Hand, Nacional Museum of Fine Arts, Rio de Janeiro;
2000 Collarobjeto, Recoleta Cultural Centre, Buenos Aires, Argentina;
Paço Imperial , Rio de Janeiro; Anna Maria Niemeyer Gallery, Rio de
Janeiro; 1999 Painting&Box-object, Contemporary Art Museum of
Paraná, Curitiba; 1996 Painting&Box-object, Museum of Modern Art,
Bahia, Salvador; 1992 Paintings, Banco do Brasil Cultural Centre, Rio de
Janeiro; 1982 Family Album, lithographies, César Aché Gallery, Rio de
Janeiro; Prizes: 1981 Acquisition, 38o Salão Paranaense, Museum of
Contemporary Art, Curitiba; 1981 Acquisition, IV Paraná Annual
Exhibition of Engraving, Curitiba; 1977 Acquisition, IX Nacional
Exhibition of Belo Horizonte, Pampulha Art Museum; Newton Rezende A self-taught painter, draftsman and sculptor, he learned from observing the work of Candido Portinari and the artists of the Santa Helena Group, particularly Rebolo, Clóvis Graciano and Mário Zanini. He worked in advertising for many years, but dedicated himself to painting as of the latter half of the 1930s. In 1948, he moved to Rio de Janeiro and held his first solo exhibition at the Brazilian Institute of Architects. He took part in the Salão Nacional de Arte Moderna in 1954 and 1958 and received an honorable mention at the International Advertising Awards in Miami, in 1962. For many years, he was president of the Brazilian Art Directors' Club, finally abandoning advertising in 1968. His work has been shown at exhibitions in various Brazilian cities and also in Japan. Nívea Bracher Born in Belo Horizonte. Starts to paint in the late 50's, attending
to the Antonio Pereira Society of Art in Juiz de Fora. Moves to Belo
Horizonte in 1965, participating on the Workshop Group with Lótus Wolf,
Klara Kaiser, Roberto Vieira, Paulo Laender and Lúcio Weick. Moves back
to Juiz de Fora, and found the establishes the Celina Art Gallery, with
Fani, Décio and Carlos Bracher. In 1969 travels to Paris as scholarship
holder of the French government. In 1971 goes on a study trip in New
York and Canada. Since the 80's actuated actively in preservation
campaigns for the Juiz de Fora historical site, and took part the First
Technique Commission for the Cultural City Preservation (CTPC).
Participated on several halls, such as the National Hall of Arts in Rio
De Janeiro, the Global Winter Hall in Belo Horizonte, and in expositions
such as: "A Paisagem Mineira", in 1977, at Palácio das Artes
in Belo Horizonte. She got several awards. Participated on eight art
books and dictionaries. She has some work on the Gilbert Chateaubriand
collection. Orlando Teruz He studied at the National School of Fine Arts under Rodolfo
Chambelland and Batista da Costa. Together with Lúcio Costa and
Portinari he started the National Modern Art Exhibition. Roberto Pontual
wrote of his role in the history of contemporary Brazilian art: "Of
the same generation of artists who started and disseminated Brazilian
modernism at its most radical in the '20s, Orlando Teruz always chose to
stay away from groups. In his career of over 50 years, the basic
characteristic of his work was transition from traditional foundations
to emerging new tendencies which opened up the modernist movement. In
this vein and in his determinedly figurative approach he was similar o
Portinari, in that he also and above all concerned himself with
consolidating his training under the still neoclassic discipline of the
National School of Fine Arts in Rio de Janeiro. This is perhaps the
basis of the respect for tradition which has constantly permeated the
work of Teruz, even when it becoms obvious that attempts to absorb
certain directions in the development oh 20th century art. This does not
mean that he is deliberately disinterested in modernity; on the
contrary, together with Portinari and Lúcio Costa he fought for a
Modern Section at the academic National Fine Arts Exhibition, and also
was attracted from earlist times to the theme so dear to the modernists:
a day-to-day Brazilian quality in clearly Brazilian scenes and figures.
As early as the beginning of the '30s, he painteed a series focusing on
the Rio de Janeiro slums, blending the typical concern of the period
with social problems and a certain lyricism of introspective vision, a
nostalgia for childhood. But what truly defines the work and personality
of Orlando Teruz is that both are situated at an intemediate level
between old and new, rules and revolution, following a cautious path
without significant contradictions or instability. An example is the
inclusion in his works of expressionist or surrealist atmospheres
subjected to the normalizing effect f everyday themes, always presented
in attenuated and somber tones of reduced contrast: children at simple
games, slum landscapes and modest homes, signs of poverty, horses
between dream and reality, circus handbills, people diluted in air and
in the involving motion of things." In 1937 Teruz received the
Overseas Travel Award at the National Fine Arts Exhibition. He was in
the first two São Paul Biennials and several international exhibitions.
His painting subjects oscillate between a recording of common people and
circumstances and a climate of fantasy expressed mainly in his use of
color and light. Cock fights, parties, dance, rearing horses, figures in
which one notes the remote influence of Cubism, the same that determined
the deformations in the figures of Portinari and Di Cavalcanti, appear
frequently in Teruz' vast body of work. Oswaldo Goeldi After living in Belém do Pará, Goeldi moved to Switzerland when he
was six. He attended the Zurich Polytechnical School and then enrolled
at Geneva's École des Arts et Métiers in 1917. That same year, he
exhibited works at the Wyss Gallery in Berne, where he saw the work of
Alfred Kubin and attended the studios of Serge Pahnke and Henri Van
Muyden. He settled in Rio de Janeiro in 1919. Two years later he held
his first solo exhibition at the School of Arts and Crafts. Goeldi began
woodcutting in 1923. His outstanding woodcuts include those for Cobra
Norato by Raul Bopp, and the works of Dostoevsky, in addition to
countless cityscapes, fishermen and drawings of common people. He taught
the technique of woodcut at the National School of Fine Arts in 1955.
The Banco do Brasil Cultural Center held a major commemorative
exhibition in honor of his centenary in 1995. Reynaldo Fonseca Transferred to Rio de Janeiro in 1944, became Portinari student and
back from a trip to Europe, in 1949, again living in Rio de Janeiro,
studied with Henrique Oswald, at the Liceu Art and Crafts, the engraver
technique, finishing to return to Recife and study Live Modelling, what
explains the excellent technique and the composer rigor, marked
characteristics at all his work. Expose with success since 1958 (Recife)
and since 1969 (Rio de Janeiro), dividing his artistic activities in two
centers. Trough his work one can see his continuous attempt to follow
the inspiration of the great primitive painters where a great creative
blow. In order to get the mysterious and nostalgic atmosphere that I
intend to give to my paintings, I use frequently, as a subject, old
pictures and drawings. Technically I start from the old (because I find
in it the necessary elements to what I want to express), intending to
give a personal construction, therefore updated. Ricardo Ferrari Self-taught, did many important individual and Joint expositions, to
know: Natal; JOINT, Guignard Gallery, 1979, BH; JOINT, Palácio das
Artes, " Guignard's Night " 1981, BH; INDIVIDUAL, MinasTenis
Club, 1981, BH; JOINT, Palácio das Artes, in celebration to the of
Picasso's 100 years; 1982; BH; JOINT, House of the journalists, 1982,
BH; JOINT, Art School Passaredo, 1982, BH; JOINT, Usiminas, 1982; BH;
JOINT, La Taberna Gallery, 1982; BH; INDIVIDUAL, DAE (Department of
Waters and Sewers of Minas Gerais), 1983, BH; JOINT, Library Paulo
Campos Guimarães , 1983, BH; JOINT, Offycio Art Gallery, 1983; BH;
JOINT, Gallery ICBEU, 1983; BH; Natal; JOINT ATELIER, 1983, BH; CLÓVIS
SALGADO FOUDATION EXPOSITION, Palácio das Artes, 1984, BH; JOINT, Point
of Art Gallery, 1984, BH; INDIVIDUAL, Gallery Espaço, 1985, BH;
INDIVIDUAL, Point of Art Gallery, 1985, BH; JOINT, Palácio das Artes
"A Party for Matraga" 1986, BH; JOINT, Cultural Center of the
Sao Paulo's government 1987, SP; JOINT, Gallery Manoel Macedo, 1991, BH;
INDIVIDUAL, ITAU Gallery, 1993, Penápolis, SP; INDIVIDUAL, PIC Gallery,
1993, BH; INDIVIDUAL, Seabra Gallery, 1993, Cons. Lafaiete, MG;
INDIVIDUAL, PIC Gallery, 1996, BH; JOINT, Bar nº 1 Gallery, 1998,
Portugal; INDIVIDUAL, Seabra Gallery, 2001, Cons. Lafaiete, MG; JOINT,
Terra de Minas Gallery, 2002, BH; JOINT, Regard Gallery, 2003, BH;
Participated in the following Halls: II Hall of Plastic Arts of the
Cultural State Council of Minas Gerais, 1979, BH; I Carnaval Hall, 1980,
BH; Award Cultural Coordination of Minas Gerais; III Hall of Plastic
Arts of the Cultural State Concil of Minas Gerais, 1980, BH; XIII
National Hall of Arts of Belo Horizonte's City hall, 1980, BH; V Hall of
Plastic Arts of the Cultural State Concil of Minas Gerais, 1982, BH;
Award MBR (Congregated Brazilian Mining) II Hall of Soccer, 1982, BH;
Award FMB XIV National Hall of Arts of the Belo Horizonte´s City hall,
1982, BH; Award Cultural Coordination of Minas Gerais; VI Hall of
Plastic Arts of the Cultural State Council of Minas Gerais, 1983, BH;
Award Cultural State Council of Minas Gerais; I Hall of Visual Arts,
Palácio das Artes, 1984, BH;I Air Force Hall, 1985, BH; 1º place -
Award Alberto Santos Dumont; IX National Hall of Plastic Arts, FUNARTE -
SOUTHEASTERN, 1986, BH; III Air Force Hall, BH; XIX Award National Hall
of Arts of the Belo Horizonte's City hall, 1987, BH; IV Hall of Soccer,
1990, BH; IV Air Force Hall, 1990, BH. Ricardo Schittini Duarte Born in 1955 in Rio de Janeiro/RJ Ricardo Schittini Duarte lives in
Brasilia since 1991. He also lived in Barra Mansa-RJ (the native city of
the great artist Flávio Tavares), Goiânia and São Paulo. He graduated
in civil engineering. Writes poetries since he's 13 years old and in the
end of the 90's started to paint, being the author of the great panel on
the front of the Convention Center Ulysses Guimaraes located in the
Brasília/DF's Monumental Axle. In the words of marchand Errol Flynn
"(...), moves me to see him appreciate, feel, discover, see things
that only great artists can see, not with the eyes, but with the soul.
With distinguished sensitivity, vast knowledge of art, respectable and
worthy history and with the discoveries that he made in last the 16
years, painting and drawing at dawns of long insomnias, if he had
dedicated exclusively and integrally to art, would be today, certainly,
so or even more important in the artistic world as it is in the world of
suits and ties." Roberto Burle Marx Renowned as a landscape architect, Roberto Burle Marx was also a
painter, draftsman, tapestry-weaver, potter, sculptor and researcher.
After growing up in Rio de Janeiro, he spent 1928 and 1929 in Germany,
where he frequented the studio of Degner Klemn. He was also a regular
visitor to the Botanical Gardens in Berlin, where he began to appreciate
Brazilian flora. Between 1930 and 1934 he studied painting and
architecture at the National School of Fine Arts in Rio. In 1932, he
undertook his first landscape project for a house designed by Gregori
Warchavchik and Lucio Costa. He lived in Recife between 1934 and 1937,
where he was director of the city's parks and gardens. Returning to Rio,
he studied under Portinari and Mário de Andrade and held his first solo
exhibition of paintings in the city's Palace Hotel. From 1955 on, Burle
Marx dedicated himself to landscape gardening. His drawings and
paintings have been exhibited abroad and shown on various occasions at
the Salão Nacional de Belas Artes, the Biennale di Venezia and the
Bienal Internacional de São Paulo. Roberto Magalhães Self-taught , Magalhães started drawing for his uncle's graphic. In
1962 he started to go to the National Art School and carried through his
first individual exposition, in the Macunaíma Gallery. He exposed in
the National Hall of Modern Art, in the Biennial one of Paris and
participated on the 65 Opinion show and Opinion 66, in the MAM/RJ. He
travelled through Europe in 1967 and 1968. Returned to Rio De Janeiro,
in 1969, dedicated himself to Buddhism and meditation, participating on
the creation of the Buddhist Meditation Center of Brazil, where he lived
for four years. In this period he abandoned the career. Taught in the
Museum of Modern Art of Rio De Janeiro since 1978. With the retaken of
the artistic activity, carried through innumerable individual
expositions and participated on several editions of the Biennial
International of São Paulo and shows such as Tradition and Rupture -
Synthesis of Brazilian Art and Culture (Biennial Foundation of São
Paulo, 1984), Biennial Brazil Century XX (São Paulo, 1994), Brazil
Mirror Biennial (MAC/Niterói, 1998) and Inquiry: The Brazilian
Engraving (Cultural Itaú, São Paulo, 2000). Roberto Magalhães
constructs on his work his own universe, inhabited by beings at the same
time absurd and ordinary that participate of a sort of fantastic
realism. Rosina Becker do Valle Self-taught, the artist began to paint as a child. At the end of the
1950s, she studied under Ivan Serpa, leader of the Frente Group, at the
Rio de Janeiro Musuem of Modern Art (MAM/RJ). Between the 60s and the
80s, she held several solo exhibitions in São Paulo, Rio, Washington
and Lisbon. She took part in four editions of the Salão Nacional de
Arte Moderna, the 1965 collective at the Royal College of Art in London,
the traveling show Brazilian Naive Art in the United States, the Bienal
Internacional de São Paulo, the IV Biennale Internazionale Naifs, in
Milan, and the Bienal de Arte Naïf, at Sesc in Piracicaba, in 1994 and
2000. Her work can be found in the collections of the São Paulo Musem
of Art, the Museu Castro Maya (MAM/RJ), the Musée D´Art Naif de L'Ile
de France and the Museums of Modern Art in Buenos Aires and Hamburg. Ruben Valentim Self-taught painter, Valentim was also a sculptor, engraver and
professor. In 1946 participated on the renewal of the plastic arts in
Bahia, with Mário Cravo Júnior and Carlos Bastos. In the 50's
published chronicles on art in the bahian press, carrying through in
1954 his first individual exposition. Moved to Rio de Janeiro in 1957,
where he was professor-assistant in the Institute of Arts. Awarded in
the National Hall of Modern Art of 1960, moved to Europe three years
later. He returned to Brazil in 1966, year when he participated on the
World-wide Festival of Black Arts in Dacar, Senegal. Taught painting in
the Central Institute of Art of the University of Brasilia in 1967. A
part from sculptures and walls, Valentim drew a series of medallions for
the Central Bank of Brazil. Amongst the expositions on which he
participated the Biennial International of São Paulo (1955 and 1996),
Biennial of Venice (1962), Tradition and Rupture are distinguished:
Synthesis of Brazilian Art and Culture (Biennial Foundation of São
Paulo, 1984), Biennial of Havana (1986), Introspective: Contemporary Art
by Americans and Brazilians of African Descent (The Bronx Museum, New
York, 1990), Show of the Rediscovery (Biennial Foundation of São Paulo,
2000), Brazil: Body and Soul (Guggenheim Museum, New York, 2001) and
Ruben Valentim (National Arts Museum, Rio De Janeiro, 2002). Santa Santa was born in Contagem, MG in 1938. Painter, studied in the
Guignard School, BH. She participated of the Nello Nuno Hall, BH (1976)
and the following Joint halls: III and V Brazilian, Brasilia (1973-75);
Portal Gallery, SP (1988); Gallery Central Bank, Brasilia (1989); The
City and the Artist - Two Centenarians, Cultural BDMG, BH (1995);
Consolidation of Modernity in Belo Horizonte, MAP, BH (1996). She did
the following individual ones: The Boticário Wide atelier, RIO DE
JANEIRO (1969); Gallery AMI, BH (1971/73/76/77); Mandala Gallery, RIO DE
JANEIRO (1972); MTC, BH (1973); Gallery Otto Cine, BH (1976); Art Trevo
Gallery, RIO DE JANEIRO (1977); House of Minas Gerais, SP (1977);
Lithographic House, BH (1978); Zuleika Campos's Art Office, BH (1979);
Mandala Gallery, BH (1980-83); Trevo Art Gallery, BH (1981); Atelier
Santa, BH (1982/83/95); MASP (1982); Gallery Graphical Gesture, BH
(1982); Hilton Hotel Gallery, BH (1982); Guignard Gallery, BH (1983);
Gallery Tear, RIO DE JANEIRO (1984); Saint Louis and New York, U.S.A.
(1984-86); Gallery Maria Ríspoli, BH (1985); Pace Gallery, BH (1986);
PIC, BH (1990); Gallery Art Meeting, BH (1991); Penedo, RIO DE JANEIRO
(1992); Central Bank, BH (1993); Rembrandt Gallery, BH (1993). She has
works in the collection of the Jaburu Palace, Brasilia; National Bank of
Habitation, RIO DE JANEIRO and Contagem City hall. Sergio Telles Sergio Barcellos Telles was born in April 14th, 1936, in the city of
Rio de Janeiro. Of 1954 the 1962, studied hive painting of Rio de
Janeiro. Later frequented the art studios of Rodolfo Chambelland and
Oswaldo Teixeira. In 1957, it served as apprentice in the services of
restoration of the Pinacoteca of the Vatican, Italy, and visited the
main museums of Italy, France, Holland and Portugal. In 1962, met Marie
Nivoulies de Pierrefort and was always in her ateliê in the Outeiro da
Glória. In 1964, it was approved in the public exam at the Rio Branco
Institute and begins the diplomatic career, in Brasilia, Federal
District; in 1972, for suggestion of Jorge Amado, travelled to Porto
Seguro, Bahia, and fell in love with the city. In 1974, wrote the book:
Nivouliès de Pierrefort. Buenos Aires: Modern Art Museum in Buenos
Aires, Argentina. At this time, edited a book with his oils and
drawings. Also relied on Jorge Amado and Jeaniene Warnod's cooperation,
aiming at the patrimonial preservation. He was known for his figurative
and fauvist work. Outstanding Expositions: in 1954, National Hall of Art
in Rio de Janeiro; in 1955, First Individual one of Rio De Janeiro; in
1969, Individual, in the Debret Gallery, in Paris, France; in 1969,
Individual, in Gallery L ' Angle Aigu, in Brussels, Belgium; in 1973,
Individual, in the National Art Museum (MNBA), in Rio de Janeiro; in
1973, Individual, in the Gallery La Ave, in Paris, France; in 1980,
Individual one, in the Fujikawa Gallery, Osaka, Japan; in 1981 and 1994,
Individual, in the Renato Magalhães Gouvêa Office of Art, in São
Paulo; in 1986, Homage to the 50 Years of Sergio Telles, in the Museum
Petit Palais, in Geneva, Switzerland; in 1987, Individual, in National
art Museum (MNBA) in Rio de Janeiro, in 1988, Retrospect, in the São
Paulo's Art Museum (Masp); and, in 1989, Exposition, in the Museum of
the AEO, United States. Siron Franco Franco arrived in Goiânia in 1950. In 1959 he studied painting with
D.J. Oliveira and Cleber Gouvêa and attended classes at the Catholic
University's School of Fine Arts. He held his first solo exhibition in
1967, at the Hotel Bandeirantes. He moved to São Paulo in 1969, where
he frequented the studios of Bernardo Cid and Walter Levy and was part
of the group that put on the exhibition entitled Surrealismo e Arte
Fantástica at the Seta Gallery. He visited Mexico in 1973 and in 1975
won the overseas travel prize at the Salão Nacional de Arte Moderna,
which enabled him to travel throughout Europe. In 1979 he began a
project of 'interferences' in the urban space of the city of Goiânia.
He has illustrated several books and authored a text in a book published
by SESC (Brazil's National Social Service for Commerce). Since 1986 he
has been producing public monuments inspired by Brazil's dramatic social
situation. He has taken part in several exhibitions, such as the Bienal
Internacional de São Paulo, and turns out work with a strongly
political slant that blends social criticism. Sylvio Pinto He studied at the Arts and Crafts School and with his father, knowm
as Pinto the Painter.At home he met Pancetti, Armando Viana and other
famous painters of the time. Later he received classes and incentive
from Bustamante Sá, Manoel Santiago, Edson Motta, Milton da Costa,
Djanira, Quirino Campofiorito and others. In 1952 he received the
Overseas Travel Award at the SNBA. "Feeling and instinct have
always been the basic fuel of Sylvio Pinto's craft. Either because in
some ways he is anti-rational as artist, or because he could not
overcome he most trivial of human tendencies, his always active and
exemplary presence as painter has waned while other artists assumed more
prominent roles. This dillution has not affected his central core of
creativity, which has maintained its original power in the most
difficult moments. Based on two decades of observing the Brazilian
artistic milieu, we would consider it unwise to expound a rigorous
theory on the degree of intent in an artist's effort to makw history.
Particularly in painting. More correct would be to wager on an
explanatory parallelism between the artist's production (which at times
attains a nearly didactic expressive consensus) and the signs of the
times, characterized by existential concerns, by environmental schemes,
by the conflicts originating with the violence of the evolutionary
process itself, its pace as rapid as this century's, our times, but
never wished to make of his painting a banner of protest or criticism.
He wished only to paint, and his work has that touch of the heart
blending with brush and hand in the resolution of a pictorial journey.
At most, the works of Sylvio Pinto reflect emotional states. They were
somber in somber times, and in later days more luminous. They consented
to certain influences which time will filter, in its own time,
eventually compiling the minimal and essential sampling which is the
glory of any painter. We know of no artist, particularly among the
modern, who has not constructed the body af his work as a series of
lesser exercises, working toward the rare instant of the greater
discoveries. Sylvio Pinto is no exception, but at certain moments, the
only moments which interest us historically, he attained a high level of
creativity among his contemporaries. And he has achieved this without
the mental gymnastics of those who remain attentive to outside stimuli,
who support themselves on the crutch of enticing and hungry specialists,
indirectly justifying a development which should adhere to time with the
naturality of larval metamorphosis". (W.A) Tobias Marcier He began to paint and very early and made his debut in 1964.
"Tobias' sources of inspiration were many. They have come from his
father Marcier, from whom he was substantially different, from the
Chirico and Ismael Nery, the fantasy of Old World and the fantasy of
youthful dreams; and all suffused by a feverish drive to create that
provided the perfect finish to his enlightened matter. The fact is that
we find a full-blown and even painter in the works he has left behind.
He has created compositions in which space is always completely filled
in, like in a puzzle-map. Except that here we have the anti-puzzle
because conventional logic is totally subverted to create a new visual
order. The assemblage of figures often used to tell his stories carries
us to apocalyptic scenarios where symbols of today play against archaic
ones. His gears, magician's boxes , familiar household objects, are all
forms engraved in memory, knowledge as the backdrop for a dream-like
universe. His characters usually appear in groups; they are communities
trapped by the fear of death and a fascination for life, sad maddened
and sensuous frolickers powerless before the mistery as if on the eve of
judgement Day. Gangly like puppets, they are not truly thinking beings
but rather thought out with simpathetic compassion. Signs of national
origin in symbolic and visual trait terms are just hinted at, for the
reality of Tobias' experimentation is acted out in a universal stage
set. However, his brush work denotes brief gestures, subtle touches
unhurried but not careless; it is rather a commitment to authentic
talent, a sensitive taste for his craft. His is an art void of leading
characters, full of the symbols of mystery and projections from memory
which define the converging quality of human nature as a synthesis of
heritage, eternal, from passive rule over paradise to fruitful
rebellion." (W.A.) Tobias Marcier lived in Barbacena throught 1969
and decorated its streets for Carnival until 1968 in addition o giving
ceramics lessons. Tony Lima Antonio Carlos Lima is self-taught, drew with pencil since childhood.
He met the ink in 1980, when moved to Brasilia. Little by Little made
himself familiar with the ink and the linhaça`s oil guided by the store
clerk Zé Luis from the art material house Poliarte. He participates in
some painting courses with Anselmo Rodrigues and Luiz Lobão. He
abandons the waiter work to dedicate himself integrally to the painting.
His work is inspired in the comment of scenes and images of the daily
life, allied to the ones that appear in his dreams. "Tony Lima was
to be one more Tonho. Through his work, however, he's imposing himself
to the critic. It is something beyond words." (Déia
Francischetti). Main Expositions: 1993- XVII Arts Hall in Brasilia (DF);
1999- LBV Art Gallery, Federal Council of Accounting, Brasilia (DF);
2000- Off Gallery, São Paulo (SP) and Administration of the South Lake,
Brasilia (DF); 2001 Embassy of the Lebanon, Brasilia (DF); 2002- Rubem
Valentim's Gallery in the Cultural Space and Martins Pena Room in the
National Theatre, Brasilia (DF); 2003- Cultural Space Patio Brazil Mall,
White Hall of the National Congress and Gallery Athos Bulcão in the
National Theater, Brasilia (DF). Awarding: 1996- Pinte Brasilia, 1º
Award and 2003- Joint Brazil Patio, 5º Award. Vicente do Rego Monteiro Monteiro began his studies in Rio de Janeiro in 1908 at the National
School of Fine Arts. He traveled to France in 1911, where he attended
the Colarossi, Julien and La Grande Chaumière academies. In 1915 he
returned to Rio de Janeiro, where he worked as a sculptor. He held his
first solo exhibition in 1918 at the Santa Isabel Theater in Recife. In
1920 he exhibited his work in São Paulo, where he became part of the
circle of Di Cavalcanti, Anita Malfatti, Pedro Alexandrino and Victor
Brecheret. In this same year he began to take an interest in Brazilian
themes. He returned to France, but left behind eight pieces to be shown
at the Modern Art Week of 1922. Inspired by indigenous culture and the
ceramics of the island of Marajó, he illustrated Louis Duchartre's book
Légendes, Croyances et Talismans des Indiens de l´Amazone. He brought
the exhibition A Escola de Paris to Brazil in 1930, with works by
Picasso, Léger, Braque, Macoussis and Lhote. He was the co-founder of
the Salon des Surindépendants in 1930, and of the Salon d'Avant Garde
in 1940. He settled in Recife in 1932, and spent alternating periods
between Brazil and France until 1950. Virgínia de Paula Artistic formation: School of Beautiful Guignard/UEMG Arts; Course of
Aesthetic Specialization of Baroque - Museum of the Inconfidência - the
Preto/MG Gold (1967). Individual: Guardianship of Palhano Jr. - Mines
Tennis Club - Cultural Department - BH (1966); Gallery AMI (Mining
Association of the Press) - BH (1981); Exhibition hall - Gallery Old Art
and Contemporary - BH (1986); Gallery Time - Goiânia/GO (1986); Visual
Gallery - Brasilia (1989); Gallery Time - Goiânia (1992);
"Thematic Jewish" Israeli Historical Institute - Guardianship
of JACQUES Levy (1993); Art From Brazil - Silver Lake Gallery - the USA
(1993); São Paulo - Portugal - Office of Mines in SP (1993); Assir Wega Nery At the age of 20, Nery's poetry was published under a pseudonym by the Rio-based magazine, O Malho. At the end of the 1940s, after spending two years in hospital, she turned to painting and studied drawing at the São Paulo School of Fine Arts. In the early 50s, she was taught by Yoshiya Takaoka and Joaquim da Rocha Ferreira. She joined the Guanabara Group and frequented Samson Flexor's Atelier Abstração, winning the drawing award at the Bienal de Internacional São Paulo in 1957 and the Acquisition Prize at the 1963 edition. She held her first solo exhibition at the São Paulo Musem of Art in 1955, following this with one-woman shows in Munich, London and Washington. In the 60s, she taught drawing and painting at the Sociedade Cívica Feminina, in Santos. She has taken part in numerous collective exhibitions, including those of the Guanabara Group, the II Bienal Americana de Arte, in Córdoba, Argentina, and the Bienal Brasil Século XX, in 1994, the same year in which the Centro Cultural São Paulo honored her 80 years with a retrospective. Win Van Dijk Early art studies in Rotterdam, Paris, Milan and Florence. Painted a large panel of the S. Hendrik Cathedral, in Helsinki. A Cultural Mission of the Danish Government brougth him to Brazil where he remained to live in Petrópolis. Received the Vitor Meireles Prize from the Brazilian Literary Academy for a painting shown at one of its annual exhibitions. He writes poetry, has published a book and belongs to the Petrópolis Literary Academy. References about him by Torres Pastorino (Win L. Van Dijk- L'Homme, lê Peintre, I'Oeuvre, 1948) and by H. Pereira da Silva (Function of the unconcious mind of plastic arts, 1951). Yara Tupynambá Yara Tupynambá was born in Montes Claros, MG, 1932. Recorder, tracer
and mural painter, she was teacher at the EBA/UFMG and the Guignard
School, BH. She initiated her studies with Guignard in the School of the
Park in 50's. Dedicated herself to engraving studying with Misabel
Pedrosa, and perfecting herself with Goeldi, in Rio De Janeiro. She
received the Scholarship for the Pratt Institute, New York (1975).
Awarded in the SMBA, BH (1958); 1º Award in Engraving in XVI the SMBA
(1961); 1º Award in Drawing, TV Itacolomi, BH. She was chosen by the
specialized critic as revelation of the year (1966); Best plastic artist
(1969); Outstanding artist in Minas Gerais (1970); Outstanding Artist
(1970-74); Mural Painter of the Year (1979); 1º Award of Engraving in
II the Worker Hall, SP (1963); Participated of the following biennial
and halls: The biennial International of the Engraving on Wood, Envry,
France; IX, XI, XI, XIV SPAM, SP (1960/62/63/64); XX Picture gallery of
the Museum of the State of Pernambuco, Recife (1961); XI SNAM, RIO DE
JANEIRO (1963); I and III SAM, Brasilia (1964-66); I and II Hall of Ouro
Preto, MG (1967-69); I Hall of Visual Arts, Porto Alegre (1970); BISP;
Biennial of Salvador. Participated on following Joint expositions:
Brazilian Engravers , Pass of the Arts, SP; Brazilian Engravers, Gallery
of the ICBEU, RIO DE JANEIRO; I Latin American Certame of Xilo engraver,
Buenos Aires; Brazilian artists, Indiana and Ohio, U.S.A.; Brazilian
Artists, The Brazilian Cultural American Institute, Washington;
Brazilian artists, Cité Universitaire, House of Brazil, Paris; Selected
Brazilian artists for the the Museum Spokje, Yugoslavia; Brazilian
Artists, Nigéria; Embassy of Brazil, Santiago; Brazilian Artists, BAC,
New York; Panorama of Brazilian Current Art, MAM-SP; Brazilian artists,
(itinerant): U.S.A.; 50 Years of Art in Brazil, MAM-RJ; Contribution of
the Woman in the Plastic Arts in Brazil, MAM-SP (1960); Brazil Art Today
50 Years Later, Collection Gallery, SP (1973); The City and the Artist:
Two Centenarians, Cultural BDMG, BH (1996); Consolidation of the
Modernism in Belo Horizonte, MAP, BH (1996). Did the following
individual expositions: Gallery AMI, BH; ICBEU Gallery , BH; Gallery
Inter Art Brazil, Paris; Institut of Education, University of London;
Brazilian Cultural Centre, Santiago; Art Museum of Rio Grande Do Sul,
Porto Alegre (1963); Guignard Gallery, BH (1965); Hourian Fine Art
Gallery, San Francisco (1965). She has works in many public collections:
MAP, Mineiro Museum, ALEMG, City council, Freedom Palace, Foundation
Clóvis Salgado and UFMG, BH; Embassies of Brazil in Rome, Quito, Paris
and Santiago; MNBA, RIO DE JANEIRO; MAM-SP; MAM-Bahia, Salvador;
MAM-Campinas, SP; Great MAM-Campina, PB; Greco-roman Patriarchate,
Damson plum; Glad MAM-Porto; Black MAM-Brook, SP; Museum Spokje,
Yugoslavia; Museum of Friburg, Switzerland. Yutaka Toyota Studies at the University of Arts of Tokyo, from 1949 to 1954. He moved to Brazil in 1968, setting in São Paulo. He then went for a period o Buenos Aires and other to Milan. On return to Brazil, he became a naturalized Brazilian. Commencing to paint, he developed, stimulated by brazilian spaces, an important sculptural design, alternating brilliant and opaque areas, utilizing artificial light, cosmic extension, manipulating metals, in a process that Olívio Tavares de Araújo defines, saying: "Like a true oriental, whose roots were never eradicated, Toyota has a metaphysical conception of art, in which he sees a process of knowledge or the universe and of himself, and a system of enrichment of the spirit asceticism." Toyota returned recently to painting, manipulating the hiperrealist frontier of geometric forms, making the curves of sheet aluminum vibrate, in a kind of a metaphysical ode of an op nature. |